El color como medio expresivo del paso del tiempo

El color como medio expresivo del paso del tiempo Paloma Parejo Hernández 32 El color como medio expresivo del paso del tiempo TÍTULO: El color como medio expresivo del paso del tiempo AUTOR/A: Paloma Parejo Hernández TUTOR/A: Esther Mayoral Campa TITULACIÓN: Grado en Fundamentos de Arquitectura, Escuela Técnica Superior de Arquitectura, Universidad de Sevilla AÑO ACADÉMICO: 2020/2021 54 El color como medio expresivo del paso del tiempo Índice Índice Resumen / Abstract. Palabras clave 6 Cuestiones previas: Secuencia de arranque 10 _Motivación personal _Interés y oportunidad _Estado de la cuestión _Objetivos _Metodología Introducción. El tiempo 16 _Tiempo cíclico _Tiempo dinámico _Memoria Capítulo 01: Color y tiempo cíclico 22 _Spatial Colorism _Chromosaturación _Inducción cromática _Transcromías _Habitaciones, color, cuerpos y sombras _Superposición, color, tiempo y movimiento _La Casa Giraldi o la síntesis del espacio y el color Capítulo 02: Color y recorrido 60 _Recorridos interiores _Recorrer el paisaje _Recorrer la ciudad _Recorrer el territorio Capítulo 03: Color y memoria 74 _Recuerdos _Re-vivir el espacio _El color en el espacio público Conclusiones 120 Anexos 122 _Bibliografía general _Índice de ilustraciones 76 Introducción. El tiempoEl color como medio expresivo del paso del tiempo Color Arquitectura Tiempo Efímero Caminar Memoria El uso del color en el diseño arquitectónico ha sido un motivo frecuente de debate, especialmente tras el Movimiento Moderno, cuando el blanco se convierte en el protagonista absoluto de la arquitectura, al mismo tiempo que el color era empleado por algunos arquitectos, habitualmente de manera controlada y subordinado a la forma. Sin embargo, su capacidad de provocar una respuesta en la persona que lo percibe, influyendo en ella de manera fisiológica y psicológica hace que la forma en que nos relacionamos con el espacio esté determinada en parte por el color. Gracias a su condición estimulante para los sentidos, el color presenta un lenguaje propio, capaz de provocar una respuesta emocional vinculada al momento histórico, la cultura o las experiencias personales. Esto permite al usuario crear un vínculo con el espacio mediante la identidad espacial, permitiéndole apropiarse del espacio e identificarse con él. Podemos considerar, por tanto, al color como uno de los componentes de la arquitectura, un componente en constante transformación, ya que depende totalmente de la presencia de la luz, siendo capaz de transformar consigo el espacio. El carácter efímero del color y su facultad de alterar la percepción del espacio, introducen el concepto del tiempo en la arquitectura. La estrecha relación que mantienen estos dos elementos se hace tangible en el espacio de diferentes maneras. A través de la influencia de la luz natural, la percepción del color varía a lo largo del día, y con ella lo hace también el propio espacio, dando lugar a la experimentación de una amplia gama de sensaciones. Por otra parte, en contraposición con este tiempo “estático”, percibido en un lugar fijo; el color como recorrido introduce el movimiento en el espacio, relacionándose con un tiempo “dinámico”. Por último, podemos considerar que la temporalidad del color va más allá de su capacidad de mostrar el paso del tiempo de manera física; la gran influencia cultural en la percepción del color permite que los usuarios se apropien del espacio y confieran de identidad al mismo. De esta forma la memoria pasa a jugar un papel fundamental en el espacio. Resumen Palabras Clave Resumen / abstract. Palabras clave 98 Introducción. El tiempoEl color como medio expresivo del paso del tiempo The use of colour in architectural design has been a frequent cause of discussion, specially after the Modern Movement, when white becomes the absolute protagonist of architecture, while, at the same time, color was used by some architects, usually in a controlled way and subordinated to form. However, its ability of provoking a response on the person who perceibes it, influenciating him or her on a physiological and psychological way, makes our relationship within space determined, in part, by colour. Thanks to its senses stimulating condition, colour features its own language, capable of provoking an emotional response linked to the historical moment, culture or personal experiences. This allows the user to stablish a link with space, through spatial identity, letting him appropiating of space and identify himself with it. Therefore, we can consider, colour as one of the components of architecture, an everchanging component, as it completely depends on the presence of light, being able to transform the space with it. Colour’s ephemeral character, and its faculty of modifyin spatial perception, introduct the concept of time in architecture. The close relationship these two elements maintain become tangible on space in different ways. Through the influence of natural light, colour perception varies along the day, and with it also the space does it, leading to the experimentation of a wide variety of sensatoins. On the other hand, contrary to this ‘static’ time, perceibed from a fixed place; colour as a path introduces movement within the space, interacting with a ‘dynamic’ time. Lastly, we can consider that the temporality of colour goes beyond its capability of showing the passage of time in a physical way; the great cultular influence on how colour is perceibed, makes it possible for users to appripiate of space and confer it with an identity. In this way memory becomes a fundamental part of space. Colour Architecture Time Ephemeral Walk Memory Abstract Key words Resumen / abstract. Palabras clave 1110 Cuestiones Previas: Secuencia de arranqueEl color como medio expresivo del paso del tiempo La motivación para investigar sobre este tema surge de una gran curiosidad hacia el color y todo lo que tiene que ver con este concepto. Este interés existe desde mi infancia, aunque es más adelante cuando tomo consciencia de la fascinación que me produce su observación y la gran atracción que siento hacia las diferentes sensaciones que despiertan en su interacción con otros. La apreciación del color ya sea en el espacio interior, como en el urbano y la naturaleza, siempre está presente y tiene una gran influencia en mi forma de relacionarme con el entorno. De ahí surge mi interés por investigar el color, El interés principal de este trabajo reside en el estudio de la unión de los conceptos color y tiempo y la manifestación en la arquitectura de uno a través del otro para caracterizar el espacio y provocar diferentes sensaciones en las personas que lo perciben. El color está presente en todo momento en la vida de las personas; desde la naturaleza hasta el espacio urbano el color se manifiesta como un elemento altamente estimulante y expresivo. A pesar de ser un elemento que ha sido frecuentemente negado e ignorado en la arquitectura, su influencia en la percepción visual hace del color un importante transformador sumado a la fascinación por estudiar cómo diferentes manifestaciones artísticas utilizan y reflejan el espacio. De la necesidad de conocer la influencia del color en el espacio, los efectos sensoriales, las emociones y reflexiones que ocasionan en quienes lo perciben. Este es el punto de partida y