La flor del almendro: referentes artísticos y literarios

La flor del almendro: Referentes artísticos y literarios TRABAJO FIN DE GRADO AUTOR: Virginia María Delgado Domínguez CURSO 2021/2022 GRADO EN BELLAS ARTES Universidad de Sevilla TRABAJO FIN DE GRADO Grado en Bellas Artes -Universidad de SevillaCURSO 2021-2022 TÍTULO La flor del almendro: Referentes artísticos y literarios AUTOR Virginia María Delgado Domínguez TUTOR Gema Climent Camacho ÍNDICE BLOQUE ATEORÍA I. Introducción...................................................................................................... 1. II. Objetivos.......................................................................................................... 2. III. Metodología.................................................................................................... 2. IV. Referente literario; (influencia en la obra artística)................................... 7. IV. 1. Miguel Hernández s. XX........................................................................ 7. IV. 1.1. Vida y Obra...................................................................................... 9. V. Referentes mitológicos..................................................................................... 15. V. 1. Mitología Griega...................................................................................... 15. V. 2. Ovidio.......................................................................................................20. V. 2.1. Vida y obra........................................................................................ 20. VI. El almendro: Referencia de artistas del siglo XIX de Occidente y Oriente....................................................................................................................23. VI. 1. Van Gogh................................................................................................ 24. VI. 1.1. Vida, obra e influencias.................................................................... 24. VI. 2. Hiroshigue.............................................................................................. 31. VI. 1.2. Vida, obras e influencias...................................................................31. VII. Teoría de las técnicas empleadas para la realización del proyecto gráfico: el almendro................................................................................................................... 36. VII. 1. Breve historia del aguafuerte: Rembrandt............................................. 37. VII. 2. Breve historia del aguatinta: Goya........................................................ 40. BLOQUE BPRÁCTICA VIII. Almendro en flor.......................................................................................... 43. VIII. 1.1. Idea y boceto...................................................................................... 43. VIII. 1.2. Proceso técnico del aguafuerte y aguatinta........................................ 45 IX. Vientos de Invierno.......................................................................................... 49. XI. 1.1 Idea y boceto.......................................................................................... 49. XI. 1.2. Proceso técnico del aguafuerte y aguatinta........................................... 51. X. Conclusiones...................................................................................................... 53. XI. Bibliografía....................................................................................................... 55. XII. Anexo............................................................................................................... 57. XIII. Obras relacionadas con éste proyecto..........................................................61. XIV. Lista de Figuras...............................................................................................68. Bloque ATeoría “Propósito de espuma y de ángel eres, víctima de tu propio terciopelo, que sin temor a la impiedad el hielo, de blanco naces y de verde mueres. ¿A qué pureza eterna te refieres con tanta obstinación y tanto anhelo?... ¡Ah, sí! Tu flor apunta para el cielo en donde está la flor de las mujeres...”1 Rosa de Almendra, Miguel Hernández. I. INTRODUCCIÓN: El invierno tempestuoso ve su final con la floración del almendro anunciante inequívoco de la primavera, que durante poco menos de un mes, colorea el campo aún yermo de las heladas pasadas. Tras meses de vientos glaciales, campos sin vida y paisajes marchitos, los primeros almendros florecen cada febrero, engalanan sus ramas con flores de blancos tonos y rosa jaspeado, aguardando a que el viento las deshoje y como la nieve, caiga inevitablemente tras un leve instante en el aire. Diversos artistas a lo largo de la historia, de los cuales hablaré más adelante, han observado la naturaleza y han plasmado en sus obras, la floración de este árbol, que una vez al año, durante solo unas semanas, resurge con fuerza del invierno, regalándonos un instante o una eternidad al contemplarlo. Se habla de varios significados para ésta flor, que nos invita a la reflexión del cambio y la belleza, sin embargo, el más extendido es el símbolo de la pureza y la espiritualidad. Este proyecto, además de realizar una investigación sobre todo lo que concierne al almendro, quiere plasmar su floración mediante la técnica del grabado, así como tantos artistas de diversa índole lo han hecho en sus pinturas, poemas etc, dando un significado distinto y dejando parte de sus almas en las obras que tanta admiración nos causan. 1. Miguel Hernández, “Poemas varios” de 1933-1934. 1. II. OBJETIVOS: - Recopilar información sobre la mitología de diferentes culturas en las que se menciona el almendro o la flor del mismo. - Investigar escritores y poetas que se basan en la floración del almendro. - Estudiar la anatomía de las aves y las partes en las que se componen las flores, para hacer una correcta representación. - Observar las obras de diferentes artistas que también han tomado este motivo para su posterior representación mediante diferentes técnicas. - Experimentar con diferentes técnicas del grabado, el aguafuerte y el aguatinta. - Representar la naturaleza. - Representar escenas de la mitología. III. METODOLOGÍA: Para poder realizar este proyecto, hemos tenido que pensar qué es lo que queremos contar y transmitir, para después buscar la información que nos de las bases para realizar la práctica. Comenzamos realizando una investigación sobre el almendro en internet, su significado, origen y si existían referencias mitológicas. Para nuestra sorpresa, ya que no son muy conocidos, existen relatos de la mitología griega en los que el almendro es protagonista. Al saber de la mitología griega, nos propusimos encontrar los libros que tuvieran referencias a los mitos que hablan sobre el almendro. De ahí pudimos leer los poemas en los que se narran dichas historias, y comprender un poco mejor su significado, pues como pasa en la mayoría de los relatos, hay distintas versiones. 