El dulce como disciplina artística

TRABAJO DE FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTES -UNIVERSIDAD DE SEVILLACURSO 4 AUTOR: LIDIA DELGADO FERNÁNDEZ TRABAJO DE FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTES -UNIVERSIDAD DE SEVILLACURSO: 4 TÍTULO:EL DULCE COMO DISCIPLINA ARTÍSTICA AUTOR: LIDIA DELGADO FERNÁNDEZ TUTOR: MANUEL CASTRO COBOS Vo. Bo. DEL TUTOR: 2 1 I N D I C E INTRODUCCIÓN 2.1 LA NATURALEZA MUERTA: UNA REFLEXIÓN SOBRE LA SOCIEDAD A TRAVÉS DEL ARTE 2DESARROLLO DEL TRABAJO 2.2 EL AZÚCAR COMO OBRA DE ARTE 2.3 LA ACTIVIDAD CEREBRAL, LA CREATIVIDAD Y EL CONSUMO DE DROGAS 2.4 LA PERCEPCIÓN EN LA COMIDA Y EL ARTE 3CONCLUSIONES 4BIBLIOGRAFÍA Y DOCUMENTACIÓN ELECTRÓNICA 2.5 EL DMT COMO INSPIRACIÓN 2.6 OBRAS 4 ....................................... 6 .........................................................5 .......................... 7 ...........................15 .............. 20 ......................................................... .......................................... .............................................................. .................................. 28 34 39 49 ....... 50 I N T R O D U C C I Ó N 1 Este TFG (Trabajo de Fin de Grado) nace de la necesidad de aplicar los conocimientos adquiridos en la carrera de Bellas Artes, en un espacio diferente como es la repostería, entendiéndola como una disciplina artística y un medio de expresión más. Para ello, durante este trabajo se pretende hacer una exploración a través del alimento y su papel en la historia del arte, desde cuando este se empieza a representar hasta que es considerado en sí una obra de arte y se reconoce su protagonismo, ya no solo en el ámbito artístico, sino como un reflejo y descripción de grupos sociales en diferentes momentos. Posteriormente se realizará una investigación sobre los dulces y la historia e importancia del azúcar desde sus inicios hasta que empieza a formar parte de la repostería y se convierte en lo que es hoy, una forma artística independiente, poniendo a su vez, ejemplos de reposteros que trabajan las tartas de formas muy diferentes. A continuación se hablará del modo en el que el arte y el alimento influyen en el cerebro explicando también, el método de la percepción para así entender mejor la causa de esto. De igual modo, se expondrán otras sustancias que tienen también la posibilidad de alterar el modo de percepción ya mencionado, y el papel que estas ocupan en el proceso de la creatividad. En concreto, se hablarán de las drogas alucinógenas y el movimiento artístico que surge a partir del consumo de estas y sus características. Por último se hará una breve introducción para presentar las obras definitivas que en este trabajo se exponen, en el que se explique el artículo que relaciona a los hamsters con los alucinógenos que da pie y sirve de inspiración para el desarrollo de este TFG. 5 D E S A R R O L L O D E L T R A B A J O 2 6 L A N A T U R A L E Z A 2.1 M U E R T A : U N A R E F L E X I Ó N S O B R E L A S O C I E D A D A T R A V É S D E L A R T E El alimento siempre ha sido entendido como un elemento necesario para la supervivencia que cumplía una función vital, sin embargo, ha pasado de ser una función más del ser humano a convertirse en un acto de placer, algo que nos llama la atención. Elementos como la estética, la composición o el color cobran un nuevo sentido dentro de esta, dotándola de características que podemos encontrar en otras obras de arte. El alimento ha ocupado un lugar importante en las culturas y civilizaciones: se le han atribuido poderes a ciertos alimentos, han sido objeto de ofrendas a dioses o difuntos e incluso ha sido representativos de una sociedad o cultura. El arte, al igual que se ha encargado de representar y documentar la forma de vivir de los humanos, también lo ha hecho con los alimentos que consumiamos y de cómo cambiaba la forma que teníamos de verlos a lo largo de la historia, y es que, a través del arte puede también, ilustrarse la historia de la gastronomía. El alimento es un elemento que lleva estando presente en el arte desde hace más de dos mil años, siendo desde mero objeto de representación a la protagonista de diferentes obras de arte. La forma más clara y rápida que se nos viene a la cabeza a la hora de buscar referencias de comida en el arte surge con los bodegones, que van adquiriendo diferentes significados según cómo esta estuviera representada. 7 Las primeras representaciones de alimentos aparecieron bajo el nombre de Xenia en la villas romanas. Los Xenia eran las ofrendas de alimentos que las familias griegas y romanas realizaban a sus invitados. Los productos que se ofrecían eran sencillos, obtenidos directamente de la naturaleza, crudos o poco elaborados pues el objetivo era que los huéspedes se sintieran como si estuvieran en su propia casa. Los anfitriones intentaban ocultar las desigualdades que pudieran existir entre ambos, evitando mostrar su posición social y económica. Los romanos, una vez se encontraron rodeados de mayor lujo, crearon almacenes de provisiones para sus invitados que iban decorando. Es por esta razón que los artistas llamaron Xenia a las pinturas que representaban la comida que se ofrecían a los invitados, también conocidos como bodegones. Un ejemplo de esto es el mosaico que encontramos en la figura 1. Figura 1. Moisaico de la Casa del Triunfo de Dionisos, Sousse, Túnez, Siglo III A partir de esta costumbre ritual, los bodegones se convirtieron en los protagonistas de los frescos y los mosaicos de las paredes y suelos de las estancias de las villas romanas. La intención de los anfitriones al realizar estas representaciones, era mostrar de alguna manera, los productos alimenticios que podían ofrecer a sus huéspedes, como si de un menú se tratase.En estas representaciones comenzaron a aparecer poco a poco algunos productos con algo de elaboración como los lácteos y los panes. 