el motor de este trabajo, entender como artistas de las más diversas disciplinas aplican el color de formas totalmente diferentes pero que pueden ser interpretadas dentro de conceptos comunes, y la influencia que su trabajo tiene en quienes se ven envueltos por estas obras. del espacio. Su condición efímera introduce la dimensión del tiempo, no solo por ser cambiante en función de elementos externos como puede ser la luz; sino también por la variabilidad en la percepción de este por influencia de factores personales, sociales y culturales. La estrecha relación entre estos dos componentes cualifica el espacio de una manera que podría definirse como poética, capaz de transmitir sensaciones y de establecer una narración en el espacio, con la facultad de contar infinidad de historias diferentes debido a su propia evolución y a la de quien lo percibe. Igualmente, la relación entre color y tiempo en el espacio, enfocándose en el entendimiento del tiempo desde tres perspectivas: tiempo cíclico, dinámico y memoria; concretamente es un tema que no ha sido investigado en profundidad, por lo que puede ser un buen comienzo para reflexionar acerca de este tema. Además, el hecho de que se aborde el análisis a través de obras de diferentes disciplinas artísticas, no solo la arquitectura, ofrece una visión global, desde diferentes perspectivas del tema a tratar. Cuestiones previas: Secuencia de arranque Motivación personal Interés y oportunidad 1312 Cuestiones Previas: Secuencia de arranqueEl color como medio expresivo del paso del tiempo El color es un elemento interdisciplinar, que está presente en muy diversos ámbitos. Con respecto a la arquitectura, existen gran cantidad de estudios acerca del uso del color desde diferentes puntos de vista. Para este trabajo se han tomado de referencia investigaciones con un enfoque a las capacidades perceptivas y espaciales del color. Son muchos los arquitectos que han empleado el color en su obra, aportando reflexiones con respecto a la potencialidad del color en el espacio; así como artistas que han explorado mediante exposiciones e instalaciones temporales las capacidades espaciales del mismo y las alteraciones que provocan en el espacio por efecto de la luz. El punto de partida de esta investigación se establece tras la lectura de los siguientes trabajos: _El manifiesto Spatial Colorism, redactado por el pintor Constant Nieuwenhuys junto con el arquitecto Aldo van Eyck en el año 1952. Un importante escrito en el que el pintor y el arquitecto declaran la incorporación del color en el espacio como una necesidad. Las reflexiones de Constant y Van Eyck en este documento han resultado de gran importancia, sobre todo en el primer capítulo del trabajo, que se inicia con un análisis del mismo, estableciendo el origen de lo que se mostrará a continuación. _Tesis Doctoral del arquitecto Carlos Pesqueira Calvo, El color en la transfiguración del espacio: Un estudio empírico de los dispositivos de transformación y configuración, del año 2015; en la que el arquitecto estudia a través de diferentes casos, cómo el color actúa sobre el espacio alterando su percepción. _La obra de Carlos Cruz-Diez, sus investigaciones desde los años 50 acerca de diferentes fenómenos visuales relacionados con el color y sus obras de arte visual que exploran la relación del color con el tiempo, el espacio y, sobre Estado de la cuestión todo con el espectador han sido cruciales en el desarrollo de esta investigación. Por otra parte, dado que la relación entre el color y el tiempo, desde los tres puntos de vista que aquí se exponen no es un tema sobre el que se hayan realizado abundantes investigaciones, se han tomado de referencia obras que, sin tratar de forma explícita el color o el tiempo, se pueden relacionar con estos temas y asociarse con ideas latentes en los trabajos de los diferentes artistas que se exponen. De esta manera, se han tomado igualmente como referencia las siguientes obras: _Andar, una filosofía (2014), de Frédéric Gros; Walkscapes: el andar como práctica estética (2002) de Francesco Careri y Flâneuse (2016), de Lauren Elkin. En ellos se expone el acto de andar como una actividad esencial para conocer el espacio de la ciudad y el territorio, relacionándolo con experiencias y reflexiones propias de cada uno de los autores. _Chroma. A book of colour (1994), de Derek Jarman; obra que ha sido esencial para entender la percepción del color aun cuando no se puede ver, cómo el color se almacena en la memoria y despierta multitud de recuerdos, pudiendo hacer un recorrido completo a lo largo de la vida. Además de las obras escritas citadas, se ha observado un gran interés por investigar este tema en la arquitectura efímera, un medio que permite crear manifestaciones conceptuales y analizar la respuesta del público ante su presencia. 1514 Cuestiones Previas: Secuencia de arranqueEl color como medio expresivo del paso del tiempo La investigación se desarrollará con el fin de alcanzar los siguientes objetivos: _Poner en valor las cualidades expresivas, emotivas y estéticas del color, haciéndolo un elemento valioso para producir sensaciones en la arquitectura, y que propicia infinitas percepciones de la narrativa de un mismo espacio. _Mostrar la capacidad espacial de este elemento, y su importancia en la relación que se establece entre el espacio y quien lo habita. _Estudiar diferentes maneras y desde diferentes disciplinas, cómo se ha empleado el color en relación con el espacio con el fin de conseguir diferentes efectos, desde la generación de emociones hasta la narración de una historia. _Revelar su profunda relación con el tiempo y cómo ambos conceptos intervienen de manera conjunta en la percepción de la arquitectura y en la forma del usuario de habitar el espacio. Con el fin de lograr los objetivos marcados se establece una metodología de trabajo analítica en dirección a establecer reflexiones críticas. En primer lugar, se introduce el concepto del tiempo y los tres puntos de vista desde los que se va a abarcar la investigación: tiempo cíclico, tiempo dinámico (asociado al recorrido) y memoria. De igual manera se aproxima al color de manera general, los aspectos que intervienen en su percepción e interpretación, así como la respuesta que provoca en las personas. Tras este primer acercamiento al color, se analizarán diferentes formas de establecerse en el espacio, y su relación con el concepto del tiempo desde los puntos de vista expuestos. La manera de proceder para este análisis consiste en el estudio de diferentes manifestaciones artísticas que mantienen relación con el espacio de manera directa o indirecta, con el objetivo de indagar en diferentes visiones sobre este tema y formas de abordarlo. Las obras a estudiar abarcan la pintura, cuya relación con el color es muy estrecha y estudiada a lo largo de su historia; el cine, donde el _Analizar de manera concreta tres formas de relación entre el color y el tiempo en el espacio: Color y tiempo cíclico: Estudiar cómo la influencia de la luz en el color descubre el concepto del tiempo en el espacio y su variación durante determinados periodos de tiempo como el día y las estaciones. Color y tiempo en el recorrido: Analizar el color como acompañante durante el trayecto, transformando el espacio y permitiendo así la percepción del tiempo de manera dinámica. Color y memoria: Investigar la relación entre color y tiempo a través de la memoria asociada al espacio, considerando el color como huella transformadora de ambos, el espacio y el usuario. Objetivos Metodología espacio y la imagen proyectada sirven como elemento narrativo para contar su historia; instalaciones efímeras, ya que consisten en espacios de experimentación con grandes posibilidades de análisis conceptual y obras de arquitectura, donde se analizarán obras en las que el color tenga un gran peso. Finalmente se concluirá presentando las reflexiones obtenidas de la investigación realizada. Las fuentes para desarrollar este trabajo serán documentación bibliográfica y gráfica. 