2. Tu corazón, ya terciopelo ajado, llama a un campo de almendras espumosas mi avariciosa voz de enamorado. A las aladas almas de las rosas del almendro de nata te requiero, que tenemos que hablar muchas cosas, compañero del alma, compañero.”4 Fragmento de “Elegía a Ramón Sijé”, Miguel Hernández. “...No seas, primavera; ¡no! te acerques, ¡quédate! en alma, almendro: sed tan solo un propósito de verdes, de ser verdes sin serlo...”5 Fragmento de“Primera lamentación de la carne”, Miguel Hernández IV. 1.1. VIDA Y OBRA: Miguel Hernández6 nació el 30 de Octubre de 1910 en Orihuela. Fue el tercer hijo de los cuatro que tuvieron Miguel Hernández y Concepción Gilabert. Su familia se dedicaba a la cría de ganado caprino, razón por la cual hizo que se trasladaran a una casa ubicada en las afueras, más grande y acorde con el negocio familiar. Su padre aspiraba a ascender socialmente, logrando ser nombrado “alcalde de barrio”; su madre, por su parte, era una mujer enfermiza (padecía bronquitis crónica) y a menudo debía guardar cama. 4. “Elegía a Ramón Sijé” es un poema dedicado en memoria de su amigo del alma, José Ramón Martín Gutierrez, que se encuentra en el libro “El Rayo que no cesa” de 1936. 5. Es un poema en el que se tortura por sentirse impuro, pecador y alejado de Dios por no ser capaz de resistirse a la tentación del cuerpo. 6. José Luis V. Ferris.“Miguel Hernández (Biografias y memorias)”, 2002, Ediciones Martinez Roca. 9. Hernández, fue pastor de cabras desde muy pequeño. Estuvo escolarizado desde 1915 hasta 1916 en el centro de enseñanza “Nuestra Señora de Monserrat” y de 1918 a 1923 estudió educación primaria en la escuela del “Amor de Dios”. En 1923 pasa a estudiar el bachillerato en el colegio de “Santo Domingo de Orihuela” en el que le proponen para una beca con la que continuar sus estudios, pero su padre la rechaza. En 1925 abandonó los estudios por orden de su padre para dedicarse con exclusividad a la actividad del pastoreo. Mientras cuidaba del rebaño, el joven poeta leía libros de San Juan de la Cruz, Gabriel Miró, Paul Verlaine y Virgilio entre otros y escribía sus primeros poemas. Figura 1. Miguel Hernández. 10. Los libros fueron su fuente fundamental de conocimiento y formación, particularmente de la poesía, siendo totalmente autodidacta en este sentido. Los grandes autores del Siglo de Oro español: Miguel de Cervantes, Pedro Calderón de la Barca, Garcilaso de la Vega, Luis de Góngora, y Lope de Vega, fueron los principales maestros de los que bebieron sus textos. Por su gran pasión por la escritura, compra una máquina de escribir para dejar de molestar al vicario, quien le pasaba a limpio los versos que escribía. Por ello, y con recomendación de un funcionario que conocía, finalmente compró una máquina y desde ese momento, Miguel comenzará a subir al monte de la Cruz de la Muela con ella al hombro, escribiendo diversos poemas hasta bien entrada la tarde. El 25 de Marzo de 1931, obtuvo el primer y único premio literario de su vida concedido por la Sociedad Artística del Orfeón Ilicitano, con un poema llamado “Canto a Valencia”, cuyo principal tema era el paisaje y las gentes del litoral levantino. Debido a la notoriedad que adquirió a través de publicaciones en varias revistas y periódicos, el 31 de Diciembre de 1931 viajó a Madrid, para consolidarse en la escena, acompañado de algunos poemas y recomendaciones. Sin embargo el intento fracasó y se vio obligado a regresar a Orihuela el 15 de Mayo de 1932. Sin embargo, este viaje fue de gran importancia, ya que le permitió conocer la obra de la generación del 27, así como la teoría necesaria para la composición de una de sus primeras obras. En 1933 publica Perito en Lunas, su primer libro, y el 29 de Abril de 1933 es invitado a leer su obra en la Universidad de Cartagena y en el Ateneo de Alicante. . 11. Tras este comienzo tan prometedor, viajó por segunda vez a Madrid para conseguir trabajo, ésta vez con más suerte, ya que fue nombrado colaborador en las Misiones Pedagógicas. Posteriormente consiguió ser secretario y editor de la enciclopedia Los Toros, por su director, José María de Cossío, quien se convirtió en su mayor protector. Colaboró también con frecuencia en la Revista de Occidente y mantuvo una relación con la pintora Maruja Mallo, inspirándole parte de los sonetos de “El rayo que no cesa”. Formó una gran amistad con Pablo Neruda y Vicente Aleixandre; origen de su breve etapa dentro del Surrealismo. Su poesía, por su parte, se hizo más social y expresó claramente un compromiso político con los más pobres. Cuando estalló la Guerra Civil, Miguel Hernández estaba en Orihuela. Le pidió su amigo José María de Cossío, con quien tuvo un gran contacto en EspasaCalpe por la redacción conjunta de la enciclopedia Los Toros, le pide en una carta fechada del 25 de Agosto, que le ayudara a poder cobrar la mitad de su sueldo mensual, por haber sido asesinado en Elda el padre de su novia, al ser guardia civil. Hernández se postuló del lado republicano. En el verano de 1936 ingresó en el Partido Comunista de España y desde principios de 1937 es comisario político-militar. Hernández figuró en el 5º regimiento, ejerció como comisario político y pasó a otras unidades en los frentes de la batalla de Teruel, Extremadura y Andalucía. En plena guerra, consigue huir brevemente a Orihuela para casarse con Josefina Manresa el 9 de Marzo de 1937. A los pocos días tuvo que acudir al frente de Jaén. En el verano de 1937 participa en el II Congreso Internacional de Escritores por la Defensa de la Cultura celebrado en Madrid y Valencia, donde conoce al peruano César Vallejo. Viajó a la URSS en 1937 en representación del gobierno de la República de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, donde permaneció del 1 de septiembre al 5 de octubre, escribiendo tres maravillosos poemas: "España en Ausencia", "Rusia" y "La Fábrica Ciudad". ", este último escrito en Kharkov y similar a la obra del poeta Vladimir Mayakovsky. 9. Este poema podemos encontrarlo en el libro “Heroidas” del gran poeta romano Ovidio, en él Filide se lamenta de su situación en una queja a su amado Demofonte. 