8 Se realizaron también diferentes mosaicos que decoraban los comedores pero de una forma diferente, pues representaba un suelo tras los restos de un banquete, es decir, con todos los desperdicios que habrían caído en él y que reflejan la abundancia de la celebración. Estaban interpretados los desperdicios: peladuras de frutas, cáscaras de frutos secos, huesos, espinas, etc. Estas representaciones de desperdicios en mosaicos recibían el nombre de asarôtos oikos o “suelo sin barrer”. Uno de los primeros en realizar este tipo de mosaicos, según Plinio el Viejo, fue Sosos de Pérgamo, que es el que encontramos en la figura 2. Sin embargo, este tipo de pavimento, representaba una realidad, En las mesas romanas, todo el alimento que se cayese al suelo se debía dejar allí pues al entrar en contacto con el suelo dejaba de pertenecer al mundo de los vivos y se convertía directamente en una ofrenda para los difuntos. Por lo cual, barrer estos desperdicios era un símbolo de mal augurio pues se alteraba el equilibrio entre vivos y muertos. Estos motivos representados en los mosaicos, tenían realmente un significado profundo y simbólico incluso relacionado con la superstición. Figura 2. Mosaico de una villa de Vigna Lupi, copia romana de un original de Sosos de Pergamo, siglo II. a.C., Roma, Museo Vaticano. 9 Con la caída del Imperio Romano, el arte clásico de entonces fue sustituido progresivamente por la cultura estética. Debido a cambios socioeconómicos, que se reflejaron en el ámbito artístico, se abandonó la iconografía alimentaria, que tendría contadas apariciones (en especial fruta o verdura) como en misales o capiteles. Con la llegada del Renacimiento, en el ámbito religioso la presencia del alimento en las obras se hacen cada vez más notable mientras que en el profano, aparecen las representaciones de banquetes. Tras un periodo de esplendor, a los pintores de objetos, comida y desperdicios se les empieza a denominar como “pintores de cosas bajas” o “pintores menores” pues se consideraba que los objetos que representaban pertenecían al nivel más bajo aquello que se podía representar. Es por esto que las representaciones de alimentos caen en una decadencia artística. Esta idea se mantiene hasta el siglo XVII, donde la naturaleza muerta se empieza a considerar el rango más bajo, en contraposición a la representación de las escenas bíblicas o mitológicas y a los actos estatales representados por príncipes y potentados, que ocuparían el rango más alto. Este esquema estaba basado en que la realidad se encontraba constituida por un orden que va de lo inanimado, pasando por lo animado, hasta llegar al hombre, poseedor de alma inmortal y obra maestra de la creación. El término denominado “Stilleven” apareció en Holanda hacia 1650 y reflejaba la creciente urbanización de la sociedad holandesa y flamenca que daba mayor importancia al hogar y las posesiones personales, el comercio, el intercambio, el aprendizaje, todos los aspectos de la vida cotidiana. Era definido como una categoría del arte que representa objetos inanimados, que pueden ser naturales (comida, flores, animales muertos) o hechos por el hombre (vajilla, libros, vasijas). Un siglo más tarde,se le acuñó el término de “nature morte” en Francia, donde Du Pont de Nemourrs (1779) explicaría este concepto como cosas inanimadas. Las naturalezas muertas eran entonces lo que hoy denominamos vánitas, es decir, pinturas que nos hablan del paso del tiempo y que recuerdan constantemente la presencia de la muerte. En su significado más profundo, la naturaleza muerta es una celebración de los placeres materiales como el vino y la comida, pero al mismo tiempo una advertencia del carácter efímero de esos placeres y de la brevedad de la vida humana, simbolizada a través del reloj o de la calavera: la vanita es la vanidad, lo mortal. En España a este tipo de pintura se le conoce como bodegón. Este término surgió en España y provenía de la palabra bodega, es decir el lugar donde se guardaba la comida junto con la bebida. El bodegón se convirtió en un género dentro de la pintura como por 10 El siglo XIX supone un gran auge para la repostería pues empiezan a aparecer pastelerias y confiterias abiertas al público. Se mejoran los equipos y maquinarias y surgen otras nuevas, como las primeras máquinas de hacer hielo, lo que permite la producción en masa, gracias a su poder conservante. Se escriben también obras y revistas especializadas con un gran repertorio de recetas y descripciones de herramientas, utensilios y productos especializados con los que la pastelería alcanzó una gran importancia. Con el siglo XX llegan más avances tecnológicos que permiten una mejor conservación, la fermentación, la congelación, etc. que consiguen aumentar la calidad de los productos. Aunque la tarta más antigua del mundo, renombrada y certificada, es la austríaca conocida como Linzer Torte. Su receta fue escrita a mano en un libro de cocina que data del año 1969. Actualmente, la repostería ha tenido una nueva vertiente en la que se ha ido acercando al mundo artístico. Esta repostería decorativa se ha extendido desde Estados Unidos al resto del mundo gracias a las redes sociales y a los programas de televisión. Tanto es así, que cada vez hay más personas desarrollando esta disciplina en sus casas y se imparten más talleres