Óxido de Calcio

TRABAJO FIN DE GRADO Grado en Bellas Artes Universidad de Sevilla 2016-1017 Abel Gómez Bellido ÓXIDO DE CALCIO 1 TRABAJO FIN DE GRADO Grado en Bellas Artes Universidad de Sevilla 2016-1017 Óxido De Calcio Abel Gómez Bellido Tutor: Manuel Fernando Mancera Martínez Vº. Bº. del tutor: 32 ÍNDICE 9 11 15 19 23 27 31 39 49 51 53 57 59 “ 61 62 64 “ 66 67 68 69 72 75 77 85 89 DOSSIER AWOO (DÍPTICO) GIRLS (DÍPTICO) HADI AURORA AKSNES STAY HIGH INTO (SERIE) COMMON PEOPLE (SERIE) SMILEFORTHEPICTURE.MP4 ESTUDIO TEÓRICO 1. INTRODUCCIÓN 2. OBJETIVOS Y METODOLOGÍA 3. ANTECEDENTES 3.1. ARTE JAPONÉS 3.2. PINTURA 3.3. TOULOUSE-LAUTREC 3.4. AUBREY BEARDSLEY 3.5. BAUHAUS 3.6. MINIMALISMO Y ARTE CONCEPTUAL 3.7. ILUSTRACIÓN Y CÓMIC 3.8. MILLIE BROWN 3.9. MURAKAMI 3.10. YAYOI KUSAMA 3.11. MODA 4. EVOLUCIÓN Y DESARROLLO TEÓRICO-PRÁCTICO 5. BIBLIOGRAFÍA PROPUESTA DE INTEGRACIÓN PROFESIONAL 76 DOSSIER 98 AWOO DÍPTICO 1110 Sin título 21 x 14’8 cm. Tinta sobre papel Sin título 21 x 14’8 cm. Tinta sobre papel 1312 GIRLS DÍPTICO 1514 Superb*tch 21 x 14’8 cm. Tinta sobre papel Cuquina 21 x 14’8 cm. Tinta sobre papel 2928 INT O SERIE 31 30 FLOWING ROSES 21 x 14’8 cm. Tinta sobre papel 33 32 HERO 21 x 14’8 cm. Acuarela y tinta sobre papel 35 34 HOLE 21 x 14’8 cm. Tinta sobre papel 3736 C MMON GUYS SERIE 39 38 Oh, hi. 21 x 14’8 cm. Tinta sobre papel 41 40 FREAKY COOL 21 x 14’8 cm. Tinta sobre papel 43 42 LADY ROSE 21 x 14’8 cm. Tinta sobre papel 45 44 HAIR 21 x 14’8 cm. Tinta sobre papel 4746 Smileforthepicture.mp4 6160 Sobre 1814 aproximadamente es cuando se le acuña el término “manga” a este tipo de cómics, término formado por los kanjis (caracteres japoneses heredados del chino con significado propio) “man” (informal) y “ga” (dibujo). . En su interior, en blanco y negro, los dibujos están realizados generalmente con unas líneas muy limpias y, si es que aparecen, planos de color en escala de gris. Otra influencia proveniente de Japón es el arte Zen y uno de los artistas más importantes de este movimiento, Sengai Gibon (1750 - 1837). Sengai es un monje zen japonés que influyó en el expresionismo y la abstracción de principios del siglo XX. Nació en una familia de agricultores pobres en Mino (actual Gifu) y a los once años de edad se convirtió en un monje budista de la escuela Rinzai. Estudió en Seitaiji y recibió el nombre de sacerdote de Gibon. En 1768, emprendió su primera peregrinación y llegó al templo Toki-an, donde estudió bajo la dirección de Gessen Zenne (1702-1781). Después de la muerte de Gessen Sengai, se embarcó en su segunda peregrinación que duró siete años hasta que llegó la actual Fukuoka, Kyushu, en 1788. A los 39 años se convirtió en el abad de Shofukuji, el templo zen más antiguo de Japón. Los motivos de sus obras abarcan temas budistas tradicionales, como figuras de Daruma (Bodhidharma) y Kannon (Avalokitesvara), paisajes, animales, así como flores y plantas. Muchas de sus pinturas incluyen caligrafía tradicional e inscripciones que contienen juegos de palabras y chistes. Una de sus obras más famosas es Círculo, triángulo y cuadrado , una pintura aparentemente simple en diferentes tonos de tinta y formas superpuestas que el autor dejó sin título. Sengai hace su representación sobre el universo a través de estas tres figuras geométricas. El círculo representa el infinito, pero el infinito en sí mismo no tiene forma y los seres humanos dotados de sentidos e intelecto exigimos formas tangibles. Por otro lado, el triángulo es el principio de todas las formas y el cuadrado es el doble de un triángulo. Este es el proceso de duplicación que ocurre en el infinito que el filósofo chino llama ‘las diez mil cosas’: el universo. 3.2. PINTURA Uno de los antecedentes más importantes de este trabajo es la pintura, disciplina artística por la que se decide estudiar Bellas Artes. Con esta técnica se empezó desarrollar un lenguaje artístico propio. Después de haber experimentado con distintos géneros como son el paisaje y el bodegón, el que más llamó la atención fue el retrato. Más tarde, al estudiar los de los grandes artistas de la historia del arte y como ejercicio de introspección, surgieron los a autorretratos. 