12. En octubre vuelve a escribir el drama Pastor de la muerte y numerosos poemas que luego recoge en su obra El hombre acecha. Su primer hijo, Manuel Ramón, nació en diciembre de 1937, a quien dedicó las célebres “Nanas de la Cebolla” En 1937 escribe un nuevo libro: “Viento del Pueblo”. Cedido a la 6ª Liga, marcha a Madrid.En abril de 1939, poco después de la guerra, se imprimió en Valencia "El hombre acecha". Todavía sin encuadernar, una comisión de limpieza franquista presidida por el filólogo Joaquín de Entrambasaguas ordenó la destrucción total de la edición. Sin embargo, dos copias rescatadas hicieron posible la reimpresión del libro en 1981. Su buen amigo Cossío se ofreció a hospedar al poeta en Tudancia, este consideró regresar a Orihuela aunque conocía los riesgos, pero finalmente decidió ir a Sevilla vía Córdoba con la intención de cruzar la frontera portuguesa en Rosal de la Cross Frontera (Huelva). La policía del dictador portugués Salazar lo entregó a la Guardia Civil. Cuando estaba en prisión, su esposa Josefina Manresa le envió una carta mencionando que solo tenían para comer pan y cebolla; el poeta compuso las "Nanas de la Cebolla" en respuesta. Durante los nueve días que estuvo preso en Huelva, fue sacado en varias ocasiones por grupos de falangistas, que lo golpearon brutalmente. Querían que confesara haber matado a José Antonio Primo de Rivera, el líder de la Falange. De la prisión de Huelva fue trasladado a Sevilla y posteriormente a la prisión de la calle Torrijos de Madrid (actual calle del Conde de Peñalver), donde fue liberado inesperadamente sin ser procesado gracias a las gestiones realizadas por Pablo Neruda ante un cardenal, en septiembre de 1939, aunque las gestiones paralelas de Cossío también tuvieron su impacto. Pero de regreso a Orihuela, fue traicionado y detenido y ya en la prisión de la Plaza del Conde de Toreno de Madrid fue juzgado y condenado a muerte por un consejo de guerra en marzo de 1940. José María de Cossío y otros amigos intelectuales, entre ellos Luis Almarcha Hernández, amigo de la infancia y vicario general de la diócesis de Orihuela (más tarde obispo de León en 1944), intercedieron por él y le conmutaron la pena de muerte por treinta años de prisión. 13. Luego pasó por la cárcel de Palencia (llegó el 23 de septiembre de 1940 tras un viaje de 16 horas en vagones junto con otros 244 presos), donde dijo que no podía llorar porque se congelaban con el frío. También en el Centro Penitenciario de Yeserías y en noviembre en el Centro Penitenciario de Ocaña (Toledo). En junio de 1941 fue trasladado al reformatorio de adultos de Alicante, donde compartió celda con el Buero Vallejo. Allí enfermó primero de bronquitis y luego de tifus, que se complicó con tuberculosis. La intervención del pintor Miguel Abad Miró, amigo desde antes de la cárcel, fue decisiva para la atención médica especializada del director de la Farmacia Antituberculosa de Alicante, Antonio Barbero Carnicero, que consiguió mejorar la situación del poeta con dos intervenciones, pero lamentablemente la entrega del permiso al hospital antituberculoso "Porta Coli" de la provincia de Valencia llegó demasiado tarde. Miguel accedió en el último momento y contra su voluntad a casarse por la iglesia con Josefina en la enfermería de la prisión para facilitarle las cosas a su mujer, ya que su anterior unión civil no tenía validez legal bajo el nuevo franquismo. Murió la mañana del 28 de marzo de 1942 en la enfermería de la prisión de Alicante, con tan solo 31 años. Se dice que no podían cerrarle los ojos, hecho por el cual su amigo Vicente Aleixandre compuso un poema. Abad Miró formó parte del pequeño cortejo fúnebre que, junto con la viuda, acompañó los restos del poeta hasta el cementerio y pagó los gastos del funeral. Fue enterrado el 30 de marzo en el Cementerio de Nuestra Señora del Remedio de Alicante. 14. V. REFERENTES MITOLÓGICOS: V.1. MITOLOGÍA GRIEGA: Para poder hablar de mitología, primero veremos qué significa etimológicamente la palabra y así poder comprender mejor la definición. El término griego mythología7 está compuesto de dos palabras: - mythos, que en griego significa “el discurso”, “palabra con actos”, un “acto de habla ritualizado”, o un relato. - logos, que en griego significa: la expresión (oral o escrita) de los pensamientos y también la habilidad de una persona para expresar sus pensamientos. Podemos ahora comprender, que la palabra mitología, nos habla de un relato o un conjunto de historias y leyendas propias de una región determinada, en los que se intenta explicar fenómenos como el origen del universo y la vida, fenómenos meteorológicos o simplemente situaciones para las que no encontraban una explicación. Cuando hablamos de mitología griega, sabemos que estamos hablando de las leyendas en la región de la Antigua Grecia, y por lo tanto cómo ellos interpretan el mundo. La mitología griega, tiene diferentes mitos en torno a árboles como el laurel de Dafne, o la granada de Perséfone. Sin embargo, en este caso, nos vamos a centrar en dos mitos menos conocidos pero igual de importantes, que como la flor del almendro, tienen que ver con el renacimiento de la naturaleza y la esperanza eterna. Las flores de almendro significan amor eterno, amor más allá de la muerte, consuelo al ser amado, la luz y la virtud. 7.Anderson, Albert A. (2004), «Mythos, Logos, and Telos: How to Regain the Love of Wisdom», en Anderson, Albert A.; Hicks, Steven V.; Witkowski, Lech, eds., Mythos and Logos: How to Regain the Love of Wisdom, Rodopi. 15. El primero que vamos a contar es el mito de Agdistis8 y Atis: Se cuenta que Agdistis era una deidad nacida del semen de Zeus que contaba con genitales masculinos y femeninos, es decir, un ser hermafrodita. Existen varias versiones acerca de este suceso, una de ellas es que nació del intento de Zeus de violar a la diosa de la tierra, Cibeles, que pudo zafarse del dios justo antes de que este eyaculara, por lo que su semen habría caído en la tierra, y otra versión es que Zeus fertilizó la tierra con su semen al soñar con Cibeles. Sin embargo y más allá del origen de esta deidad, Agdistis tenía algo que la hacía especial, era poseedora de los genitales de ambos sexos, lo que hacía que los dioses tuvieran envidia de él/ella y de su considerable fuerza. Por ello, los dioses, encargaron a Dionisio, dios del vino, una bebida para adormecerlo y poderlo castrar. Agidtis toma dicha bebida y pierde la conciencia. Luego, Dionisio ata una cuerda a los tobillos de la deidad. Agdistis despierta y al estirar las piernas, se arranca sus propios genitales, tras ello, comienza a sangrar, y con ella, fertiliza la tierra del que surge un almendro. Mucho tiempo después, Nada, hija del rey dios del río Sangario, encontró el árbol, recogió una almendra y la colocó en su vientre, quedando embarazada por la fertilidad de la planta, naciendo Atis, que se convirtió en un joven muy hermoso. Agdistis se enamora de su propio hijo y al no ser correspondido por estar comprometido con una princesa, acude a la boda y lanza un hechizo sobre todos los hombres para que se arranquen los genitales. Así pues, Atis hechizado se castra a sí mismo y muere desangrado. Otra de las versiones narra que el rey Sangario ordena abandonar al niño, el cual fue recogido por unos transeúntes y criado con miel y leche de macho cabrío (en otras versiones fue criado por un carnero) de ahí que se llame Atis. Cuando el muchacho creció, Agdistis y Cibeles se disputaban a Atis por lo hermoso que era, pero el rey Midas, se lo entregó como esposo a su hija. Agdistis enloquece y hace que Atis se castre a sí mismo bajo un pino, muriendo desangrado (en esto coinciden ambas versiones). 