donde se enseñan las diferentes técnicas y procedimientos. Uno de los motivos de este auge es que es un ocio que no es muy caro y que cada vez es más accesible gracias también a las tiendas on-line. También las nuevas tecnologías permiten una creatividad aún mayor, pues a día de hoy podemos encontrar nuevas técnicas que han revolucionado esta disciplina, llamando la atención y consiguiendo así más público y gente interesada en este ámbito. A parte de los elementos que usamos ya conocidos como los moldes de silicona, el fondant o la manga pastelera podemos encontrar también otros métodos novedosos gracias a los tecnología como la impresión de papel comestible que imprime sobre una lámina de pasta de azúcar cualquier imagen, el aerógrafo con pintura comestible o la posibilidad del uso de impresoras 3D con chocolate que permite crear en chocolate cualquier diseño deseado. Actualmente encontramos varios artistas reposteros que crean increíbles obras de arte comestibles en formatos de tarta jugando con la estética, diferentes acabados y composiciones tal y como lo haría cualquier artista de cualquier otra disciplina. Enestas creaciones el sabor, que hasta entonces era el protagonista se queda a un lado y la estética adquiere una mayor importancia. 17 rA pesar de que existen múltiples variaciones en lo que a formatos de dulces se refiere, las tartas son las que más reflejan esta nueva vertiente y es que podemos encontrar tanto tartas hiperrealistas a tamaño real como tartas de un formato más pequeño que tiran más a una rama abstracta, todo eso sin hablar del interior de estas, que a veces llega a formar parte de la estética exterior. A continuación se exponen dos artistas que se dedican al dulce abordándolo desde diferentes puntos de vista. Por un lado, Karen Portaleo es una repostera nacida en Florida y de familia también perteneciente al mismo ámbito profesional, que se dedica a hacer tartas figurativas de chocolate para modelar. Actualmente da clases de esta disciplina por todo el mundo. Figura 5: Depression Cake, Karen Portaleo 18 Otro artista también repostero, pero con otro estilo completamente diferente es Adriano Zumbo. Este australiano comenzó suministrando dulces a cafés locales. Posteriormente abrió su primera pastelería y a día de hoy, ha salido en diversos programas de televisión y escrito varios libros convirtiéndose en uno de los reposteros más famosos en la actualidad. Sus creaciones son conocidas debido a la depurada técnica con la que los crea y los novedosos ingredientes que incorpora, como la aceituna negra, la remolacha o el guacamole. Figura 6: Reflection Cake, Adriano Zumbo 19 L A P E R C E P C I Ó N 2.3 E N L A C O M I D A Y E L A R T E Un elemento que debe tenerse en cuenta a la hora de hablar del arte y que adquiere todavía más importancia a la hora de la hablar de la repostería y en concreto del alimento, es la percepción. La percepción se define como un mecanismo individual que realizan los seres humanos que consiste en recibir, interpretar y comprender las señales que provienen desde el exterior . Una serie de datos son captados por el cuerpo como información bruta que luego van adquiriendo un significado según pase por un proceso cognitivo, que es también parte del proceso de percepción. La percepción no debe confundirse con la sensación pues mientras que el primero incluye la interpretación y el análisis de los estímulos que obtenemos, el segundo es lo que conocemos como la experiencia inmediata de una respuesta involuntaria y sistemática. Es decir, la percepción es la imagen mental que formamos a través de nuestras experiencias humanas, incluyendo también nuestra forma de organización, cultura o necesidades. Hay dos componentes de la percepción que analiza la psicología, por un lado tenemos en el medio externo que se refiere a la sensación que es captada y por otro lado, el medio interno, que es el modo en el que se interpreta el estímulo y que varía según la persona. Con todo esto podemos decir que la percepción es de carácter subjetivo y también selectivo, pues las personas pueden decidir (a veces incluso de forma consciente) si perciben o no y qué tipo de cosas. De acuerdo a los estudios realizados, podemos decir que existen también factores biológicos que influyen en el modo en que percibimos, algunos con los cuales nacemos, y otros que vamos aprendiendo. De hecho, los 20 compartimos la mayoría de percepciones porque muchas de ellas son innatas y tenemos el mismo sistema fisiológico. Esto significa que la forma en la que percibimos nuestro entorno se va modificando a lo largo de nuestra vida a través de las experiencias. También, otra característica de la percepción es su temporalidad, pues se produce en un corto plazo. Actualmente los estudios sobre la percepción están destinados a la publicidad, pues esta se interesa de la forma en la que los individuos perciben agentes exteriores para poder así influir en sus necesidades y prioridades. La percepción funciona en un proceso llamado proceso cognoscitivo formado por tres etapas por el cual las personas son capaces de comprender su entorno y actuar en consecuencia a los impulsos que reciben, para que después, el individuo sea capaz de enviar una respuesta en consecuencia. La primera recibe el nombre de detección o exposición y se refiere a los estímulos que detectamos o a los que estamos expuestos. Los individuos sólo perciben una pequeña parte de los estímulos que se encuentran a su alrededor, sin embargo la selección de los que sí se perciben no se hace de forma aleatoria si no que hay ciertos criterios que determinan que un estímulo sea