1716 Introducción. El tiempoEl color como medio expresivo del paso del tiempo El color es un concepto enormemente amplio que puede ser examinado desde infinidad de puntos de vista, no obstante, este estudio tratará de focalizar la atención en su relación e interacción con el paso del tiempo. Para comprender esta investigación es vital el entendimiento de la catalogación planteada, basada en la comprensión del tiempo de tres maneras diferentes. La observación de esta idea desde tres prismas distintos, pero conectados entre ellos, pretende aportar una mayor riqueza de visiones al estudio de la relación que mantienen el tiempo y el color. Los ángulos desde los que se examina el tiempo en este trabajo de investigación proporcionan distintos puntos de vista acerca de este concepto; sin embargo, se puede advertir cómo los límites entre ellos no están radicalmente marcados, sino que cada uno de ellos se impregna de la visión de los otros, estableciéndose enlaces entre las diferentes perspectivas. A continuación, se pasa a presentar estos puntos de vista desde los que se abordará el concepto del tiempo. Introducción. El tiempo Capítulo 1. Color y tiempo cíclicoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 30 31 El primer trabajo desarrollado por Diez en este sentido es la “Maqueta de Chromosaturaciones para un lugar público”, donde se sientan algunas de las bases de su trabajo posterior. El elemento principal consiste en la construcción de una envolvente del espacio a través de vidrios tintados. La trasparecía de los elementos que contienen el color permite un juego con la luz, que modifica y altera la percepción del espacio en su escala, y en la consideración del tiempo. Esta primera maqueta culmina en un proyecto más ambicioso, cuando en 1965 expone su obra el laberinto de Chromosaturaciones en el Bulevar de Saint Germain en Paris. Esta instalación desarrollada en un entorno urbano juega con el color y el espectador a través de una serie de objetos, 20 cabinas de 2,75 x 1,20 m cada una. Construidas con vidrios tintados transparentes, en diferentes colores. Estas piezas interaccionan con el espectador a través de la experimentación espacial y la transformación de la percepción del espacio público mediante el color. Una forma de entender la escultura transdisciplinar, que establece vínculos claros con la arquitectura y que producirá un profundo extrañamiento en los ciudadanos. Como él mismo dice, en un principio la obra no resultó de interés al público en absoluto. Sin embargo, revela que, en la actualidad, la curiosidad del público general ha crecido y se observa una mayor atención a la experimentación de la obra. En esos primeros años de trabajo con la estrategia de la Chromosaturación comenzará a trasladar esas experiencias abstractas muy objetuales y exteriores al interior del espacio. El primer ensayo de esta estrategia en el interior del espacio es a través de la escenografía del ballet “Contrapunto Quintet” (1969). Desde ese momento en adelante su investigación se centrará en el espacio interior donde proyecta sobre los límites del mismo la luz coloreada, e introduce volúmenes geométricos y subespecios dentro del espacio principal, que ayudan a construir secuencias de color, con obras tan significativas como la realizada para el pabellón de Venezuela en la XXXV Bienal de Venecia (1970). Cruz-Diez expondrá su trabajo sobre la Chromosaturación alrededor de todo el mundo. A pesar de esa interiorización de su producción seguirá trabajando con la Chromosaturación también en el espacio público y en colaboraciones para otras disciplinas artísticas, como su trabajo para la ópera “Quatre Saints en Trois Actes” (Francia,1983). 9. SERFATY, Laurence and BRZOVIC, Francisco. What is a Chromosaturation? | Carlos Cruz- Diez [vídeo]. Houston: Cruz-Diez Art Foundation, 2019, 29 marzo, [consultado: 08-07-2021]. Disponible en: https://www. youtube.com/watch?v=RDN_ yN3rwMA&list=PL1IZWnOo- H5nkDOHzsbld5m6qZ6CpC0rq- f&index=6 10. Ídem. 1.07. Chromosaturation pour un lieu public, en la salida del metro Odéon, Bd. Saint Germain, París. 1969. 1.08. Chromosaturation pour un lieu public, en la salida del metro Odéon, Bd. Saint Germain, París. 1969. 1.09. Chromosaturation para la escenografía del ballet “Contrapunto Quintet”. 1969. “La gente pasaba de largo, entraba y salía de inmediato porque no había nada que ver; no había esculturas, ni dibujos, ni imágenes. No había nada. El espacio solo no interesaba.”9 “Ahora la gente percibe que pasa algo; comienza a descubrir lo anteriormente descrito.”10 1.06. Maqueta de Chromosaturation para un lugar público. En madera y PVC. París. 1965. Capítulo 1. Color y tiempo cíclicoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 32 33 La Chromosaturación y la inspiración en el paisaje son dos aspectos que Cruz- Diez comparte con el artista y escultor Larry Bell, quien ha estudiado a través de su obra la relación entre el objeto de arte y su entorno. Tras un inicio en el arte como pintor expresionista, más tarde comienza a introducir el vidrio en sus trabajos, material que se convertirá en un indispensable en su obra, permitiéndole reflejar su obsesión con la manipulación de la luz. Otro aspecto que interesa a Bell es el diálogo entre la obra y el espectador, preocupación que comparte con el movimiento de la Costa Oeste de Estados Unidos. Al que se le asocia: Light and Space, al que pertenecen artistas como Robert Irwin o James Turrel, del que se hablará más adelante. Al igual que Cruz-Diez evoca el “Sol de los venados” de los Llanos venezolanos, Bell plasma el ambiente de una mañana en la costa de California, en la que la niebla enturbia la visión del mar en su obra Bay Area Blues (2018)11. Lo hace a través de dos cubos de cristal tintado en distintos tonos de azul, uno dentro del otro. El vidrio es uno de los elementos principales en la composición de su obra; desde que lo introduce en 195912 no ha parado de experimentar con sus posibilidades. Pero este fenómeno no aparece únicamente en el espacio interior en la obra de Bell; también lo podemos ver en espacios como la terraza del Whitney Museum, donde el artista establece seis cubos de vidrio laminado de distintos tonos de color rojo. Aquí el espectador entra en juego, permitiéndosele, de igual manera que en la instalación de Cruz-Diez en París, la percepción del espacio desde un nuevo prisma de color. 11. Una obra en tu casa: La Bahía Azul de Larry Bell [en línea]. Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear, 2020, [consultado: 09-07-2021]. Disponible en: http://fundacionhelgadealvear.es/activities/una-obra-en- tu-casa-la-bahia-azul-de-larry- bell/ 12. DICKIE, Anna; BAILEY, Stephanie. Larry Bell Talks Spontaneous Improvisation [en línea]. Ocula Magazine, 2017, 16 julio, [consultado: 09-07-2021]. Disponible en: https://ocula.com/ magazine/insights/larry-bell/ 1.10. Tres vistas diferentes de la obra Bay Area Blues de Larry Bell en el Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear, Cáceres. 2018. Museo de arte contemporáneo Helga de Alvear. 1.11, 1.12. Apreciación de la vista a través de los diferentes tonos de rojo del vidrio laminado de los cubos hechos para la instalación de Larry Bell Capítulo 1. Color y tiempo cíclicoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 34 35 Como se ha adelantado anteriormente, otro de los artistas que engloba este apartado y al que igualmente se relacionó con el movimiento Light and Space de la Costa Oeste de EE. UU, es James Turrell. Originario de Pasadena, California; el artista y arquitecto expone espacios en los que “esculpe” la luz y el color con el objetivo de modificar la percepción del lugar, otorgando total libertad a la interpretación del observador. Su pasión por la luz se observa en su trato hacia este elemento, para el que solo tiene palabras elogiosas, entendiéndola como natural sea cual sea su procedencia, negando la artificialidad de esta. Esta pasión se ve reflejada en sus creaciones, siendo este elemento el principal objeto de su investigación a lo largo de su carrera, desde el inicio de su trayectoria. En su primera obra expuesta en solitario, Projection Pieces en 1967, se sirve de proyectores de alta intensidad para, mediante la luz transformar los espacios. Más adelante, crea Shallow Space Constructions, obra con la que se pretende alterar la percepción de la profundidad del espacio por parte del espectador, y con ella su experiencia en estos espacios de color. De forma similar, llama la atención su serie Ganzfelds, una de las más conocidas del artista. La palabra Ganzfelds, se refiere a una experiencia; “es una palabra alemana utilizada para describir una pérdida total de la percepción de la profundidad, una experiencia cegadora”14; y es esto lo que transmite la instalación, similar a un desierto. La consecuencia de un espacio totalmente invadido por el color, sin ninguna referencia exterior, es la eliminación del tiempo, y con ella la aparición de las sensaciones de desorientación, vértigo y confusión. 13. CARRERO, Marisa. James Turrell: Biografía, obras y exposiciones [en línea]. Alejandra de Argos, 2014, 19 noviembre, [consultado: 09-07-2021]. Disponible en: https://www.alejandradeargos.com/index.php/ es/completas/32-artistas/365-ja- mes-turrell-biografia-obras-y-ex- posiciones 14. James Turrell, Ganzfelds [en línea]. James Turrell. Work, [consultado: 09-07-21]. Disponible en: https://jamesturrell.com/ work/type/ganzfeld/ 1.13. Instalacion Apani (Ganzfeld) de James Turrell en la Bienal de Venecia, 2011. 1.14. Instalación Ganzfeld de James Turrell. 1.15. Instalación Immersive Light (Ganzfeld) de James Turrell para el Museo West Bund de Shanghai, 2017. “Mi trabajo es sobre el espacio y la luz que habita en él. Se trata de cómo se puede hacer frente a ese espacio y materializarlo. Se trata de tu visión, como el pensamiento sin palabras que proviene de mirar hacia el fuego”.13 Capítulo 1. Color y tiempo cíclicoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 36 37 Otro ejemplo de Chromosaturación, pero esta vez en el cine podría ser el uso del color que Ingmar Bergman hace su película Gritos y susurros (1972). En esta película Bergman pone en escena una historia con 5 protagonistas: tres hermanas, su criada y el color rojo, que claramente se presenta también como protagonista. El rojo se manifiesta en el espacio, llenando cada estancia de la casa y captando la atención tras el vestuario (en su mayoría blanco y negro) de las protagonistas, pero también lo podemos ver actuando como vínculo de unión de las hermanas con momentos del pasado. En Gritos y susurros el color rojo desempeña un papel crucial, para transmitir los sentimientos de las protagonistas y la atmósfera de la situación; una sensación de dolor, angustia y abatimiento cuya forma de ser transmitida podría recordar a los espacios que James Turrel crea en su serie Ganzfield, un espacio encerrado en sí mismo donde se crea un efecto de pérdida de la noción del tiempo y de soledad. El rojo vuelve a ser protagonista, en este caso en Leche y sangre (1986), obra de la artista Valenciana Soledad Sevilla, cuya carrera se centra tanto en obras pictóricas como en instalaciones inmersivas; teniendo en ambas una gran presencia el color. Esta es una de sus instalaciones artísticas, consistente en un espacio monocolor rojo, la artista cubre las paredes de una sala completamente de claveles rojos, de techo a suelo, sin dejar ningún espacio sin impregnarse del intenso color rojo de la flor. La obra revela por si misma el paso del tiempo, nace y muere, muestra un ciclo que inicia su fin al empezar a marchitarse los claveles, dejando su aroma en el ambiente y destapando la blancura de la pared, que quedará completamente al descubierto al finalizar el ciclo. Se trata de una obra viva y altamente sensorial, no solo por ser perceptible a través de la vista, sino porque también participan otros sentidos como el olfato y el tacto, ya que las texturas asisten a la interpretación de la obra. 15. BERGMAN, I. Linterna mágica, Barcelona, Tusquets Editores, 1988. Bergman, I. Imágenes, Barcelona, Tusquets Editores, 1992. En: GONZÁLEZ MARTÍN, Diana. Los motivos visuales en el cine de Ingmar Bergman. En: Latente Revista de Historia y Estética audiovisual [en línea]. San Cristóbal de La Laguna: Servicio de Publicaciones Universidad de La Laguna, noviembre 2019, nº17, pp. 159-199 [consulta: 10-07-2021]. ISSN: e-2386-8503. Disponible en: https://riull.ull.es/xmlui/ bitstream/handle/915/16514/ LT_17_%282019%29_08.pdf?sequence=1&isAllowed=y DOI: https://doi.org/10.25145/j. 1.16. Primer plano de Anna sobre el fondo rojo del interior de la casa familiar. Fotograma de la película Gritos y Susurros. Ingmar Bergman, 1972 1.17. Plano de las hermanas María y Karin junto con Anna (al fondo) en el interior de la casa familiar. Fotograma de la película Gritos y Susurros. Ingmar Bergman, 1972. 1.18. Imagen del proceso de elaboración de la instalación Leche y Sangre de Soledad Sevilla para la Galería Montenegro de Madrid. 