8 “Descripción de Grecia” VII. s. II, Pausianas. (En éste libro el autor describe sus observaciones e investigaciones de los viajes que realiza). 16. La diosa Cibeles enterró sus miembros y de su sangre brotaron violetas rodeando dicho árbol. La hija del rey Midas, desesperada se suicida y de su sangre también brotan violetas. La diosa Cibeles se apiadó de ella y la entierra, desde donde crece un almendro. El siguiente mito, habla sobre Filis9 o Filide, hija del rey Licurgo, rey de Tracia y Demofonte, hijo de Teseo. Demofonte fue uno de los héroes de Troya . Regresando de la guerra, su barco naufraga en la región de Tracia, donde reinaba Licurgo. La princesa Filis, se enamora perdidamente de Demofonte y el rey acepta su matrimonio. Así pues se casan, pero apenas un tiempo después de la boda, llegaron noticias a la corte en el que se contaba que el tirano Menesteo, quién le había arrebatado el trono de Atenas a Teseo, su padre, había fallecido. Por ello, y aprovechando esta oportunidad, Demofonte pidió permiso a su esposa para ausentarse un mes y recuperar la ciudad. La joven acepta por las promesas de su amado de regresar lo antes posible. Así pues, tras una calurosa y triste despedida llena de dulces promesas, la pareja se separó “temporalmente”. Sin embargo, los días pasaban y ella no tenía noticias de su esposo, llegando a esperar hasta cuatro meses, ofreciendo sacrificios cada día a los dioses por la pronta vuelta de su marido. Filis convencida y desesperada de que Demofonte no regresaría jamás, se suicidó colgándose de un almendro. Se dice que mucho tiempo después, Demofonte que no tenía pensamientos de volver a Tracia pues se había instalado en Chipre, encuentra uno de los cofres que le había entregado su esposa en la despedida, con la promesa de lo abrirlo hasta perder toda esperanza de reencontrarse con ella. El cofre era en realidad un objeto sagrado de la diosa Rea, y cuando Demofonte ve lo que había en su interior, se asusta y huye a loms de su caballo que por desgracia tropieza haciendo caer a Demofonte, muriendo al clavarse en el pecho su propia espada. Otra de las versiones más famosas cuenta que Demofonte llegó a Atenas, y tuvo que quedarse más tiempo de lo esperado. La diosa Atenea se apiadó de Filis y la transformó en un almendro que permaneció seco y estéril, mientras el alma de Filis estaba de luto. 9. Las dos versiones del mito podemos encontrarlas en el libro “Fábulas” nº XLVIII de Higinio, escritor latino del s. I a.C 17. Cuando Demofonte regresó de Tracia, en lugar de su esposa, encontró el almendro muerto. Decepcionado y afligido, abrazó el tronco seco y lloró amargamente. Calentado por su abrazo y regado por las lágrimas, el árbol floreció, llenándose de flores blancas en un intento de consolar a su amado. Hay referencias de éste último mito en las Heroidas de Ovidio, donde se narran poemas de las mujeres de los héroes, atendiendo a la psicología femenina, relegadas de las fantásticas leyendas, donde solo se las nombra. “Aquilla, oh demofonte, tu querida Filis, aquella que en su reino casa te dio hospedaje un tiempo y acogida: Al cielo, a ti y al viento, doy sin tasa mis quejas, porque el plazo señalado de tu venida vuelta, y huye y pasa. Tu me juraste que en habiendo dado el triforme planeta un giro entero por el superno curso acostumbrado, La ancla vería con su diente fiero de tu nave fijarse en la arena de este mi Tracio puerto, do te espero. Cuatro veces la he visto entera y llena, y cuatro sin su lumbre; mas no te veo que tu tornada Ródope se ordena”.10 Extracto del Poema de Fílide a Demofonte, Heroidas, Ovidio 10. Extracto del libro Heroidas, Ovidio. 18. Acudió a la escuela de forma discontinua, donde estudió francés y alemán, dejando sus estudios permanentemente a los 15 años, para ponerse a trabajar por dificultades económicas en su familia. En 1869, a los 16 años, tras abandonar los estudios, comenzó a trabajar como aprendiz en Goupil & Co, una importante compañía internacional de comercio de arte de La Haya, en este momento comienza su afición por la pintura. Para ese entonces, Van Gogh era plurilingüe, hablaba con fluidez cuatro idiomas, francés, alemán, inglés y holandés. Tras cuatro años, marcha a Londres para proporcionar obras de arte a los comercios del lugar. Se enamora de la cultura anglosajona y pasa su tiempo libre visitando las galerías de arte de la época, convirtiéndose en un gran admirador de las obras literarias de Charles Dickens y George Elliot. Por ese entonces, Van Gogh se enamora de Eugenia, hija de la patrona de la pensión donde se hospedó. Sin embargo este amor no fue correspondido, provocándole un colapso emocional, lo cual le llevó a tirar todos los libros a la basura, a excepción de la biblia, que comenzó a estudiar para dedicar su vida a Dios. Su frágil estado emocional también afecto a su vida laboral, pues lo despiden de la galería al interponer sus gustos personales sobre las ventas que debía hacer, además de provocar discusiones con sus compañeros. A finales de Marzo de 1876 eligió orientar su vida hacia la religión, permaneciendo dos años en Londres predicando. Marchó a Amsterdam donde 25. en flor (Van Gogh, 1890) Óleo sobre lienzo (73,5 x 92 cm) comenzó a estudiar teología, sin embargo tras un año estudiando, no pudo acceder a ella debido a que se negó a realizar pruebas de acceso para latín, pues lo calificaba como un idioma muerto. En 1879 fue enviado como misionero evangelizador entre las poblaciones mineras de Borinage y un año más tarde a Cuesmes, viviendo en la más absoluta pobreza y llegando a simpatizar con la lucha de los mineros. En este momento Van Gogh comienza a pintar, dejándonos las primeras huellas de un estilo sombrío. Sin embargo, las organizaciones evangélicas no estaban contentas con Van Gogh por el camino de martirio que había tomado, decidiendo no renovarle el contrato. Se estableció en Bruselas en 188015 para dedicarse a la pintura con el apoyo económico de su hermano Theo, que había comenzado a trabajar como comerciante de arte. Allí hizo amistad con el pintor neerlandés Anthon Van Rappard. Se inscribió en la academia de Bellas Artes donde empezó sus estudios de dibujo y perspectiva, haciendo dibujos basados en las pinturas de Jean François Millet, sobre todo de campesinos y mineros de una forma muy realista. Mientras tanto, su vida amorosa14 no mejoraba, con frecuencia se enamoraba de mujeres con problemas a las que él pretendía ayudar, en uno de sus viajes a Etten para visitar a su hermano, empezó a frecuentar la casa de su primo Anton Mauve, llegando a enamorarse de su prima Cornelia, que había enviudado recientemente, sin embargo ella le rechazó de forma reiterada, esto le ocasionó a Van Gogh problemas con su familia. Ya en La Haya, su primo Anton, pintor de acuarelas, le insta a seguir con el aprendizaje del dibujo y perspectiva, comenzando a hacer las primeras acuarelas y naturalezas muertas. Su vida amorosa cambia repentinamente tras el rechazo de su prima, pues recoge de la calle a una prostituta alcohólica, llamada Maria Hoornik, que estaba embarazada y tenía una hija. Con ellas vivió un año, siendo modelos del pintor, sin embargo al volver ella a la prostitución y por presión familiar, dejó la relación y abandonó La Haya. 14. Massimo Recalcati, “Melancolía y creación en Vincent Van Gogh”, 2019, Nuevos Emprendimientos Editoriales. 