percibido con mayor facilidad. Cuanto mayor sea el tamaño, el movimiento, intensidad contraste choque o variado el color del estímulo, más facilidad tendrá este de ser percibido. Respecto al individuo, sus necesidades, valores individuales, gustos personales o colectivos, intereses o aquello que no sea dañino para él, será lo que perciba con mayor facilidad. La segunda etapa recibe el nombre de atención u organización. Aunque ha habido diferentes estudios sobre la asignación de un significado de lo que se está percibiendo, la Escuela psicológica de Gestalt realizó el mayor aporte delimitando las leyes en la que las personas agrupan sus percepciones, teniendo en cuenta que el contenido de la percepción no es igual a la suma de las características del estímulo. La más importantes fueron que los individuos organizan los estímulos diferenciando figura y fondo, que los estímulos son agrupados de acuerdo a su proximidad, que en caso de secuencias incompletas se intenta completar y cerrar para obtener una mayor proporción y equilibrio y que por último, los estímulos semejantes tienden a agruparse juntos. Por último encontramos la etapa de la interpretación. Esta será la que dará forma y contenido a los estímulos previamentes seleccionados y organizados. Esta es parte más 21 subjetiva del proceso pues entra la experiencia previa y los valores personales del individuo. Aunque de igual manera, se han establecidos comportamientos habituales como sin la creación de estereotipos, la protección de las características propias en los demás o las pocas disposición a lo desconocido. Respecto a cómo percibimos la respuesta la encontramos en los sentidos. Estos son el mecanismo fisiológico que tienen los seres humano para poder percibir los diferentes estímulos que se encuentran a su alrededor. Los sentidos siempre han sido considerados una puerta de acceso al mundo exterior a través de los cuales exploramos nuestro entorno y obtenemos información sobre él. Aristóteles clasificó estos radares naturales del organismo en cinco: vista, oído, gusto, tacto y olfato. Y a esos, hemos ido añadiendo, recientemente, otros como el sentido del equilibrio, la temperatura, el dolor, la posición corporal y el movimiento. Todos estos sentidos envían información al cerebro continuamente y con ella, éste se hace un mapa de la situación. Hasta hace poco, se solía pensar que los sentidos actuaban de forma individual y que el cerebro los procesaba por separado pero varios estudios demuestran cómo unos sentidos influyen sobre los otros. Sin embargo, nuestros sentidos no se limitan a captar de la realidad si no que transforman los fotones en imágenes, las vibraciones en sonido y las reacciones químicas en olores y sabores. Las percepciones que recrea el cerebro a partir de esos estímulos no representan el mundo exterior tal y como es. De hecho aquello que nos rodea y la imagen mental que tenemos de lo que nos rodea es totalmente diferente. Pero el hecho de que la realidad difiera de lo que construimos mentalmente no tiene una verdadera trascendencia pues para cada uno de nosotros lo importante es lo que percibe nuestro cerebro, lo que sentimos y captamos de aquello que llamamos realidad, siendo esta última un mero concepto filosófico. Profundizando en los cinco sentidos básicos que tenemos, estos, aunque no seamos conscientes de la influencia que tiene sobre nosotros, tienen una gran importancia a la hora de decidir qué nos gusta o que compramos influyendo también en el arte o en los alimentos que consumimos. Como resultado encontramos numerosos estudios de marketing que están constantemente analizando los sentidos y cómo atraerlos para conseguir un mayor número de ventas. Respecto al olfato, este es el sentido que más se recuerda y el que más emoción genera de todos, seguido por el del gusto, la vista, el olfato y el tacto. Un claro ejemplo lo podemos encontrar en las tiendas que utilizan determinados perfumes o fragancias que nos invitan a entrar y que nos produce sensaciones determinadas. 22 Por otro lado tenemos el sentido del gusto que junto al olfato son los sentidos más interconectados entre sí y, en general actúan en cierta consonancia ya que si un alimento huele bien suele saber bien. También existen diferentes factores como la edad, el sexo o el conocimiento de otras culturas que condicionan nuestras preferencias por un artículo u otro. Hablando de la vista, este es el que puede impresionar más nuestra mente. La mente comprende mejor lo que ve y lo recuerda durante más tiempo. También el color que percibimos con este sentido puede jugar un papel decisivo influyendo en nuestra experiencia sobre el sabor de los alimentos ya que solemos asociar ciertos colores con ciertos sabores o con ciertos sentimientos o sensaciones como ocurre con la alimentación o al ver una obra de arte. Respecto al sentido del oído, y gracias a la música que escuchamos a través de este, potenciamos con mayor facilidad nuestros sentidos. La música tiene muchas funciones dentro de un espacio como por ejemplo mejorar el ambiente o gestionar el flujo de gente en una tienda. El sonido en determinados alimentos juega un papel fundamental. En productos como los aperitivos de bolsa y los frutos secos se valora mucho la textura y, sobre todo, el oído ya que si por ejemplo una patata frita no cruje o una bebida gaseosa o champán no hace el sonido que esperamos de ella, puede provocar una sensación de rechazo y evita repetir ese producto, por lo que en sectores como el de la alimentación tiene mucha importancia. Por último, el sentido del tacto es fundamental para ganar nuestra confianza