3.2.1. EL RETRATO El retrato es un tema presente durante toda la obra, y durante toda la historia del arte, surgiendo el autorretrato en la Edad Antigua. Grandes artistas como Velázquez, Goya, Gustave Courbet o Van Gogh son conocidos, entre otro tipo de obras, por sus autorretratos. Los retratos más antiguos existentes son los funerarios del arte egipcio y del griego, pero éste fue evolucionando a lo largo de la historia, siendo poco frecuente en la Edad Media dedicado solo a las clases altas y más costumbrista siglos más tarde, como por ejemplo en el realismo, siendo el máximo representante el francés Gustave Courbet (1819-1877). Este artista rechazaba los pensamientos neoclasicistas y románticos, apostando por una pintura que retratase lo cotidiano, lo costumbrista y lo realista. Tanto fue así, que rechazaron El desesperado (1844-1845) Gustave Courbet. Óleo sobre lienzo. 45 x 55 cm. Consultado: 25 de Abril de 2017. Disponible en: www.gustave-courbet.com/the-desperate-man.jsp Círculo, Triángulo y Cuadrado (principios del s. XIX). Sengai Gibon. Tinta sobre papel 28’4 x 48’1 cm. Consultado: 16 de Mayo de 2017. Disponible en: jmmlimia.wordpress.com/2009/05/28/el-univer- so-de-sengai-gibon/ 6362 algunas de sus obras por tener contenido homosexual (como es el caso de Las durmientes). En cambio, en el Pop Art, un siglo más tarde, el retrato se abarca como algo comercial e incluso propagandístico, realizándose de artistas importantes del cine de la época, por ejemplo, como los famosos retratos que le dedica Andy Warhol (1928-1987) a la mítica actriz Marilyn Monroe. La seriación y la repetición del mismo elemento de forma casi modular es algo característico de su obra, como hace en Botellas verdes de Coca-Cola (1962, serigrafía, pintura acrílica y lápiz sobre lienzo) y los retratos seriados que realizaba de las celebridades americanas como Marilyn Monroe, como por ejemplo en Las Cuatro Marilyn (1962, serigrafía sobre lienzo). De los pintores influyentes en este trabajo, destacar a Kent Williams, artista norteamericano contemporáneo con cierta relevancia en el mundo del arte actual. Este autor usa tanto la mancha como la línea representando escenas con modelos en entornos cotidianos e ilustrando superhéroes de cómic. Sus obras tienen un enfoque y una composición muy fotográfica, deformando a veces el espacio con manchas muy amplias y sueltas. Representa la realidad de manera subjetiva, usando como modelos amigos suyos o él mismo. Williams ha trabajado ilustrando para grandes empresas como Marvel, por lo que la ilustración editorial forma una parte importante de su obra y trayectoria artística. 3.3. TOULOUSE-LAUTREC Y EL CARTEL La introducción de texto en los trabajos de este proyecto, aparece tanto por el arte japonés como por el cartel, con Toulouse-Lautrec como uno de los máximos representantes. Pintor, dibujante y cartelista francés criado por una familia aristócrata que pudo darle una infancia y una adolescencia felices, dedicadas en gran parte al deporte. Se atrofió los miembros inferiores en una de sus actividades lúdicas y esto le impidió alcanzar una estatura normal. Fue una persona desdichada y, en 1880, cuando llegó a Montmartre, se refugió en cabarets y circos de Paris. El artista supo plasmar este ambiente vanguardista en obras como su primer cartel realizado en 1981, ilustración a partir de la cual se desarrolló en el mundo publicitario y editorial. Así, utilizando la silueta de los personajes en plano, recortadas sobre un fondo también plano y con siluetas, con un punto de vista elevado siguiendo la danza de la bailarina (algo que será muy común en sus próximas obras), Toulouse crea Jardín de París para el espectáculo Moulin Rouge. En sus obras, el artista también retrata a las figuras más emblemáticas de sus noches por París en la belle époque: cantantes, divas, clowns, bailarinas, cómicos, etc. Lautrec innovó en la manera de presentarlos, así como en utilizar las referencias japonesas y en la perspectiva, que la cambió completamente. Prestó atención a la gestualidad de los cantantes y comediantes y le gustaba ridiculizar la hipocresía de los poderosos, que criticaban lo que luego hacían. Son destacables entre las claves de su obra sus originales encuadres, las líneas compositivas en diagonal y el corte de las figuras en los bordes. En sus carteles hay una intención clara de convencer, con relación entre texto y letra y usando una imagen limpia, llamativa y eficaz. Le importa de manera especial el estímulo psicológico. Por su afán por romper con las fórmulas del art nouveau y, conservando aspectos del lenguaje de fin de siglo, recurre a otras fuentes y adopta soluciones compositivas rompedoras pertenecientes a otras tradiciones culturales, principalmente a la estampa japonesa de la cual incorpora la simplificación de las líneas, algo muy distintivo en su obra. De este modo, Lautrec se convirtió en el creador del cartel moderno. Divan Japonais (1844-1845) Gustave Courbet. Óleo sobre lienzo. 