26. Por ello, se trasladó a Drente, al norte de los Países Bajos, donde estuvo tres meses, pintando temas paisajistas al óleo. En esta época se puede apreciar la soledad que sentía el pintor por las cartas que mandaba a su hermano Theo. En Diciembre de 1883, regresó a casa de su padre, Neuen, donde había sido trasladado. Allí, su familia le acondicionó una habitación como taller, en el que realizó obras como “Jardín rectoral en Neuen en primavera” o “El tejedor en el telar”. En otoño de 1884, Figura 5. Rama de almendro en flor en vaso (Van Gogh 1888 ) Óleo sobre lienzo. 27. volvió a enamorarse de la hija de un vecino, Margot Begemann, llegando a pensar en contraer matrimonio. No obstante, se encontraron con la firme oposición de la familia de Margot. Poco después, en Marzo de 1885, su padre muere repentinamente, y decide marcharse de casa por las continuas disputas por la herencia entre su madre y sus hermanas. Durante este periodo, pinta uno de sus cuadros más famosos “Los comedores de patatas”, su hermano Theo que vivía en París, consideró que su obra no era muy comercial para aquella época, pues el impresionismo era la tendencia en los mercados. A finales de ese mismo año, Van Gogh se marcha a Amberes, instalándose en un pequeño taller encima de una tienda de pinturas, cuyo alquiler pagaba su hermano Theo. En 1886 se trasladó a París a vivir con Theo, que se quedó en la galería de arte en la que anteriormente había trabajado Vincent. Rápidamente se vinculó con los jóvenes pintores de la época, que se encontraban a la vanguardia de los movimientos artísticos más reformadores. Influenciado por el trabajo de los impresionistas, así como por los artistas japoneses, el estilo de Van Gogh comenzó a evolucionar. Sus colores se hicieron más vivos y sus pinceladas se refinaron al seguir las formas de los objetos que representaba, inspirándose en el color y el uso de la luz. A partir de 188816, adopta los tonos claros y brillantes presentes en las pinturas de sus amigos franceses entre los que destacamos a Toulouse Lautrec, Seurat, Paul Gauguin y Cezánne. Para ahorrar dinero, comenzaron a posar como modelos para ellos mismos en lugar de contratar a otras personas. Finalmente, tras dos años en París, marcha al sur de Francia. Bajo el sol de la Provenza, pintó paisajes y escenas de la vida del sur. El artista, en ese entonces instalado en Arlés, comenzó a utilizar “pinceladas17 curvas y arremolinadas, así como colores puros, particularmente amarillo, verde y azul”. Esta técnica, muy específica 16.ROBERTS, K., The impressionist and Post-impressionist, Oxford, 1975. 17.Metzger, Rainer, Walther, Ingo F. “Van Gogh. La obra completapintura” 2015, Taschen (1 de Marzo 2015). 28. Figura 6. El H de la obra de Van Gogh, aparece en sus famosos cuadros “El dormitorio en Arlés” 1888, y“La noche estrellada” 1889. Cualquier creación visible de Van Gogh de este período, ya sea pintada o dibujada, parece estar dotada de una vitalidad física y espiritual. Sus primeros cuadros en Arlés fueron típicamente japoneses, aunque ya no le hacía falta copiar las estampas de Hiroshigue y Hokusai, un claro ejemplo lo encontramos en la obra “Melocotonero en flor”. De este tiempo también destacan los retratos, entre los que destacamos el “El retrato de Eugene Boch”, “El Zuau”, “El cartero roulin”. 29. Huerto Blanco (Van Gogh 1888) Óleo sobre lienzo. Además de los retratos18, Van Gogh dedicó el verano a pintar paisajes al aire libre, destacamos: “Vista de Arlés con lirios en primer plano”, “Los segadores con Arlés al fondo”, “La cosecha”, “Campos labrados”, “La viña verde” y “El sembrador”. En su entusiasmo persuadió a Paul Gaugin, a quién había conocido en París, para que se uniera a él y al taller de artistas, realizando una de sus obras más famosas, “Los girasoles”. Tras menos de dos meses de trabajo juntos, su relación se deterioró rápidamente, culminando en la disputa en la que Van Gogh amenazó a Gauguin con una cuchilla de afeitar. Esa misma noche, Van Gogh se cortó la oreja19 y la llevó a un burdel que solía frecuentar como regalo a una prostituta llamada Rachel. A la mañana siguiente, la policía encontró a Van Gogh en su casa y lo llevaron al hospital, donde pudo recuperarse. Cuando le dieron el alta regresó a su casa, sintiéndose golpeado por la depresión, siguió pintando para encontrar la paz interior, aunque no lo consiguió. Unos meses más tarde, ingresa voluntariamente en el manicomio de SaintRemydePovence, donde dedica la mayor parte de su tiempo a la pintura, sobre todo de interior. Gran parte de sus obras maestras fueron creadas durante este período, entre la que destacamos “Jarrón con Lirios”. Realizó su primera exposición en París en 1889, en el Salón de los Independientes, y en 1890 recibió una invitación para participar en una exposición en Bruselas con el grupo Les XX, donde vendió la obra “El viñedo rojo”. En Mayo de 1890, el artista abandona el sur de Francia y regresa a París con su hermano Theo. Fija su residencia en Auvers-sur-Oise, cerca de la casa del Dr. Gachet, incondicional admirador y protector de varios pintores impresionistas, y cuyo retrato pintó. El artista pintó arduamente en Auvers antes de fallecer, en los últimos treinta meses de vida, realizó 500 obras. 18.Steven Naifeh,“Van Gogh: Una Biografía” 2012, TAURUS (21 de Noviembre de 2017). 19. Vincent Van Gogh, “Cartas a Theo” 2012, Ediciones Paidós (20 de Septiembre de 2012). 