tanto en el sector de la alimentación como en otros sectores donde por ejemplo, se nos da la posibilidad de usar o poder tocar el producto antes de su adquisición. A la hora de hablar de la manera en la que percibimos el ámbito alimenticio, ya se ha mencionado la importancia que tiene los sentidos a la hora de consumir algún producto y sentirnos atraídos por este pero vamos a profundizar en cómo afecta realmente los diferentes estímulos que aporta el alimento y en cómo lo percibimos. A la mayoría nos encanta comer y apreciar el olor o el color de ciertos alimentos pero cabe recordar que esas cualidades que nos atraen, existen solo en nuestro cerebro pues el conocimiento que tenemos de ese producto depende de cómo filtra y procesa la información que obtiene. Es por esto que los sabores, texturas y olores son construidos a través de experiencias sensoriales y de hecho, si no fuera por las interpretaciones que nuestras 23 neuronas realizan de estos alimentos, la gastronomía ni existiría pues no encontraríamos ningún placer al comer. A la hora de comer, el primer sentido que usamos es el de la la vista y es lógico pues nuestros antepasados debían reconocer desde lejos si aquello que veían era o no un alimento. El color les proporcionaba información acerca de si estaba o no en buen estado, si estaba madura, si era buena para comer, etc. También la forma y el color que percibimos de los alimentos son básicos para orientar al cerebro por lo cual, en este ámbito seguramente la vista sea el sentido con más peso. La vista también prepara al olfato, que es además el más potente de los cinco sentidos y el que más relacionado está con las emociones. El olfato es el sentido más importante a la hora de degustar un alimento y a él debemos el 90% del sabor y además confirma lo que ha percibido la vista. Además, olemos dos veces: la primera por la nariz y, la segunda, cuando nos metemos un bocado en la boca y comenzamos a masticarlo. Luego está el gusto, que funciona de forma muy similar al olfato. A su vez aquí encontramos la lengua recoge además cinco gustos, el salado, el dulce, el amargo, el agrio y el umami. Por último, el tacto nos permite identificar y disfrutar de la textura del alimento y el oído verifica lo que ocurre en la boca. Al igual que podemos que podemos hablar de cómo influyen los sentidos en la alimentación también podemos hablar de cómo lo hacen en el ámbito alimenticio. Como se ha mencionado con anterioridad al hablar del alimento en la historia del arte, el pensamiento occidental consideraba que había dos “sentidos superiores”, el de la vista y el del oído, que podían provocar experiencias estéticas en el sujeto, mientras que el resto de los sentidos, es decir, el tacto, el gusto y el olfato se consideraban que sólo podían suplir necesidades y/o placeres de índole práctico porque se encontraban más relacionado con los animales que con los humanos. El término estética se refiere a aquella disciplina que teoriza sobre la experiencia del sujeto ante determinados estímulos sensoriales. Lo estético, al romper la manera a la que estamos acostumbrados a relacionarnos con la realidad, produce experiencias inesperadas, sorprendentes, placenteras y que nos provoca un estado de excitación sensorial. El inicio de esta problemática surge con la Teoría de las Ideas que desarrolla Platón. Su tesis separa en dos el mundo, uno material y otro espiritual. En el material encontramos aquello relacionado con el mundo terrenal que es considerado sucio, mortal, y que se 24 encuentra en contraposición de el Ideal, en el que se encuentra el alma. Como resultado todo lo relacionado con el cuerpo y con ello los sentidos, queda totalmente rechazado, y de igual manera las experiencias corporales quedan marginadas en su sistema filosófico. Sus ideas son acogidas por la Edad Media, convirtiendo el concepto de Idea de Platón por Dios. Lo verdaderamente bello no se presentaba de modo sensible, es decir, que no se podía percibir a través de los sentidos, sino a través de una belleza trascendental que sólo Dios poseía y ante esto, el resto de las cosas se convertían en pequeñas e insignificantes. La belleza del Creador sólo podía ser contemplada por el ama de los puros y santos. Todo esto desemboca en una represión aún mayor del cuerpo y los sentidos, aumentando en consecuencia lo espiritual, lo cual marcaría la línea a seguir no solo de la estética medieval sino de la cultura occidental. Por otro lado, Aristóteles realiza una reflexión sobre aquellos placeres moderados o intemperantes, en cual finalmente desarrolla una tesis en la que el hombre se vuelve desenfrenado cuando se deja seducir por aquellos placeres que provienen del gusto y el tacto, ya que se entendía que incitaban a la lujuria, embriaguez, gula o relajación y estos eran considerados malos o incluso pecado. Kant, como la mayor parte de la población occidental, considero de igual manera que la vista y el oído eran los sentidos intelectuales ya que eran los que aportaban más conocimiento. Las sensaciones que emanan del tacto, el gusto y el olfato afectan mucho más estéticamente sin embargo, al encontrarse en contacto directo con el órgano sensorial se convierten en subjetivas ya que las sensaciones que se obtenían dependían de quién los percibiese, mientras que por el contrario, las percepciones visuales y auditivas, tenían una distancia del cuerpo con el estímulo sensorial. Todo esto hace que Kant plantee que aunque los sentidos más próximos sean muchos más estéticos no pueden emitir juicios sobre lo bello por la subjetividad que conlleva, lo cual contradice lo universalidad de lo bello. Así que, mientras que la vista y el oído emiten juicios puros y universales como el de la belleza, el gusto, el tacto y el olfato solo lanza juicios empíricos y subjetivos como los del concepto de agradable. Sin embargo, esta teoría en la actualidad nos hace preguntarnos si no está también la vista condicionada por el receptor, convirtiéndose de igual manera en subjetiva y de hecho, ahora se conoce que la percepción no es innata, sino construida y por lo tanto, se modifica según las culturas. 