45 x 55 cm. Consultado: 17 de Abril de 2017. Didponible en: www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/9215 65 64 3.4. AUBREY BEARDSLEY Entre la obra del artista londinense Aubrey Beardsley (1872-1898) y algunas de las ilustraciones presentadas en ese proyecto hay un paralelismo estético muy evidente, como el uso del negro sobre el blanco, la simplificación de las formas y el detallismo de algunos elementos. Tomó cierta preparación en la Escuela de Bellas Artes de Westminster (Londres) y, en su corta vida, produjo un gran número de obras en las que renunciaba a las puestas en escena propias que les proporcionada tanta fama y reconocimiento a ilustradores decimonónicos como Doré. La economía de recursos y su virtuosismo decorativo se unen a la influencia de la estampa ukiyo-e que estaba tan de moda en la Europa de entonces. Así es como se percibe por primera vez la repercusión de la estampa japonesa en un artista europeo junto a la ruptura con lo establecido anteriormente. Las nuevas corrientes artísticas de la época, como el modernismo y el simbolismo poético francés, propiciaron una vía de escape para aspectos reprimidos del autor como el de la sexualidad. Pese a la búsqueda de una estética refinada en su obra, no la exime tanto de connotaciones lascivas como de ironía y sarcasmo para mostrar el rechazo de la realidad de su época. En 1893, tras haber tomado alguna preparación en la Escuela de Bellas Artes de Westminster en Londres, firmó su primer contrato con un editor londinense para ilustrar Le monde d’Arthur de sir Thomas Malory. Comenzó a plasmar su estilo pictórico en estas ilustraciones en las que aparece una línea que igual delimita las formas que las vuelve más etéreas. En este mismo año, Oscar Wilde le encarga a Beardsley ilustraciones de la versión inglesa de Salomé , que se estrenó en 1894. En estos dibujos, el artista decidió dejar de estar tan cohibido y se lanzó a expresar lo que le transmitía el texto, obteniendo un resultado distinto al esperado de Wilde. Más tarde, ilustró otros textos como “La Lisístrata” de Aristófanes o “La historia de Venus y Tannhaüser”, escrita por él mismo. 3.5. BAUHAUS La escuela Bauhaus fue fundada por Walter Gropius en 1919 en Weimar con el objetivo de unir todas las tendencias artísticas, eliminando las diferencias que existían hasta entonces entre artista y artesanos, valorando el diseño como una tendencia artística. La estética de la Bauhaus era funcional, encontrándonos con líneas rectas y geografía estricta, haciendo cada vez más hincapié a la expresión de la belleza sin adornos. En el protocolo de tipografía, diseñado por Herbert Bayer, el profesor busca dejarla en su apariencia más elemental. Para ello elimina las mayúsculas a favor del ahorro de un signo que indica un mismo sonido. Las minúsculas tienen una base de geometría esencial, líneas ortogonales, cuatro circunferencias con diámetros diferentes y tres ángulos de inclinación para borrar toda huella de imperfección humana, liberando las formas tipográficas de carga cultural. En definitiva, Herbert pretendía un alfabeto de alcance y validez mundial que no The Dancer’s Reward (1894), Aubrey Beardsley. Ilustración perteneciente a Salomé , de Oscar Wilde. Consultado: 3 de Abril de 2017. Didponible en: www.gutenberg.org/files/33347/33347-h/33347-h.htm#image-0006 6766 llegó a materializarse. La sede abierta en Dessau, tras cerrar en Gropius por la situación de inestabilidad política de Alemania durante los años 20, contó con un nuevo edificio proyectado por alumnos de la escuela que fue considerado el más novedoso de la época. Pero esta inestabilidad política hace imposible que se prolongue la actividad de la escuela en el tiempo, ya que muchos de los profesores se vieron obligados a huir del país. Un dato destacable es que las obras tanto de Weimar como de Dessau fueron nombradas Patrimonio de la Humanidad en 1996. En la propuesta estética de la Bauhaus se recurrió a los colores y a las formas geométricas básicas para crear un lenguaje plástico moderno por su perfil abstracto y geometrista, proponiendo la funcionalidad sin renunciar a la estética. Todos los diseños de este movimiento eran rompedores, experimentando con nuevos materiales como el plástico o el aluminio. 