30. La depresión que padecía empeoró, hasta que el 27 de Julio de 1890, con solo treinta y siete años, se disparó en el pecho mientras paseaba por el campo. No se dio cuenta de la gravedad de sus heridas y regresó a la pensión, donde murió en brazos de su hermano Theo el 29 de Julio de 1890, es decir dos días después. VI. 2. HIROSHIGE: VI. 2.1. VIDA, OBRAS E INFLUENCIAS: Utagawa Hiroshige20 o Ichiryusai Hiroshige; cuyo verdadero nombre fue Ando Tokugaro (Edo, actual Tokio, 1797Ibídem, 1858) fue un pintor japonés nacido en Edo, la actual Tokio. La única referencia que hay sobre su nacimiento la encontramos en el retrato Póstumo que hizo Utagawa Kunisada, donde dice que murió a los 62 años. Era hijo de Ando Genuemon, guarda de la brigada de fuego de Edo, es decir un samurai encargado de la prevención de incendios, que era uno de los vasallajes hereditarios del shogun Tokugawa, que transmitió a su hijo al morir en 1809. En su juventud recibió los nombres de Tokubei y Jüemon, ya que era costumbre en la época cambiar de nombre o añadir más al principal. Las obligaciones de Hiroshige como guarda de la brigada de “bomberos” eran ínfimas, al igual que su salario que también era pequeño; estos factores, unidos a su natural predisposición al dibujo que había mostrado desde pequeño, hicieron que en 1811 entrara en la escuela de ukiyo-e con Utawaga Toyohiro, convirtiéndose en el principal discípulo de su maestro. En 1812 recibió el nombre de su maestro, símbolo de graduación y empezó a firmar sus obras con el nombre de Utawaga Hiroshige21, y se hizo cargo del taller a la muerte de su maestro en 1828. Fue sin duda el gusto refinado de su maestro lo que fue moldeando el propio estilo del artista, que guiado a su vez por su propio genio, se convirtió en el 20. GRANADOS VALDÉS, Antonio. Ukiyo-e. El grabado japonés. (Madrid: 1994) 21.Yone Noguchi, “Hiroshigue”, 2021, SANS SOLEIL EDICIONES. 31. mejor xilógrafo de paisajes. Aunque recibió el nombre de artista y la licencia de la escuela de forma temprana, a la edad de quince años Hiroshige no era ningún niño prodigio, por lo que no presentó públicamente su trabajo artístico hasta tres años después, en 1818. En el campo de la ilustración creó una marca propia, con un nombre propio Ichiyusai Hiroshige. Durante su periodo de estudiante realizó algunos trabajos para el estudio de Toyohiro y también se dedicó al conocimiento de arte chino, la influencia del estilo Kano y del estilo impresionista de Shijo, que tuvieron un gran predominio en su estilo posterior. Con su maestro se formó en la escuela de Utagawa, centrándose en la representación de Figuas 7 y 8. Cien famosas vistas de Edo. (Hiroshige) 32. mujeres bellas y actores de teatro popular japonés. Hasta 1832, cuando renunció a su cargo a favor de su hijo, no pudo dedicarse por completo a la creación artística. Como suele ocu rrir con la mayor parte de los artistas de clase baja del ukiyo-e22, apenas se conocen datos biográficos, pues a la sociedad japonesa no le interesaba nada la vida personal de los artistas, considerando exclusivamente su faceta artística. Por ello, para conocer sobre la vida adulta de Hiroshigue, debemos observar sus trabajos. Su vida artística podemos dividirla en tres fases. La primera es su largo periodo de estudiante, de 1811 hasta 1830, durante el cual se inició imitando los trabajos de grandes maestros, realizando estampaciones de figuras, muchachas, agentes, samurais o guerreros. La segunda etapa, es el primer período de paisaje que desarrolló desde 1830 hasta 1844, durante esta fase tuvo que viajar para cumplir una misión oficial en 1832, de Edo a Kioto por la llamada ruta de Tokaido, surgiendo su obra más conocida “Cincuenta y tres escenas de Tokaido”, caracterizándose por la representación de las vistas del paisaje de Japón. Con ésta obra adquirió una extraordinaria popularidad como paisajista. En ellos mostró paisajes bajo el efecto de la lluvia, la niebla y la luz del amanecer o de la luna. En su última etapa, iniciada a partir de 1844 hasta 1856, su popularidad y los numerosos encargos recibidos hicieron que se rodeara de discípulos y que se resintiera la calidad de su obra. A partir de entonces se centró en plasmar paisajes, realizados siempre en series, ya fuera sobre ciudades, lagos, naturaleza o las rutas que seguía. Sus obras, caracterizadas por el lirismo, la suavidad y el detallismo, desempeñaron en Occidente una gran influencia. “Las Sesenta y nueve estaciones del Kisokaido” es otra de sus realizaciones más conseguidas. Estuvo casado en dos ocasiones, con su primera esposa se casó en 1821, enviuda ndo en 1839, con la que tuvo un hijo. En 1847, se casó con su segunda esposa, y adoptaron una niña, que posteriormente se casaría con dos discípulos suyos, Hiroshigue II e Hiroshigue III. Se trasladó a Kanoshindo en 1849, y con 60 años, en 1856, se convirtió en monje budista tras el ritual de afeitarse la cabeza. 22.Adele Schlombs, “Hiroshigue (1797-1858): El Maestro de la Xilografía Japonesa Ukiyo-E”, 2010, TASCHEN BENEDIKT. 33. Hiroshigue murió de cólera en 1858, debido a una epidemia que se desató por la ciudad. Fue enterrado en el cementerio del tempo Asakusa Togakuji, en una ceremonia al estilo samurai. Desarrolló su estilo con la técnica del grabado, principalmente la xilografía. Se nspiraba en temas anecdóticos y escenas de género otorgándoles una gran sensibilidad y modernidad. El estilo en el que destaca se denomina “estampas del mundo flotante”20, estas estampas retrataban de forma sencilla y estética los ambientes, la ciudad y sus gentes. También supo captar de forma magistral la luz de diferentes horas del día, y el cambio de las estaciones. Reflejó la naturaleza de una forma lírica y evocadora23, con un cierto romanticismo y una gran sensibilidad para la belleza de la naturaleza. En ocasiones también introdujo poemas en sus imágenes, con una delicada caligrafía. Su subjetivismo es uno de los puntos más resaltables, todas sus obras las interpreta en una visión utópica del paisaje y la sociedad de su época. A lo largo de toda su vida realizó 5400 xilografías24, destacando en ukiyo-e y la técnica nishiki-e un tipo de cromoxilografía que permitía el grabado en color. Además del paisaje, Hiroshigue se dedicó a otros géneros, especialmente la representación de flores, aves, peces y otros animales. También se dedicó al género de la caricatura y las estampas humorísticas y el giga, imágenes de juegos, precursor del manga. Entre sus obras destacamos también las series de “Cincuenta y tres etapas de la ruta de Tokaido”, “Cien famosas vistas de Edo”, “Treinta y seis vistas del monte Fuji”. 23.GARCÍA GUTIÉRREZ, Fernando. El arte del Japón. (Madrid: Espasa Calpe [Suma Artis Vol. XXI], 1985). 24. Adele Schlombs, “Hiroshige (1797-1858): El Maestro de la Xilografía Japonesa Ukiyo-E”, 2010, TASCHEN BENEDIKT. 