25 La cultura occidental ha considerado durante milenios que es la vista el sentido más perfecto de cuantos existen. Esto se fundamentó históricamente bajo la tesis de que es a través de la experiencia visual donde se puede obtener de modo más directo, sin mediación, la verdad. Por lo tanto se le ha calificado como el sentido menos engañoso y más valioso de cuantos existen. Sin embargo, en la contemporaneidad se encuentra una nueva problemática que surge debido a que actualmente nos encontramos tan abarrotados de estímulos visuales que hace que la imagen pierda su importancia y su capacidad de ser realmente perceptible. Nos encontramos ante una sociedad que estetiza todo, tanto el cuerpo como es el caso de los canones, tanto la violencia, deporte, etc. Esto provoca que lo visual pierda cada vez más ese poder de crear estímulos que realmente seduzcan al receptor. Actualmente el sentido de la vista es uno de los más cuestionados debido al concepto de estética que rige en muchos aspectos la sociedad. Aunque fue considerado el más confiable de los más sentidos ahora es considerado uno de los más engañosos. Sin embargo, las tesis citadas anteriormente que expulsaron los sentidos del tacto, el gusto y el olfato de la estética estuvieron en su mayoría ligadas a cuestiones que nada tenían que ver con este concepto consiguiendo de esta manera la no autonomía del arte. La mayoría de estas estaban condicionadas desde sus inicios por cuestiones de diversos motivos como ética, política, religiosas e incluso estéticas o artísticas. En las últimas dos décadas, los estudiosos de muchas otras disciplinas de las ciencias sociales y las humanidades han vuelto su atención sobre la sensibilidad. El campo de los Estudios Sensoriales realizan varias investigaciones cuyo objetivo común es el estudio de los modos de articulación de la sensorialidad de las culturas marcando así el nacimiento de lo que se conoce como giro sensorial. Finalmente estos Estudios Sensoriales llegan a la conclusión de que cada cultura posee un sensorium particular y que por lo tanto, los sentidos no son solo capaces de recibir estímulos físicos sino también información cultural. De esta manera se sabe que la percepción no es innata sino que es construida y de esta manera, puede variar de un espacio a otro. El giro sensorial consigue cuestionar y deconstruir el ocularcentrismo que se había impuesto en la sociedad occidental y que había influenciando durante siglos al arte. Todo este debate sobre los sentidos provocó que las Bellas artes se fundaran como visuales o sonoras, pero tras cuestionar estas tesis y lo que teníamos asumido sobre la estética, muchas disciplinas artísticas contemporáneas realizaron obras con elementos táctiles, olfativos y gustativos que permitieran desarrollar estos sentidos. A día de hoy, 26 Aunque si bien, cualquier trabajo de tipo artístico que busque exteriorizar el mundo interior de la mente puede considerarse psicodélico, por lo general se utiliza esta denominación, para hacer referencia a este movimiento en concreto. Este tipo de arte se puede observar también en muchos ámbitos como, por ejemplo, en las artes visuales, en la literatura o en la música. Plantea y ofrece a sus seguidores una vía de escape a los límites que nos impone la conciencia y la vida cotidiana del sistema dominante. Las sustancias psicoactivas, es decir, alucinógenas, también se usaron para buscar la inspiración. El LSD estaba de moda y estuvo presente en innumerables obras de arte como por ejemplo en una canción de los Beatles en la que escondieron en el título de una de sus canciones (Lucy in the Sky with Diamonds) el nombre de esta droga. Como estos artistas, muchos otros tuvieron unas carreras artísticas marcadas por este tipo de sustancias. En España la droga entraría en el mundo de la música en los años 80 cuando se estrenaba democracia y la libertad de los jóvenes empezaba en el consumo de estas sustancias psicodélicas. Tiempo después surgió una revitalización del consumo de drogas con fines artísticos, aunque el movimiento que lo hizo posible se denominó “movimiento rave” y fue apoyado por las nuevas tecnologías de computación que fueron apareciendo en los últimos años, incorporando estas al arte. 33 E L D M T C O M O I N S P I R A C I Ó N 2.5 Tras todo este recorrido por la historia del alimento en el arte, la repostería y los alucinógenos nacen las obras que se exponen en este TFG. Este proyecto surge a partir de un artículo que hablaba sobre la existencia de DMT en la glándula pineal de las ratas vivas. El DMT (también conocido como dimetiltriptamina) es uno de los alucinógenos más potentes conocidos por el hombre. Este es completamente natural y se produce de manera natural, también, en el cuerpo humano. Pertenece a la familia de las triptaminas y como otros psicodélicos actúa sobre los neuroreceptores de la serotonina. El DMT Endógeno, es decir, aquel que es creado por el cuerpo, fue descubierto en 1965 por los investigadores alemanes F. Franzen y H. Gross, en muestras de sangre y orina de seres humanos. Aunque los resultados fueron desechados en gran