1986. “Todo es rojo. [...] Todas mis películas se pueden pensar en blanco y negro, excepto Gritos y susurros. En el guion consta que he imaginado lo rojo como el interior del alma.”15 Capítulo 1. Color y tiempo cíclicoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 38 39 “Recórtense dos círculos iguales (de unos 7,5 cm de diámetro) de papel rojo y blanco, y márquese sus centros con un puntito negro. Después y en una misma horizontal, péguese el círculo rojo a la izquierda y el blanco a la derecha, sobre la pizarra o un papel o cartulina negros de unos 25 cm de alto por 50 cm de largo, dejando aproximadamente la misma medida de negro antes, entre y después de los círculos. Si ahora miramos fijamente por espacio de medio minuto, el centro que hemos marcado en el círculo rojo, no tardaremos en descubrir lo difícil que es mantener la vista fija sobre un punto. Poco después empiezan a aparecer formas de media luna moviéndose en la periferia del círculo. A pesar de ello, hay que seguir mirando fijamente el punto central del círculo rojo para lograr la experiencia buscada. De pronto dirijamos la vista al centro del círculo blanco. […]todos los ojos normales ven de repente verde o azul-verde en vez de blanco. Ese verde es el complementario al rojo o rojoanaranjado. El fenómeno que consiste en ver verde (en este caso) en vez de blanco se conoce con el nombre de persistencia de la imagen, postimagen o contraste simultáneo”.17 En 1963, mientras realizaba una serigrafía, Carlos Cruz-Diez descubre casi por error su primera Inducción cromática. Cruz- Diez advirtió este fenómeno al serigrafiar la capa negra de una de sus obras sobre una capa azul previamente impresa. La combinación de las dos capas dio como resultado la percepción de su color complementario, el amarillo16. Lo que sucede con la Inducción cromática es una ilusión óptica, explicada a través de un sencillo experimento por Josef Albers en su libro Interacción del color: Inducción cromática Carlos Cruz-Diez combina este fenómeno con los módulos de acontecimiento cromático, módulos que aparecen por efecto del Color aditivo, al entrar en contacto dos planos de color18, para crear obras que generan de una vez el color complementario, efecto que no se produce en la obra sino en el espectador. 1.20. Induction du Jaune (Inducción cromática) de Carlos Cruz-Diez en Paris. 2006. Observando la imágen desde una cierta distancia, se pueden percibir en ella los colores azul, amarillo y negro; sin embargo al acercarse, se advierte que únicamente están presentes el azul y el negro. Esto sucede debido a la Inducción Cromática. 1.19. Ilustración del experimento sobre inducción cromática de Josef Albers. 16. SERFATY, Laurence and BRZOVIC, Francisco. What is a Chromatic Induction? | Carlos Cruz-Diez [vídeo]. Houston: Cruz-Diez Art Foundation, 2019, 29 marzo, [consultado: 08-07-2021]. Disponible en: https://www. youtube.com/watch?v=1yL- dPLDmfLM&list=PL1IZWnOo- H5nkDOHzsbld5m6qZ6CpC0rq- f&index=1 17. ALBERS, Josef; BALSEIRO, María Luisa, trad. Interacción del color. Madrid: Alianza Editorial, 2017, pp. 38,120-121. 18. SERFATY, Laurence and BRZOVIC, Francisco. What is an Additive Color? | Carlos Cruz- Diez [vídeo]. Houston: Cruz-Diez Art Foundation, 2019, 29 marzo, [consultado: 08-07-2021]. Disponible en: https://www. youtube.com/watch?v=HZUD- qTfdVME&list=PL1IZWnOo- H5nkDOHzsbld5m6qZ6CpC0rq- f&index=3 ¿Qué es una Inducción Cromática? Carlos Cruz-Diez Capítulo 1. Color y tiempo cíclicoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 40 41 La exploración del contraste simultáneo es un tema que aparece de manera recurrente en la obra del artista visual multidisciplinar Olafur Elliason. Al igual que Cruz-Diez, el artista danés refleja su inquietud por la experimentación con el color y sus infinitas posibilidades, desarrollando numerosas y estimulantes obras en las que explora diferentes fenómenos visuales, muchos de ellos en relación al color y el espacio. Como objetivo, trata de brindar al espectador una oportunidad de reflexionar acerca de la percepción y la realidad, presentándole nuevos puntos de vista. Para Elliason lo esencial es que el espectador provea la obra de su experiencia y realice su propia interpretación; no considera que exista un único entendimiento de su obra, sino que entiende que se descifrarán numerosos significados19. En el año 1997 crea sus instalaciones Yellow Corridor y Room for one colour, en las que comienza a experimentar con este concepto. Ambas obras constituyen espacios monocromáticos, totalmente saturados de color amarillo, permitiendo únicamente la percepción del amarillo y el negro, produciendo un efecto visualmente similar a la visión en blanco y negro. A la salida de este espacio los espectadores experimentan el fenómeno del contraste simultáneo, al percibir una imagen residual de color azul (color complementario al amarillo) como resultado de la observación durante un tiempo prolongado del color amarillo. Este suceso se repite en Your doublelighthouse projection, instalación formada por dos espacios circulares, uno de menor tamaño que el orto. Cientos de tubos fluorescentes rojos, verdes y azules (los mismos colores que Cruz-Diez emplea en sus espacios de Chromosaturación) iluminan el espacio mayor, produciendo variaciones de color aleatorias. A cada cambio, debido a la imagen residual, visualmente se produce una mezcla entre los colores sucesivos, llegando provocar en el espectador la incapacidad de distinguirlos. A fin de seguir sintiendo el fenómeno que produce la instalación, se organiza una sala de menor tamaño, iluminada con luz blanca que permite resetear la vista. También con forma circular, Elliason nos presenta 360º Room for all the colours; esta vez proyectando una mayor variedad de colores a través de luces. En este caso, de igual manera que en las dos primeras instalaciones nombradas, el fenómeno del contraste simultáneo se experimenta a la salida, cuando los espectadores perciben una mayor gama de colores que los que en realidad han observado en el interior de la instalación. Como se puede advertir en sus instalaciones, para el artista el papel del espectador es crucial, considerándolo una parte esencial de la obra, ya que entiende que sin la interacción entre espectador y obra ésta última nunca podría estar completa. 19. CUÉ, Elena. Olafur Elliason. El artista como científico [en línea]. Alejandra de Argos, 2015, 9 junio, [consultado: 11- 07-2021]. Disponible en: https:// www.alejandradeargos.com/ index.php/es/completas/8-ar- te/431-olafur-eliasson 1.21. Imagen de la instalación Room for one colour de Olafur Elliason en el Moderna Museet de Estocolmo 2015. 1.22. Fotografía del libro Spread from Olafur Eliasson: Life in Space 3, donde se muestran imágenes de su instalación 360º Room for all the colours. 2002. Capítulo 1. Color y tiempo cíclicoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 42 43 Además de la investigación mediante la luz y el color, Carlos Cruz-Diez comparte con Olafur Elliason su opinión acerca de la participación del espectador en sus obras. Cruz-Diez declara que uno de los fundamentos del arte cinético es haber cambiado nociones. El arte ha sido tradicionalmente concebido como algo contemplativo, por el contrario, el artista propone un arte generador de situaciones en que el observador participa y descubre, forma parte de la obra. Cruz-Diez hace estas declaraciones en el canal de su fundación Cruz-Diez Art Foundation21, en el video en que nos muestra el concepto de Transcromía. El artista asiste por primera vez a este fenómeno a comienzos de los años 60, mientras investiga sobre la manera de proyectar el color en el espacio. Como resultado de su estudio aparece la Transcromía, sustentada en el color por sustracción a través del uso de láminas translúcidas coloreadas que contienen algunos colores mientras que liberan otros. Estas sustracciones se superponen y combinan, ofreciendo una amplia variedad de posibilidades de color que permite al espectador elegir el punto de vista que desee observar. Pero no son las láminas las únicas creadoras de color; en esto intervienen también los objetos que envuelven y la luz que las atraviesa, poniendo de manifiesto la ambigüedad del color. Se trata de una obra pensada para integrarse en la naturaleza; aclarando el autor que no se refiere únicamente al paisaje que podemos contemplar en el espacio exterior, sino que la naturaleza puede englobar también espacios donde la vida tiene lugar, como puede ser una habitación. Se puede advertir en el testimonio de Cruz-Diez que, para poder entender sus instalaciones, es primordial la relación de la obra con el espectador. Las Transcromías no pueden existir por sí solas, conforman un diálogo con la realidad del ambiente, poniendo de manifiesto la complejidad e inestabilidad de lo real. 20. SERFATY, Laurence and BRZOVIC, Francisco. What is a Transchromie? | Carlos Cruz- Diez [vídeo]. Houston: Cruz- Diez Art Foundation, 2019, 29 marzo, [consultado: 08-07- 2021]. Disponible en: https:// www.youtube.com/watch?v=F- vZ60oj30WQ&list=PL1IZWnOo- H5nkDOHzsbld5m6qZ6CpC0rq- f&index=5 21. http://www.cruz-diez.com/ 1.23. Fotografía que muestra el efecto de la Transcromía en la exposición “Cruz-Diez”, en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. 