34. Figura 9. Cien famosas vistas de Edo (Hiroshig Parece ser el primero que lo usó en 1760 fue Jean-Baptiste Leprince (1734-1781) aunque su máximo exponente será Goya. FRANCISCO DE GOYA: Francisco de Goya31 nació el 30 de Marzo de 1746 en España, en la provincia de Zaragoza. Era hijo de un famoso artesano de buena reputación y tuvo cinco hermanos. Su padre quería que siguiera con el negocio familiar, sin embargo él quiso pintar los cuadros que creaba en su imaginación. Vivió una época convulsa, en la cual se produjo la Revolución Francesa y la Guerra de Independencia, de la que fue testigo directo, y en cuya obra se refleja, revelando una conexión íntima entre el arte, la existencia y la historia. En el colegio no destacaba como estudiante, por lo que a los catorce años comenzó a formarse como artista siendo el aprendiz de un pintor llamado José Luzán. Estuvo cuatro años con él, copiando estampas y dibujos, haciendo algún que otro encargo hasta que dec idió iniciar su propio camino. En el año 1763 se fue a Madrid para entrar en la Academia de San Fernando, pero no lo consiguió. No obstante, conoció a un artista, (su futuro cuñado) Francisco Bayeu, que le ayudó en su trayectoria como pintor logrando varios trabajos importantes, haciendo que Goya destacara y crease buena fama como artista. 31. GUDIOL, J. Goya. Biografía. Estudio analítico y catálogo de sus pinturas. Barcelona, 1971. 41. rancisco de Goya, 1826) Óleo sobre lienzo 94x78cm Se casó con Josefa Bayeu en 1773, la hermana de su buen amigo Francisco Bayeu. Solo uno de los ocho hijos que tuvieron consiguió sobrevivir al parto, convirtiéndose además en el futuro heredero de Goya. En el año 1774 se trasladó a Madrid reclamado para realizar cartones para la Real Fábrica de Tapices32, siendo un período en la pintura del artista en el que se muestra plegado al gusto oficial. Pero la actividad de Goya durante estos años no se limitó exclusivamente a la realización de cartones para la Real Fábrica de Tapices, también realizó obras como “La predicación de San Bernardino” y “La pradera de San Isidro”31. En el año 1786 el rey Carlos IV le convirtió en el pintor del Rey y pintor de cámara el 30 de Abril de 1789. Su papel en la corte pronto le convirtió en uno de los pintores preferidos de la aristocracia, para la que realizó numerosos retratos entre los que destacamos “Los duques de Osuna con sus hijos” en 1798 o “La condesa de Chinchón”33 en 1800. La actividad de Goya durante estos años fue intensa, entre 1800 y 1803 realizó obras tan sobresalientes como“La maja desnuda” y “La maja vestida”. También experimentó con técnicas y temas tan diversos como la serie de grabados “Los caprichos” y la pintura mural “Frescos de la ermita de San Antonio de la Florida”. En los grabados que realiza, el pintor acomete una crítica a la sociedad de su tiempo ironizando sobre los vicios y las costumbres. En la serie de “Los Caprichos”, “Los Desastres de la guerra” y “Los Proverbios”, el pintor pone de manifiesto su actitud frente a la realidad social, política e ideológica de su entorno. Cuando su esposa Josefa murió, empezó una relación con una sirvienta que tenía 35 años menos que él, acompañándolo hasta el día en que murió, el 16 de Abril de 1828 en Burdeos. Actualmente, sus restos descansan en la ermita de San Antonio de la Florida. 32. TOMLINSON. J. A. Francisco de Goya. Los cartones para Tapices y los comienzos de su carrera en la corte de Madrid. Madrid: Cátedra, 1993. 33. GUDIOL, J. Goya. Biografía. Estudio analítico y catálogo de sus pinturas. Barcelona, 1971. 42. Bloque BPráctica VIII. ALMENDRO EN FLOR: VIII. 1.1. IDEA Y BOCETO Teniendo como referentes a grandes artistas en el mundo de la pintura y la literatura, no fue difícil encontrar la inspiración para elaborar los primeros bocetos para la parte práctica de éste proyecto. La lectura de los poemas de Miguel Hernández nos tocaron el alma , sintiendo cada verso como propio, recreando en la mente con total claridad lo que su corazón lamentaba en cada rima, la muerte de su gran amigo, y la analogía de ese acontecimiento con la floración del almendro. Cada año al finalizar el invierno, el almendro florece, obsequiando con ello la esperanza de un nuevo comienzo, la primavera y el sol, que fundirán el hielo y la nieve, llevándose el frío, la nostalgia, la muerte. De igual forma, que la golondrina se encuentre en la composición no es casual, pues viene a representar la misma idea que hemos estado explicando, la vuelta de la primavera que trae consigo una nueva vida. La obra de Van Gogh “El Almendro”, nos sirvió de guía para realizar los primeros esbozos, al igual que la delicada y precisa línea de Hiroshigue en sus diversas estampaciones. Como referente, tomamos una de las fotografías que realizamos para este proyecto, surgiendo finalmente la idea final. 43. Almendro en Flor, Estampa aguatinta, 2022. 44. VIII. 1.2. PROCESO TÉCNICO DEL AGUAFUERTE Y AGUATINTA Tomando como referencia a los artistas anteriormente expuestos, llegamos a la siguiente imagen pasando por dos técnicas dentro del grabado calcográfico. El Aguafuerte y el Aguatinta que ahora explicaremos: Preparación de la plancha de cobre: 1Deben hacerse los bordes de la plancha con una lima y repasarlos con un bruñidor hasta que queden suaves al tacto. Esto se hace para facilitar la limpieza de los mismos y evitar la rotura del papel en el proceso de estampación, ya que puede pasar si los bordes están muy afilados. 2Aplicamos en la parte trasera un adhesivo llamado airon-fix, que protegerá el metal durante su inmersión en el mordiente. 3Desengrasamos la plancha con blanco de España, debemos prestar mucha atención para que no quede alguna parte sin desengrasar ya que debe estar limpia para aplicar la capa de barniz. 4Con una brocha colocamos de manera uniforme el barniz charbonnel ultraflex, sobre el que una vez seco dibujaremos en espejo, es decir, que dibujaremos de forma inversa para que la imagen final se vea como hemos planificado al comienzo. 5Hacemos las líneas iniciales ayudándonos de papel carbón, que colocaremos sobre la plancha, luego con un lápiz afilado hacemos el dibujo, que quedará registrado en ella. 6Con un punzón con punta de metal rayamos el barniz por las zonas que hemos dibujado. Una vez realizados estos puntos, pasamos a explicar la inmersión de la plancha en el ácido cítrico: 45. 1Establecemos el tiempo que requerirá cada línea, dando tres minutos a las lineas del fondo y dejando cuarenta minutos en total las líneas más cercanas, sobre todo al pájaro. 2Introducimos la plancha en una cubeta de ácido mordiente rebajada con agua (aguafuerte), que tiene la capacidad de atacar el metal y disolverlo en las zonas en que se ha hecho desaparecer el barniz. Recordemos que la profundidad de líneas depende del tiempo de exposición al ácido y de la concentración de este. 3Con la ayuda de un cuenta hilos vemos cómo va la mordida de las mismas. 4Dibujamos de nuevo y repetimos el proceso, teniendo en cuenta que las líneas más claras tendrán que ser tapadas con el barniz, lo que nos dará un gradiente y un dibujo más cuidado. Entintado de la plancha: 1Una vez que las líneas han mordido el tiempo suficiente para que el dibujo quede como queremos, quitamos el barniz con aguarrás y volvemos a desengrasar, para así tener la plancha totalmente limpia y lista para entintar. Hay que añadir que sin el conocimiento del estado del mordiente, tendremos que ir haciendo pruebas de estado sobre la plancha, para así poder ver el mordido de las líneas. Para ello habrá que quitar el barniz, entintar y estampar. Así tendremos más seguridad de lo que estamos haciendo y de cómo va mordiendo el ácido. 