3.6. MINIMALISMO Y ARTE CONCEPTUAL El arte minimalista es un movimiento surgido en la década de los 80 en Europa, concretamente en Italia, como contraposición a otros movimientos de la época como el Expresionismo Abstracto o el Pop Art. Se trata de una corriente abordada en todas las artes, sobre todo en la escultura y la arquitectura. El término “minimal” fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim en 1965 para referiste a una corriente basada en la reducción de las formas a lo elemental. Los artistas buscaban la economía en los recursos y en los conceptos enfatizando en lo importante; la máxima expresividad con los mínimos recursos. Representaban formas lo más puras posibles, sirviéndose de la geometría, para expresar de forma clara el significado y la esencia del concepto que da lugar al arte conceptual en los años 70. El uso de colores neutros, sobre todo el blanco, en superficies y fondos monocromáticos es una importante característica de este movimiento que centra su atención en las formas simples y puras. No obstante, en el arte conceptual no importa la forma ni la técnica, sino el concepto y la idea que se quieren representar. Esta corriente artística (que engloba movimientos como el Land Art, el arte de acción y el arte povera) nace como contraposición de otras vanguardias en las que primaba más el resultado final de la obra que la idea de origen. Esta vanguardia pone en cuestión aspectos del mercado el arte y critica la sociedad poco concienciada y lo que se expone en salas y museos. 3.7. ILUSTRACIÓN Y CÓMIC La ilustración tal y como la conocemos hoy en día no se ha considerado como una de las bellas artes, sino que ha sido relacionada con el mundo del diseño. La ilustración comercial es un elemento crucial en la historia de la publicidad, en la propaganda, desde carteles a revistas. La creación de una imagen con un fin de ser reproducida y siendo realizada mediante un encargo es lo que hace que no se considere como objeto artístico, sino como objeto propagandístico de diseño. Actualmente existen conocidos ilustradores cuya obra es una obra de arte en sí, como es el caso del conocido artista norteamericano Gary Baseman, artista que retoma el Pop Surrealista del conocido Mark Ryden. Quiere representar el mundo onírico, de los sueños. O más bien, de las pesadillas. Sus trabajos tienen una estética infantil a la par que inquietante, evocando recuerdos y sueños de su infancia. Otro artista que trabaja con la ilustración es la argentina Agustina Guerrero, que reside en España. En sus obras representa su alter ego, Nina, de forma caricaturesca en cualquier situación cotidiana o tratando algún tema en concreto para expresar cómo lo siente el personaje, a veces inspirado no sólo en la artista, sino en algunas de sus amigas. Cargado siempre de humor e ironía, realiza un trabajo totalmente personal con pocos recursos pictóricos. Destacan los fondos blancos y la búsqueda de una síntesis y simplicidad en las ilustraciones de esta artista que ganó popularidad por su publicación de “Diario de una volátil”. “Yo siempre me he expresado mejor dibujando que hablando y La Volátil comenzó como un diario íntimo que no tenía intención de enseñar a nadie. El personaje soy yo, y el protagonista masculino del cómic también es mi pareja. Y las primeras tiras eran completamente autobiográficas, aunque últimamente observo a mis amigas y también utilizo sus experiencias para el personaje.” (Guerrero, Agustina, 2014). El trabajo de esta artista se acerca al cómic, género influyente en esta obra, por el uso de bocadillos y viñetas. en general, y en particular la estética “manga”, es muy peculiar y característica, aunque convivan muchos estilos diferentes dentro de este tipo. En el interior de estos, los dibujos están realizados generalmente con unas líneas muy definidas y limpias, usando sólo el negro sobre blanco, a veces usando la gama de grises y otras únicamente el color negro. Estos cómics suelen ser de pequeño formado, tamaño A5 aproximadamente. El manga nació como evolución de unas ilustraciones japonesas acompañadas de texto, cuyo origen se remonta al Ukiyo-e, grabados realizados durante la Era Edo (1600 – 1867) en los que se retrataban la sociedad de la época realizando críticas políticas y costumbres de la época del Japón de entonces. Sobre 1814 aproximadamente es cuando se le acuña el término “manga” a este tipo de cómics. Este término está formado por los kanjis (caracteres japoneses heredados del chino, cada uno tiene significado propio) “man” (informal) y “ga” (dibujo). 