1981. Transcromías “El arte tradicional es una interpretación, una lectura del pasado que hay que interpretar. En el cinetismo no hay que interpretar, hay que participar y ser parte de la obra. Si te detienes ante ella muere, tienes que desplazarte, porque es como la vida: la vida es movimiento.”20 Capítulo 1. Color y tiempo cíclicoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 44 45 Como se ha comentado al inicio del apartado, Cruz-Diez coindice con Elliason en su forma de entender sus obras. Las similitudes entre ambos también aparecen en el campo de la Transcromía, concepto que parece explorar igualmente el artista danés, aunque no lo catalogue como tal. Lo vemos en su obra Seu corpo da obra (Your body of work), en la que a través de un laberinto de paneles translúcidos de diferentes colores crea una enorme variedad de posibilidades perceptivas a medida que el espectador pasea a través de él. Durante el recorrido, invita al observador a detenerse y examinar las sensaciones y efectos en la percepción del espacio que provocan las diferentes mezclas de colores a su paso. En la instalación de Olafur Elliason se advierte la presencia de la luz solar, aportando la componente de nexo con el exterior, el tiempo, ausente en la serie Ganzfields de James Turrell, analizada en el apartado anterior. 1.25. Imagen interior de la instalación Seu corpo da obra (Your body of work) de Olafur Elliason en el Moderna Museet de Estocolmo. 2015 1.24. Apreciación del reflejo en el agua de la mezcla de colores de la instalación Seu corpo da obra (Your body of work), de Olafur Elliason en el SESC Pompeia, São Paulo. 2011. Capítulo 1. Color y tiempo cíclicoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 46 47 El medio natural para Carlos Cruz-Diez no se limita únicamente a su significado literal. En su entrevista sobre la Transcromía, hemos podido escucharle hablando de su concepción de naturaleza, definiéndola no solo como un paisaje exterior, sino que también puede serlo una habitación. Se entiende que su concepto de naturaleza engloba cualquier espacio con el que las personas establecen una relación. La habitación es el medio natural donde tiene lugar la obra de la fotógrafa argentina Delfina Carmona, en la que el cuerpo es protagonista e interpreta su vínculo con el espacio que le rodea. En este caso, el concepto de Transcromía aparece reflejado de una forma mucho más sutil, a través de la iluminación que caracteriza la particular atmósfera estival que se crea alrededor de los objetos presentes en el espacio, a los que tanta importancia daba Cruz-Diez. La fotografía de Delfina Carmona está totalmente impregnada de color, ya sea a través de estos objetos que hacen vibrar las imágenes con unos brillantes rojos, azules y amarillos; como mediante la luz, protagonista en su obra, que colorea el espacio y lo impregna de una apreciable sensación de verano. Acompañando a la luz, la sombra constituye un elemento fundamental en la obra de Carmona en cuanto a definir y encuadrar el espacio, así como en relación a la introducción del tiempo en el mismo. Las sombras duras que se proyectan en el espacio, en los cuerpos y los objetos definen y enmarcan escenas dentro de las fotografías, convirtiéndose en un elemento esencial en la obra; elemento que forma parte de ese ambiente cálido de verano, de días largos, en los que las sombras se arrojan sobre el espacio transformados y resaltados por la luz. En la fotografía de Delfina Carmona se pueden diferenciar de manera clara el día y la noche. Hay una diferenciación evidente que refleja la intención de la fotógrafa de enfrentar estos momentos del día que se manifiesta en el uso que hace de la luz y el color. Aun cuando la luz del sol se desvanece, la iluminación y el color siguen siendo protagonistas; sin embargo, en este momento sus imágenes revelan espacios monocromáticos de una gran intensidad, en los que aparecen a menudo algunos puntos de luz cálida en la inundación de color que contribuyen a la creación del clima cálido e íntimo que sugieren las fotografías. Habitaciones, color, cuerpos y sombras 1.26-1.28. Evidencia del paso del tiempo a través del color en la fotografía de Delfina Carmona. ¿Qué es una Transcromía? Carlos Cruz-Diez Capítulo 1. Color y tiempo cíclicoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 48 49 Podemos decir que In the mood for love se cuenta de manera visual, a través de los espacios y cómo los protagonistas se desenvuelven en ellos. Aquí entra en juego el cuerpo como recurso crucial para comunicar. Al igual que en la fotografía de Delfina Carmona, son el cuerpo y su movimiento, junto con la luz y, por supuesto el color, los encargados de transmitir y contar la trama, de expresar ese clima de intimidad y confidencia a la vez que de angustia y desasosiego ante la soledad e incomprensión con la que se encuentran los protagonistas. La atmósfera íntima que Delfina Carmona quiere representar en sus fotografías recuerda a las tenues escenas de In the mood for love (Wong Kar-wai, 2000), donde la imagen cobra un gran protagonismo. El espacio es en la película de Wong Kar-wai el principal narrador de la historia de amor entre los protagonistas. A través del espacio podemos sentir el ambiente denso, de angustia en el que se encuentran y su posterior frustración e impotencia ante la imposibilidad de estar juntos. De manera rítmica van apareciendo las repetidas localizaciones que nos muestran la preocupación y el desengaño, revelando los sucesos a la vez que los protagonistas van haciendo averiguaciones. Las sensaciones están presentes en el espacio en todo momento, espacios muy cerrados, observamos mezclas de colores cálidos e iluminación tenue que se revelan a través de imágenes tomadas tras cortinas, puertas o ventanas que destacan lo confidencial de su relación y mantienen en secreto los encuentros y sentimientos de los protagonistas. Las combinaciones de colores que suceden en las escenas hablan por sí mismas, permitiéndonos percibir el espacio de igual forma que los protagonistas perciben ese momento vital y contándonos sus sentimientos, preocupaciones y deseos, facilitando al espectador entender su punto de vista y empatizar con ellos. 