medida, debido a las críticas sobre los métodos que utilizaron, estudios posteriores confirmaron en gran parte sus hallazgos, y añadieron más descubrimientos, como el DMT encontrado en el hígado de los conejos y ahora en la glándula de las ratas. Su función en nuestro metabolismo es todavía desconocida pero se cree que hay una liberación de DMT en acontecimientos como el nacimiento, los sueños, los momentos de estrés, o experiencias de casi-muerte, aunque es solamente especulación pues no se han encontrado las enzimas necesarias para poder investigarlo con más profundidad. Este alucinógeno lo podemos encontramos también en la naturaleza y muchas personas lo consumen. El DMT suele consumirse fumada en su forma pura como base libre, pero también a menudo es ingerida por vía oral, como en la ayahuasca, un brebaje psicoactivo de orígenes amazónicos, aunque la cantidad que se toma es mucho mayor de la que se podría encontrar en el organismo. 34 Se sabe que esta sustancia altera profundamente el estado mental de la persona que lo consume y producen alucinaciones vívidas y los efectos que este provoca dependen de la forma de ingestión. Y aunque esta no causa adicción ni dependencia física aún no saben con certeza, cómo estas drogas que alteran la mente, en realidad están afectando el cerebro a nivel físico. Mientras tanto, se cree anecdóticamente que las microdosis, o el consumo de dosis bajas de DMT y otros fármacos, mejoran el estado de ánimo, la capacidad cognitiva y otras funciones. A partir de esta idea se realizó una serie obras con motivos psicodélicas protagonizadas por hamster, animales con los que estoy personalmente unida desde pequeña.Para ello se decidió usar varios elementos característicos del arte psicodélico mencionado con anterioridad. Entre ellas, podemos ver una inclusión de variaciones visuales, como son los motivos fosfénicos y los fenómenos entópicos. Estos últimos se refieren a aquellas sensaciones percibidas por motivos mecánicos dentro del ojo, como partículas flotantes o destellos causados por cambios en la retina. Respecto a los motivos fosfénicos, estos son aquellas luces recurrentes que vienen y van y que aparecen cuando se ha cerrado con fuerza los ojos, se ha frotado los párpados o incluso también, debido a un golpe fuerte en la cara a la altura del ojo aunque la aparición de fosfenos se ha relacionado con la ingesta de drogas como el LSD. Se usaban de manera habitual las pautas caleidoscópicas, fractales o la inspiración de diseños persas. A su vez, en los diseños predominan las formas radiales, espirales, clonaciones, repeticiones, y las expansiones de formas. También encontramos una elevada profundidad en los detalles, además de una gran estilización de ellos en las obras relacionadas con la psicodelia. Los colores brillantes con un elevado contraste entre ellos y las combinaciones resultantes de estos, tanto armónicas como contrastadas, son también una característica principal. Podemos concluir diciendo que la abundancia lineal y colorista son elementos clave en este movimiento. Un elemento importante que he utilizado de forma recurrente en este proyecto y que es común dentro del arte psicodélico es el uso de los patrones, como se ha mencionado. 35 Por un lado encontramos los patrones fractales que son aquellos que encontramos en la naturaleza y en el espacio. El Fractal, o la geometría de la naturaleza, es un objeto geométrico cuya estructura básica, se repite a diferentes escalas. Encontramos dos principios fundamentales que los caracterizan: sus patrones son demasiado irregulares como para ser denominado geométricos de la forma tradicional que conocemos y encontramos una estructura autosimilar, es decir, la forma resultante está compuesta de copias más pequeñas de la misma figura. En la era antigua, filósofos y matemáticos como Platón o Pitágoras evidenciaban en ciertas formas de la naturaleza una armonía que no podía ser explicada, y que debido a ello le otorgaban un halo de divinidad, se trataba de la llamada geometría divina que recibió su nombre científico durante el siglo XX, a mediados de la década de 1970, A esa “geometría sagrada” se le concedió una denominación producto del trabajo y estudio del matemático francés, Benoît Mandelbrot, que la llamó Fractal, definiendo también los principios que la separan de la geometría más matemática. Figura 7: Fotografía de un romanesco que muestra una geometría fractal natural en su estructura. 36 La presencia de los fractales se puede evidenciar desde los fenómenos naturales más minúsculos, hasta las explosiones más apoteósicas en el universo. Podemos encontrar varios ejemplos tanto de escalas micro a macroscópicas de estos patrones geométricos: en cómo se distribuyen las bacterias y hongos en un espacio aunque a simple vista no se nota nada especial, a nivel microscópico se revelan unos patrones asimilares perfectamente delimitados, en un nivel intermedio se pueden destacar los fractales en plantas como los helechos, en concreto en las características de las hojas, que se repiten a diferentes escalas, y por último, en plano macro y fijándonos en el espacio, las radiaciones emitidas por explosiones de cuerpos celestes arrojan figuras que en cada uno de sus rincones poseen patrones fractales. Existe también un patrón geométrico llamado Fibonacci, resultado la maravilla de la naturaleza, que sin ser fractal, también está presente en muchos elementos naturales, como por ejemplo el centro de los girasoles. Pero aún más maravilloso es encontrar también su evidencia en el proceso de la vida humana, ya que el embrión en etapa de gestación presenta un clarísimo Fibonacci; al igual también este se puede apreciar en supernovas del espacio. Figura 8: Patrón geométrico Fibonacci. 