6968 3.8. MILLIE BROWN Millie Brown, nacida en 1986 en Bath (Reino Unido), es una artista de la performance comenzó su carrera con 17 años. Siembro de WOWOW! (un colectivo londinense con talentos como el del diseñador de moda Gareth Pugh, el diseñador de joyas Dominic Jones y el fotógrafo Matthew Stone) fue aclamada como uno de los nuevos YBA (Young British Artists). Es conocida por sus peculiares performances en las que toma leche con pigmentos para vomitarla (sobre lienzos, sobre sí misma o sobre otras personas) y por sus colaboraciones con otros artistas como Nick Knight, Ruth Hogben y Lady Gaga. Millie afirma que es su manera de “sacar lo que lleva dentro”, haciendo así una metáfora mediante el proceso de realización de su obra. Para la artista, lo importante no es el resultado final, sino el proceso. “He explorado muchas formas de expresión en el arte y la performance. Estoy usando todo mi cuerpo y así es como me expreso mejor. Sí, podría directamente tirar la pintura, pero es todo el proceso lo que es realmente interesante para mí. Es crear algo realmente crudo y primario. No puedes cambiarlo o controlarlo.” (Brown, Millie, 2014). Su popularidad se elevó cuando realizó una video-performance con Lady Gaga para un interludio en el Monster Ball Tour (2009-2011). Unos años más tarde, en 2014, Millie vuelve a repetir colaboración durante el SXSW (South By South West) vomitando sobre la cantante y, de este modo, llamando la atención de los medios y de otras celebridades que criticaron esta actuación y la han acusado de hacer apología de trastornos alimenticios, contra lo que se defendió para la misma entrevista: “Creo que hay una diferencia obvia entre usar mi cuerpo para crear algo hermoso y para expresarme y utilizarlo para lastimarme y conformar a los estándares de la sociedad. ¡Mi trabajo se rebela contra esos estándares! Entiendo que puede ser detonante para algunas personas, pero como artista no puedo auto-censurarme para hacer que todos sean felices.” (Brown, Millie, 2014). En su obra juega con el azar dejando caer la pintura sobre el lienzo, como el famoso “dripping” de Jason Pollock pero con una metodología muy distinta. Metodología que fue criticada no sólo por relacionarla con la bulimia, sino por ser considerada desagradable y de mal gusto. “Al principio solía leer todos los comentarios y me enfadaban [...] Ya no leo esa mierda, pero creo que si afecta a la gente de forma tan fuerte, está bien porque ese es el punto del arte. Se supone que debe provocar emociones y alentar a las personas a cuestionarse cosas. Si los enfada o los inspira, es igualmente importante.” (Brown, Millie, 2014). 3.9. MURAKAMI Takashi Murakami (1962, Tokyo) es un artista japonés multidisciplinar conocido mundialmente por sus llamativas y coloridas obras. Se matriculó en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio donde se doctoró en una disciplina que mezcla el estudio del estilo tradicional de oriente y occidente. Es en 1990 cuando comienza su carrera desarrollando un nuevo estilo artístico que se caracteriza por la bidimensionalidad y por la fusión entre el arte tradicional japonés, el manga y el anime y el Pop Art. En el año 2000 organiza una exposición titulada con el nombre de este nuevo estilo, “Superflat”, en la Parco Gallery de Tokio, que recorrería Europa y América ganando popularidad y reconocimiento a nivel mundial. En esta exposición se presenta la cultura Otaku como parte del patrimonio artístico y cultural de Japón, rompiendo con el arte tradicional japonés. Funda Kaikai Kiki Co. Lt en 2001 que abre sucursales tanto en Tokio como en Nueva York, dando lugar a la exposición “Takashi Murakami: Kaikai Kiki”. Teniendo como predecesor la Hiropon Factory, es la primera empresa japonesa que busca el futuro para desarrollar y promover obras de arte contemporáneo de vanguardia. Tiene como objetivos la producción y promoción de obras de arte, la gestión y el apoyo de jóvenes artistas seleccionados, la gestión general de eventos y proyectos, y la producción y promoción de mercancías. Al año siguiente instala en el Rockefeller Center de Nueva York su mayor escultura pública, Reversed Double Helix , y comienza a desarrollar trabajos para el mundo de la moda, como su colaboración con el famoso diseñador Louis Vuitton. Murakami se caracteriza por ser uno de los artistas más comerciales de la historia. Sin embargo, en su teoría Superflat (en español “superplano”) critica la sociedad japonesa por ser plana y superficial. En el manifiesto de este estilo explica que Japón, traumatizada por la segunda guerra mundial, pierde parte de su identidad adoptando aspectos culturales de la cultura estadounidense, como la animación. De este modo surgió la cultura Otaku, a través de la cual Murakami interpreta la identidad tradicional japonesa considerándola una forma moderna de definirla con su propio estilo. Estilo caracterizado por la falta de perspectiva, así como la ausencia de profundidad en los lienzos. Su estilo se caracteriza por la falta de perspectiva y la ausencia de profundidad en sus lienzos. Esta manera de elaborar sus trabajos, carente de toda jerarquía, permite más de un recorrido en su lectura. Murakami destaca en su composición pictórica la bidimensionalidad de los elementos por la ausencia de luces y sombras y el múltiple punto de vista, otorgándole la misma importancia 70 71 Hustle’n’Punch By Kaikai And Kiki (2009). Takashi Murakami. Acrílico y hoja de platino sobre lienzo montado sobre marco de aluminio. 300’04 x 608’01 x 5’08 cm. Consultado: 25 de Abril de 2017. Disponible en: culvercitypo.blogspot.com.es/2016/07/ 73 72 a cada elemento de la obra. De este modo, el artista pretende que la información se reciba mediante capas que, después del zigzagueante recorrido visual al evitar un único punto de vista, se funden en una sola imagen superplana. Así crea una nueva tendencia. Los elementos que aparecen en sus obras se relacionan con la estética japonesa de lo “kawaii” que se traduce como “tierno” o “mono”, aunque pueda resultar incongruente por las situaciones en las que los nipones utilizan el término. Estos pueden ser margaritas con caras sonrientes, hongos o calaveras. Para Murakami lo más importante del arte es algo que no se puede expresar en palabras. Para él carece de sentido y, por otro lado, está repleto de interpretaciones personales provocando una aparente falta de coherencia en su obra. Lleva lo utópico y la extrema fantasía a las salas de exposiciones, recreando así con sus obras un universo alternativo donde el tiempo y el espacio no existen. 3.10. YAYOI KUSAMA Yayoi Kusama (Japón, 1929) es una de las artistas vivas más relevantes internacionalmente, que tiene cierto paralelismo estético con las creaciones de este trabajo por el uso del punto como elemento de repetición, sólo que en estas últimas no se repite de forma compulsiva sobre todo el soporte. Tras una serie de traumas en su infancia, la artista tenía alucinaciones en las que aparecían lunares por todas partes, incluido su propio cuerpo. Cuando la artista tenía aproximadamente diez años, creaba pinturas fantásticas con acuarelas, pasteles y óleos. Se trasladó a Estados Unidos en 1957, mostrando grandes pinturas, esculturas e instalaciones. La ansiedad sexual que sufría por experiencias pasadas en su niñez se vio reflejada en gran parte de este trabajo cubriendo todo tipo de objetos con formas fálicas hechas con tela blanca, dejando entrever la ironía de la artista. A finales de los 60, realiza un gran número de happenigs como festivales de body painting, fashion shows y anti-guerra. También realizó actividades relacionadas con los medios de comunicación, como la producción y protagonización de la película “Kusama’s Self-Obliteration” en 1968. La artista regresó a Japón en 1973 y publicó una serie de novelas y antologías mientras continuaba con su obra plástica. Cuatro años más tarde, ingresa en un centro psiquiátrico en Japón, cerca de su estudio. Desde entonces, consciente de su enfermedad, lucha en contra de ella produciendo su arte. Algo a destacar en su carrera es cuando, en 2004, se inició su exposición individual “KUSAMATRIX” en el Museo Mori de Tokio, que atrajo a un total de 520.000 personas. Las salas parecían sacadas directamente de la mente de Kusama, con formas voluptuosas a gran escala que se reflejaban en los espejos de las paredes junto a los visitantes. Cuatro años más tarde se estrena la película documental “Yayoi Kusama, I adore myself”, también proyectado en el festival de cine internacional y el museo, en Japón. Hay una clara semejanza estética entre la obra HADI, presentada en este trabajo, y la colaboración de Kusama con Louis Vuitton. En las fotografías para esta colección aparecen lunares por todas partes, tanto por las prendas del diseñador de moda como por los elementos que aparecen en el escenario y el fondo, como se puede apreciar en la siguiente