22. FERNÁNDEZ HEREDERO, Carlos. La herida del tiempo. El cine de Wong Kar-wai. Valladolid, Semana Internacional de Cine de Valladolid, 2002. En: GONZÁLEZ CUESTA, Begoña. La poética de la imagen en Deseando amar de Wong Kar-Wai: El cuerpo y el espacio como las materias del espíritu. Comunicación en congreso transcrita por la autora [en línea]. Segovia: Universidad Sek, departamento de comunicación audiovisual, 2004, [consulta: 11-07-21]. Disponible en: https://www.academia. edu/1067718/La_po%C3%A9ti- ca_de_la_imagen_en_Desean- do_Amar_de_Wong_Kar_Wai 1.29-1.32. El ambiente íntimo y enigmático que rodea la relación entre Su Lizhen y Chow Mo-Wan reflejado a través del color. Fotogramas de la película In The Mood For Love, Wong Kar-wai, 2000. “Todo en la película se expresa a través del cuerpo”.22 Autor: Shigeru Umebayashi Nombre: Yumeji’s Theme Álbum: OST In The Mood For Love 42 43 Capítulo 2. Color y recorridoEl color como medio expresivo del paso del tiempo Podemos considerar la acción de caminar como un acto esencial de relación con el entorno, a través del cual se ocupa un espacio de forma dinámica permitiendo su visión desde diferentes ángulos y asimilando el paisaje desde la experiencia vivida a través del trayecto. Se trata de un acto, además, íntimamente relacionado con el tiempo, ya que asistimos a su transcurrir mientras caminamos. Frédèric Gros reflexiona sobre el acto de caminar en Andar, una filosofía, su libro es una exaltación del recorrer el espacio urbano y el natural, del paseo por placer, para conocer, y medita sobre la velocidad de nuestros recorridos, considerando como parte esencial de sus ideas esencial frenar el ritmo para empaparse del entorno que nos rodea. Cuando es el color el que constituye el camino, acompaña al usuario a lo largo de ese trayecto introspectivo y reflexivo en el que ambos se convierten en testigos del paso del tiempo experimentando las transformaciones que tienen lugar mientras se recorre; por un lado, el siempre presente tiempo cíclico, por efecto de la luz altera el entorno, los colores del recorrido y nuestras acciones. Por otra parte, se introduce un tiempo dinámico, que avanza con nosotros, a la vez que se nos va descubriendo el paisaje. Mediante la introducción del color como recorrido en el territorio se establece una transgresión, ya que su presencia transforma, determina y se apropia del espacio, dando lugar a una nueva perspectiva, a una nueva forma de experimentar el lugar que permite la agregación de vivencias y sensaciones al lugar donde se instala. En el paisaje exterior, el color y el espacio están marcados a su vez por otros componentes efímeros como el sonido, el agua, el viento, la sombra y la luz; incidiendo este último de manera directa en la percepción del color, transformándolo y complementando la experiencia sensorial durante el recorrido del mismo. En este capítulo se van a mostrar diferentes formas de recorrer el espacio, analizando el uso del color en ellos y su relación con quien lo recorre y también con el entorno en que se encuentran. Para ello el capítulo se divide en cuatro escalas diferentes, ordenadas de menor a mayor. En cada apartado se estudiarán caminos creados o marcados por el color en el espacio interior, el paisaje percibido desde el interior, la ciudad y el territorio. “La lentitud consiste en adherirse perfectamente al tiempo, hasta el punto de que los segundos se desgranan, gotean como la lluvia sobre la piedra. Este estiramiento del tiempo profundiza el espacio. Es uno de los secretos de la marcha: un acercamiento lento a los paisajes, que los vuelve progresivamente familiares.” 29 “Caminar es una experiencia sensorial total que no escapa a ninguno de los sentidos, ni siquiera el del gusto en quien ha probado las fresas del bosque, las frambuesas silvestres, los arándanos, las moras, las avellanas, las nueces, las castañas, etc., según la temporada.”30 29. GROS, Frédéric. Andar, una filosofía. Traducción: Isabel González-Gallarza. Barcelona: TAURUS, 2014, p. 27. 30. LE BRETON, David; CASTIGNANI, Hugo. Elogio del caminar / Praise of walking. Madrid: Siruela, 2015, p. 21. Capítulo 2. Color y recorrido 44 45 El color como medio expresivo del paso del tiempo Esa búsqueda de la infancia continúa en el interior de una estructura inflable, otra de las instalaciones del grupo Numen/For Use: String. En el interior de ese espacio cúbico, una cuadrícula hecha de cuerdas sintéticas tensadas sostiene y constituyen el camino de los usuarios. Sin embargo, en este caso la elección del recorrido no está delimitado por el espacio, los usuarios deben buscar su camino entre la red de cuerdas azules. El color azul se aplica en el elemento que soporta a los usuarios permitiendo seguir su camino, aportándoles seguridad a través de su resistencia y su color en un espacio de una blancura absoluta, donde la sensación de vacío y desorientación recuerda a las instalaciones de Turrell, en las que este mismo efecto no se producía a través de la ausencia de color, sino gracias a la saturación total de color del espacio. Partiendo de la menor de las escalas que se van a tratar en el capítulo, este apartado abarca el recorrido en el espacio interior, situando el punto de partida en una interpretación más conceptual de la idea de recorrido. Este camino se inicia a través de la instalación The Tube, de la agrupación artística Numen/For use, dedicada a los campos del arte conceptual, la escenografía, y el diseño industrial y espacial. Alejándose del espacio contenedor de la instalación Numen (la parte de la agrupación que está dedicada a la arquitectura experimental y las instalaciones espaciales)31 teje una red de cuerda sintética azul de manera que compone un túnel de reducidas dimensiones que encierra a los usuarios a la vez que los eleva. A través de la red azul, se ofrece una visión del espacio totalmente nueva para quien lo recorre. Literalmente, pero también en un sentido metafórico; ya que la estructura obliga a atravesar el camino de la manera que lo haría un niño, extrayendo de los usuarios un comportamiento espontáneo e infantil, convirtiéndose en un camino hacia la propia infancia. Recorridos interiores 31. BARBA, José Juan. Numen/ For Use [en línea]. Metalocus, 2012, 2 marzo [consultado: 10- 08-2021]. Disponible en: https:// www.metalocus.es/es/noticias/ numen-use 2.01, 2.02. Vista interior (sup.) y exterior (inf.) de la instalación The Tube Carlswerk de Numen/For Use en Colonia, Alemania. 2016. 2.03, 2.04. Usuarios atravesando la trama interior de la instalación String Biela de Numen/For Use en Bratislava, Eslovaquia. 2019. Capítulo 2. Color y recorridoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 46 47 La superposición de formas dentro de un espacio contenedor es el método que también emplea la artista alemana Regina Schumann en su obra Jump!. Mediante el Light Art, técnica principal en las obras de la artista, formas semicirculares llenan de luz y de color un espacio vacío, creando caminos casi laberínticos que la luz negra hace resplandecer, creando un clima sensual y enigmático. El uso de colores brillantes centelleando en el espacio oscuro provocan una gran expectación y curiosidad en el usuario, invitándolo a transitar el espacio en busca del misterio que parece esconder la instalación. La creación de un juego de capas que se desligan del contenedor envolviendo al usuario, como se ha visto en el capítulo anterior, es uno de los principales conceptos sobre los que Emmanuelle Moureaux fundamenta sus obras. Bajo el concepto bunshi (ramificación en japonés) 20.000 pequeñas ramas de papel coloreado se multiplican de manera aparentemente aleatoria llenando el espacio contenedor. Si nos adentramos en el bosque de color, encontramos que en su interior se abre un vacío que constituye el camino que nos guía experimentando una amplia gama de colores que varían a medida que la exposición avanza, descubriéndonos los muebles de madera objeto de la exposición. “Bunshi (ramificación): dividir o propagar en ramas, extender en subdivisiones.”32 32. MOUREAUX, Emmanuelle. bunshi [en línea]. Emmanuelle Moureaux, Works [consultado: 22-07-2021]. Disponible en: https://www.emmanuellemoureaux.com/bunshi 2.05. Vista a través del bosque de figuras de papel que crean el recorrido en la instalación bunshi, de Emmanuelle Moureaux en Spiral, Tokio, Japón. 