37 Por último, encontramos también los caleidoscopios. El caleidoscopio es un tubo que contiene tres espejos, que forman un prisma triangular con su parte reflectante hacia el interior, al extremo de los cuales se encuentran dos láminas traslúcidas entre las que hay varios objetos de colores y formas diferentes, cuyas imágenes se ven multiplicadas simétricamente al ir girando el tubo mientras se mira por el extremo opuesto. Dichos espejos pueden estar dispuestos a distintos ángulos causando diferentes efectos ópticos: a 45º de cada uno se generan ocho imágenes duplicadas, a 60º se observan seis duplicados y a 90º cuadruplicadas. El caleidoscopio permite ver ver distintas figuras geométricas simétricas de diferentes formas y colores, dependiendo de lo que se inserte en su interior y a medida que giraba el tubo, la configuración iba cambiando, mostrando así diferentes resultados. Por otro lado, estas obras que a continuación se muestran, se encuentran en forma de tartas simulando varios diseños de decoración exterior de estas, pues tal y como se ha mencionado, la repostería es una disciplina artística más que debería defenderse como tal y ser un formato tan válido como cualquier otro para expresar. 38 O B R A S 2.6 Con todo estas referencias y apoyándome en el mundo de la repostería, la psicodelia y los animales, elementos que me apasionan desde pequeña, quise realizar varias obras en formato de tarta donde uniera estas tres diferentes temáticas . Un elemento importante que debían mantener todas estas obras es la forma de tarta redonda pues es la forma que tenemos asociada a las tartas en general, ya que a pesar de que los artistas que trabajan la repostería más artística lo hacen en forma de bulto redondo, estas parecen esculturas que bien podrían estar hechas de cualquier material que no fuera comestible. Sin embargo, la intención es desarrollar obras que se adapten y envuelvan esas formas base que se usan en la repostería y conseguir así esa relación con este ámbito. Para desarrollar estas piezas se incluyó elementos del arte psicodélico ya mencionados como diferentes patrones fractales, el patrón fibonacci y diversas formas generadas por los caleidoscopios, predominando formas radiales, espirales o repeticiones entre otras.Respecto a los hamsters, estos se encuentran entrando y saliendo de la tarta siendo partícipes y fusionándose también con la psicodelia que emana de esta. Y por último, se dio uso a colores brillantes con un elevado contraste entre ellos y las combinaciones resultantes de estos, tanto armónicas como contrastadas que, son también una característica principal del movimiento mencionado con anterioridad para recalcar así el aura de la obra. De este modo, teniendo en cuenta todos los elementos, se realizaron varias obras que a continuación se van a presentar. En primer lugar se hizo una maqueta de una tarta en físico con escayola y pasta de modelar a tamaño real que posteriormente fue policromada. Se hicieron, del mismo modo, otros diseños esta vez usando la pintura digital y el programa de Photoshop y por último, otro diseño en el programa Blender, un programa de modelado en 3D. 39 Figura 9: Maqueta de tarta realizada en escayola y pasta de modelar policromada posteriormente con acrílico y barniz. 40 Figura 10: Maqueta de tarta realizada en escayola y pasta de modelar policromada posteriormente con acrílico y barniz. 41 Figura 11: Maqueta de tarta realizada en escayola y pasta de modelar policromada posteriormente con acrílico y barniz. 42 C O N C L U S I O N E S 3 Durante este TFG se ha realizado una investigación y recorrido por la historia del alimento y del azúcar, en el que se ha apreciado su importancia en el ámbito artístico y se ha entendido también cómo influyen estos en el cerebro a través de la percepción, al igual que lo hace el arte y otras sustancias capaces de alterar este proceso. Estas sustancias en concreto, son los ya mencionados alucinógenos, aludiendo de la misma manera al movimiento que nace a través de estas, el ya conocido movimiento o arte psicodélico.De esta forma, se han propuesto varios diseños con el objetivo de aunar todas estas ramas junto al artículo que da pie a esta idea, en el que se habla de roedores y DMT. Estos diseños han sido realizados en diversas herramientas tanto en digital como en físico, también con la idea de incluir diferentes técnicas y medios que actualmente se pueden usar en el mundo del arte. Como conclusión, este TFG tiene el objetivo de defender la repostería como medio artístico y de expresión válido en cada una de sus vertientes, al igual que ocurre con otras disciplinas como el dibujo, la pintura o la escultura.De esta forma, gracias a la investigación realizada a lo largo de este trabajo, se abre la posibilidad de una salida laboral artística en el mundo del dulce, con la idea de llevar los diseños planteados en este trabajo a la realidad e incluir en un futuro, otros en diversos formatos. 49 B I B L I O G R A F Í A 3 DEL VANDO BLANCO, Carmen, 2015. “La comida en el arte, una mirada a través de cuatro siglos”[en línea]. DESCUBRIR EL ARTE. 30 de febrero de 2015 [consulta: 10 de marzo de 2020]. Disponible en: https://www.descubrirelarte.es/2015/01/30/la-comida-en-el-arte- una-mirada-a-traves-de-cuatro-siglos.html. MORALES OLEA, Daniel, 2015. “¿Qué papel juega la comida en el arte?”[en línea]. Cultura Colectiva. 15 de agosto de 2015 [consulta: 10 de marzo de 2020]. 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