fotografía, jugando con los negativos y los distintos tamaños. Yayoi Kusama, exhibición en el escaparate de una tienda de Louis Vuitton con Tentáculos (2012/2015). Singapur, Henie Onstad Kunstsenter, Oslo, Galería Victoria Miro, Londres y David Zwirner, Nueva York. Foto: Vegard Kleven / HOK Consultado: 25 de Abril de 2017. Disponible en: www. modernamuseet.se/ stockholm/en/exhibitions/ yayoi-kusama/biography/ 7574 3.11. MODA La moda es algo que ha influido inevitablemente en la forma de vestir a los personajes de estas ilustraciones, como los dos diseñadores de la alta costura Balenciaga y Louis Vuitton con su colaboración junto a Yayoi Kusama. Pese al paralelismo estético mencionado anteriormente de esta colaboración con una de las obras, Balenciaga, junto al equipo de diseñadores que siguen trabajando en su empresa, es el mayor referente del mundo de la moda en este trabajo. Cristóbal Balenciaga Eizaguirre (1895 - 1972) es considerado el modisto español de Alta Costura más importante de la historia. Fue por su madre, costurera de importantes familias de la zona, por quién se inició en el mundo de la costura. Comenzó a trabajar en los almacenes Au Louvre de San Sebastián en 1911, siendo nombrado jefe de taller dos años más tarde. En 1917 fundó su primera casa, C. Balenciaga, y diez años después creó Eisa Costura, dedicada a la modistería tradicional. El diseñador se traslada a París tras el estallido de la Guerra Civil Española, donde constituye la sociedad Balenciaga y presenta su primera colección con un gran éxito, atrayendo importantes clientes internacionales y siendo consagrado como “el Maestro” y “el Rey” de la Alta Costura. A finales de los años 60, influenciado por la pintura y la arquitectura, introduce formas cada vez más puras y abstractas creando diseños monocromáticos con unos contornos muy marcados. Creaba formas despegadas del cuerpo, resaltando unas partes y ocultando otras. “Un buen modisto debe ser: arquitecto para los patrones, escultor para la forma, pintor para los dibujos, músico para la armonía y filosofía para la medida.” (Balenciaga, Cristóbal) Vestido de Balenciaga, fotografiado por Cecil Beaton en 1967. © Cordon Press. Consultado: 22 de Mayo de 2017. Disponible en: http://www.revistavanityfair.es/la-revista/articulos/cristobal-balenciaga/23197 7776 4 EVOLUCIÓN Y DESARROLLO TEÓRICO-PRÁCTICO El discurso expuesto en este trabajo surge por la necesidad de romper y expresarse libremente, sin limitaciones técnicas ni conceptuales. Los años de experimentación en el arte con respecto a distintas disciplinas, técnicas y procedimientos, han sido cruciales para la ejecución de cada obra. Incluidas las de experimentación, han servido como puente para llegar a estas piezas, por lo que resulta imprescindible hacer un flashback hacia los inicios para su total comprensión. La pintura es la primera disciplina que precede a esta obra, descubriéndose cursando Bachillerato. Aprendiendo distintos procedimientos para representar bodegones, paisajes y retratos en su gran mayoría, este último es el primer género que se empieza a producir por cuenta propia bajo la influencia del realismo y el post-impresionismo. Sin embargo, la técnica no se desarrolló lo esperado cuando se acabaron estos estudios. Un curso de Técnico Auxiliar en Diseño Gráfico realizado después de los estudios anteriores, aportó un nuevo punto de vista sobre el arte y la forma de crear. Se conocieron así teóricamente las posibilidades de usar el arte como medio propagandístico, con un mensaje claro y directo. Entonces fue cuando surgió la preocupación por expresar mediante las obras de un modo más sintético y directo. De acuerdo con Mies van der Rohe y contrastando con la idea previa más clásica del dibujo y la pintura, se aplicó el “menos es más” a los trabajos realizados en el curso. No resultó fácil llevar a cabo este principio del minimalismo a la obra y, aún menos, al comenzar los estudios de Bellas Artes. En los primeros años del grado se estuvo buscando un lenguaje artístico propio con distintas técnicas y procedimientos. centrándose más en una pintura que iría evolucionando durante toda la carrera. En ella, la representación de los espacios aparecía cada vez con menos frecuencia, perdiendo parte la figura en un fondo generalmente liso y monocromático. Sin embargo, las zonas que interesan resaltar tienen un nivel más alto de detallismo. Gran parte de la obra producida entonces está dedicada a retratar celebridades, como