2Para entintar la plancha necesitaremos tinta negra de la marca charbonnel, que es la más adecuada para la estampación en grabado, aceite de linaza para hacer fluida la tinta en el caso de que fuese necesario, la rasqueta con la que aplicaremos la tinta. Hay que aplicar la tinta con cuidado ya que pueden producirse arañazos con gran facilidad. 3Apretamos ligeramente la rasqueta con la tinta sobre la superficie para que se introduzca 46. bien en las líneas mordidas por el ácido. 4Con la tarlatana distribuimos la tinta por toda la plancha con movimientos circulares, quitando también el exceso de la misma. 5Por último y con ayuda de papel de seda, vamos retirando la tinta sobrante, quedando exclusivamente la que se ha introducido en las líneas. Para oscurecer un poco más el pájaro hicimos punta seca sobre las alas y el pico. Así conseguiríamos otorgar una mayor profundidad a la imagen. Estampación de la plancha: Para la estampación, hicimos un registro exacto con las medidas de la matriz y del papel que vamos a usar. Hemos escogido para este proyecto papel Fabriano Rosaspina en tono crema. Metemos el papel en una tina con agua y esperamos unos pocos minutos, dejamos que escurra y colocamos entre dos papeles secantes. Ponemos el registro y la matriz sobre el tórculo con la presión correspondiente a nuestra plancha y con sumo cuidado colocamos el papel, teniendo cuidado de no moverlo para que la estampa salga perfecta. Tras varias pruebas en las que fuimos observando cuánto había que limpiar, según que zona, si queríamos que quedara más blanco o más oscuro, llegamos a la imagen final, en el que se aprecia un degradado en las lineas, de las más alejadas o claras a las más cercanas u oscuras. Realizado el aguafuerte, procedemos con la siguiente técnica que es el aguatinta: 1Desengrasamos la superficie de la plancha para que la resina no se despegue y proteger el reverso. 2Espolvoreamos la resina sobre la superficie con la ayuda de un resinero. Para ello habrá que bajar la resina de las paredes del resinero. Hacemos que la resina quede en suspensión e introducimos la plancha de cobre durante tres minutos aproximadamente. 47. 3Tras esto fundimos la resina de forma muy suave sin excedernos con el calor, ésta debe quedar uniforme. 4Después tapamos las zonas que queremos que se queden en blanco, en este caso dejaremos el fondo, y metemos en ácido nítrico un minuto.Volvemos a tapar las zonas que queremos que queden con un gris claro, las flores del fondo y algunas zonas de los pétalos para dar contraste, metiendo dos minutos más. Después para un gris oscuro, tapamos las zonas del gris claro, exceptuando algunos pétalos y metemos cinco minutos más. Por último tapamos de nuevo las zonas restantes y dejamos doce minutos más, pues queríamos conseguir un gran contraste entre el fondo blanco y las flores más cercanas al pájaro. 5Una vez tenemos la plancha mordida, quitamos el producto que hemos aplicado para tapar las zonas con aguarrás, y hacemos una prueba de estado, aplicando la tinta, quitando el exceso con la tarlatana y el papel de seda. Una vez estampada vemos los resultados obtenidos de la mordida y vemos si hiciera falta volver a resinar y meterla en el ácido. Si por el contrario hubiera quedado muy oscura, aplicamos el bruñidor a las zonas que queramos resaltar. 6Por último se entinta la nueva superficie “encrespada” de la plancha donde la tinta se quedará y nos dará el gradiente de tonos que queremos. Tuvimos que aplicar el bruñidor para dar más luz y contraste a las flores que están más cerca del pájaro y así diferenciarlas de las demás. Así mismo, tuvimos el cuidado de darle gran oscuridad al pájaro. pues queríamos que fuese lo que más resaltara en la estampa. 48. IX. VIENTOS DE INVIERNO: IX. 1.1. IDEA Y BOCETO: La siguiente idea que teníamos en mente, sobre todo al saber de la existencia de la mitología del almendro, fue elaborar una obra que unificara el mito y los artistas que hemos tomado como referentes. Tras meditar e investigar sobre ambos mitos, escogimos escenificar el mito de Filis y Demofonte, encontrando autores del siglo XIX que lo han representado maravillosamente, como la obra “El árbol del perdón”1881-1882, de Edward Burne-Jones y la obra “Filis y Demofonte” 1897 de John William Waterhouse, en él se encuentran reflejados sentimientos tan opuestos como el amor y la traición, el dolor y el perdón, tan necesarios en nuestra vida. Nos parecía interesante añadir la figura de las golondrinas, para dar una continuidad a las obras, evocando el sentimiento de esperanza. La joven princesa espera el regreso de su amado sobre un almendro en flor. 49. - LEMAYNE, J: La pintura holandesa. Barcelona, 1976. - Massimo Recalcati, “Melancolía y creación en Vincent Van Gogh”, 2019, Nuevos Emprendimientos Editoriales, ISBN 9788416737567 - MELOT. M., GRIFFITHS, A., FIELD, R., BEGUIN, A. Historia de un Arte, El Grabado. Barcelona, Skira-Carroggio Ediciones, 1981, del original Print History of an Art Ginebra, 1974. - MUENZ, L; Rembrandt, dibujos y grabados. Madrid, Electa España, 1991. - REWALD, J., El Postimpresionismo. De Van Gogh a Gauguin, Madrid, 1982. - ROBERTS, K., The impressionist and Post-impressionist, Oxford, 1975. - ROSEMBERG, J: Rembrandt, vida y obra. Madrid, Alianza Forma, 1987. - RUBIO MARTINEZ, Mariano; Ayer y hoy del Grabado y sistemas de estampación, conceptos fundamentales, historia y técnicas. Tarragona. Ediciones Tarraco 1979. - Steven Naifeh,“Van Gogh: Una Biografía” 2012, TAURUS (21 de Noviembre de 2012), ISBN-13 978-.8430600915. - TOMLINSON. J. A. Francisco de Goya. Los cartones para Tapices y los comienzos de su carrera en la corte de Madrid. Madrid: Cátedra, 1993. - Vincent Van Gogh, “Cartas a Theo” 2012, Ediciones Paidós (20 de Septiembre de 2012), ISBN 978-84-493-2748-3. -Yone Noguchi, “Hiroshigue”, 2021, SANS SOLEIL EDICIONES, ISBN 9788412157888. 56. XII. ANEXO 57. Fotografía de un almendro realizada para éste proyecto. 2022 58. Fotografía realizada para éste proyecto. 2022 59. Figura 12. Peach tree in blossom (Van Gogh 1888) Óleo sobre lienzo, 50 cmx 37.5 cm 60. Figura 13. Blossoming Almond Branch in a Glass with a book. (Van Gogh 1888) Óleo sobre lienzo. 61. OBRAS RELACIONADAS CON ESTE PROYECTO: Estampa realizada en aguafuerte. 2022 62. Estampa realizada en linóleo. 2022 63. Estampa realizada en linóleo. 2022 64. Estampa realizada en aguafuerte. 2022 65. Estampa realizada en aguafuerte con un degradado de color. 2022 Sevilla Junio de 2022