hizo Andy Warhol en su día, sobre todo la cantante coreana Jessica Jung. Una obra bastante experimental dio un nuevo enfoque a lo que se estaba produciendo. Se realizó una video-performance para la asignatura de Videocreación con una serie de requisitos: el blanco como color protagonista, una duración de dos minutos y treinta segundos exactamente y la aparición de un fenómeno meteorológico y un animal de algún modo. Para la escena principal del vídeo, aparece el color blanco para hacer una metáfora sobre el orden, la pureza y el proceso de creación en la que el sujeto protagonista se convierte en la propia obra conforme unas manos van cubriendo el cuerpo de blanco. Esta escena se alterna con otras de corta duración donde el tiempo y el sonido pueden estar alterados. 79 78 Muchas de estas pequeñas escenas tienen unos ruidos que contrastan con los suaves sonidos ambientales de la escena principal. Las escenas cortas aparecían escenas de una vida diaria con el tiempo y el sonido alterados, haciendo una alegoría a los recuerdos y pensamientos que invaden la psique cuando se está creando. Surge así un proceso creativo que ayuda a expresar una idea de la forma más directa que se había experimentado hasta el momento. Fue entonces cuando se le dio importancia a la expresión y al conocerse mejor a uno mismo para hacer algo totalmente sincero y personal. Antes de empezar con este trabajo, se creía que el obligatorio uso del blanco resultaría tedioso por el poco uso en el resto de creaciones, pero se encontró en él una forma de manifestarse que resultó imprescindible en la evolución y desarrollo de toda la obra. Realizando esta creación se vieron posibilidades en el color blanco, ya que transmitía una paz y tranquilidad, no tan evidentes en el resto de las creaciones, que se necesitaba en ese momento. En la asignatura de Discursos del Dibujo había que realizar un trabajo externo de temática y técnica de dibujo libres. Después de una crisis personal por un problema médico y tras tres años dibujando esculturas y modelos, no se encontraba el modo de expresar mediante esta disciplina. Por ello se empezó por apuntes rápidos buscando la técnica y la forma para mostrar algo más que conocimientos sobre anatomía y dibujo. Al no tener ninguna restricción con respecto a tamaño y técnica de los dibujos, se procedió a materializar una serie ilustraciones de pequeño tamaño, la gran mayoría de 21 x 14’8 cm . Sin saber qué expresar ni cómo, se llevaron a cabo una serie de ilustraciones por gusto personal y por apetencia. Mientras se hacían algunos bocetos para el trabajo, apareció el videoclip de la canción “AWOO” de Lim Kim, ya que la música acompaña en la ejecución de la gran mayoría de las creaciones. En él, la artista posa con una extraña sensualidad por su vestimenta y movimientos. El hecho de realizarlos fue como desahogo después de haber estado tan encorsetado, sin permitirse a uno mismo hacer algo totalmente distinto de lo que ya hacía. Dibujar por y para uno mismo, por placer, fue lo que se halló en el procedimiento de estos dibujos. Así surgen de forma casi terapéutica, por necesidad de romper con lo anterior, las dos primeras ilustraciones de este trabajo en el díptico titulado AWOO . Recortada sobre un fondo blanco, aparece la figura en ambas ilustraciones utilizando la línea y los planos de color como recursos. Las líneas que dibujan las formas son nerviosas e irregulares en partes que no me interesa destacar y más limpias y/o gruesas en otras. La monocromía, junto a la inexistente representación de luces y sombras, dota de bidimensionalidad a la obra, siendo la interpretación de la línea la que defina algo de volumetría. El blanco, teniendo como precedente la videoperfomance antes nombrada, sirve para transmitir esa paz y orden tan buscados. Sin embargo, el caos y el desorden residen en el origen de la idea de las obras, creando así un equilibrio entre ambos conceptos antagónicos. Como contraste con la obra plástica anterior, se busca la simplificación de las figuras obviando detalles innecesarios. Al conseguir un resultado tan satisfactorio, se prosiguió con la producción de obras en esta misma línea, dando lugar a GIRLS , una obra constituida por dos ilustraciones en las que se retratan a dos amigas. El trabajo previo consistió en una sesión fotográfica, de las que se seleccionaron algunas que servirían como referencia para estas creaciones. Como Jessica II. (2014), Abel Cao. Acrílico sobre lienzo. 60 x 73 cm.