2016. 2.06. Paredes de luces de colores neon que componen el recorrido curvilíneo de la instalación Jump! de Regine Schumann en el Kunstmuseum Heidenheim de Heidenheim, Alemania. 2012. 2.07. Vista superior de la instalación Jump! de Regine Schumann en el Kunstmuseum Heidenheim en Heidenheim, Alemania. 2012. Capítulo 2. Color y recorridoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 48 49 El recorrido a través de los colores primarios intensos, junto con el ambiente enigmático, incluso tenebroso de la instalación de Regina Schumann trae a la memoria el camino que emprende Suzy Bannion en el interior de la academia de ballet Tanz en la película de terror Suspiria (Dario Argento, 1977). La protagonista, tras su llegada a la academia, movida por la curiosidad y la necesidad de investigar, se ve inmersa en el misterio que se esconde en el edificio. El color en la película tiene un papel expresivo fundamental, los colores rojo, azul y verde acompañan a la protagonista en su búsqueda y avisan a los espectadores de los acontecimientos antes de que sucedan. De los tres colores narradores de la película, el principal es el color rojo, una elección instintiva que indica peligro. Es el rojo el que constituye el camino de Suzy a lo largo de la película, guiándola por el interior de la academia hasta resolver el misterio que guarda. Es el color principal en el interior de la academia salvo algunas escenas en las que predomina el color azul, como en la entrada de la protagonista, cuando aún es ajena a lo que le deparará el edificio; o en espacios en los que predominan colores neutros, en los que en ocasiones podemos ver al fondo de la imagen puertas o caminos de color rojo. A lo largo de la película, podemos ver como cada paso que la protagonista da en su investigación está acompañado del color rojo; se trata de un camino lento, que permite al espectador empaparse del miedo y del color del espacio recorrido por la protagonista, desde el inicio hasta el final. 2.08-2.11. Secuencia de imágenes del recorrido marcado por el color rojo que lleva a Suzy Bannion a descubrir el secreto de la Academia Tanz. Fotogramas de la película Suspiria, Dario Argento. 1977. Autor: Goblin Nombre: Suspiria Álbum: OST Suspiria (40th Anniversary) Capítulo 2. Color y recorridoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 50 51 33. ARCHER, Nate. martin pfeifle: rotemartha [en línea]. Designboom, 2010, 29 octubre [consultado: 11-08-2021]. Disponible en: https://www.designboom.com/art/martin-pfeifle-ro- temartha/ En las primeras obras presentadas en este apartado, el color, el elemento que compone la instalación se separa del espacio contenedor, creando una segunda piel donde se adentra el usuario para experimentarla. Sin embargo, en la película Suspiria, el color inunda la totalidad de la escena, mediante la iluminación o el propio color del espacio contenedor. En la instalación Rotemartha del artista alemán Martin Pfeifle el color se adhiere al espacio, atándolo y creando un recorrido a través del espacio interior de la antigua Abadía de Kornelimünster33, en Alemania. Una serie de tiras de plástico teñidas de 6 tonos diferentes de rojo acordonan toda una planta de la abadía, atravesando las puertas que rodean todo el centro de la planta, empujando a los usuarios a transitar el espacio, de igual manera que este mismo color empujaba a Suzy a investigar el interior de la academia Tanz. Se ha realizado un análisis por seis estrategias que construyen un recorrido dentro de espacios interiores a través de elementos donde el color es muy determinante y ofrecen al usuario diferentes experiencias perceptivas en relación con el elemento que constituye el recorrido y el propio contenedor. Este análisis se ha desarrollado disminuyendo la complejidad y la abstracción de las estrategias. En primer lugar, desde aquellas, las realizadas por Numen, donde el contenedor casi desaparece en esa red de color que los artistas tejen, para sumergir al usuario en su propia infancia y propiciar una exploración completa, compleja e isótropa del espacio. En segundo lugar, con esa otra experiencia ofrecida por Moureaux, un camino sobre el plano del suelo, marcado por el vacío, como un recorrido conquistado al bosque, talando y eliminando aquello que interesa, para condicionar el recorrido del usuario. En este caso el contenedor sigue desapareciendo en la espesura de elementos de color suspendidos desde el techo, como si Moureaux le hubiera construido una celosía espesa al contenedor que borra sus límites, para proponer un espacio nuevo. En tercer lugar, la propuesta de Regina Schumann ya evidencia el contenedor, aunque a través de la planta construye un recorrido diverso, con sus pantallas centelleantes y sinuosas, que atraen la atención de los usuarios como la luz a los insectos. El espacio contenedor desaparece manteniéndolo a oscuras y focalizando la atención en las pantallas onduladas que se diseñan a través de la iluminación y el color brillante de las mismas. En cuarto lugar, la película Suspiria, ofrece otra forma de construir el recorrido, donde camino y contenedor se confunden, a través del teñido de todo el espacio por un color concreto, en el caso descrito, el rojo, como símbolo del peligroso recorrido que inicia la protagonista a través del edificio en el que se adentra. Por último, la estrategia más sencilla de la instalación Rotemartha, donde ya el contenedor es totalmente evidente y el camino se construye insinuado en alguno de los elementos límite del espacio, en este cado con una especie de tela atirantada que se adosa a la pared de forma continua atravesando los diferentes espacio de la galería de arte. El color ayuda a identificar y reforzar, ese elemento extraño al espacio que marca el recorrido. Por tanto, el color en todos estos casos constituye un elemento necesario para construir un recorrido, ya sea este soportado por una red, un vacío, unas pantallas, un edificio o un elemento concreto. 2.12, 2.13. Cintas en tonos rojos y rosas atando el interior de la Abadía de Kornelimünster en la instalación Rotemartha, de Martin Pfeifle. Aquisgrán, Alemania. 2010. Capítulo 2. Color y recorridoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 52 53 El recorrido en el espacio interior continúa; sin embargo, éste deja de ser el protagonista y pasa a tener la función de contenedor de un recorrido visual del espacio urbano transfigurado por el color que se interpone entre el usuario y el mismo. El punto de partida se fija en el aeropuerto de Miami, concretamente en el punto de conexión entre el propio aeropuerto y el espacio de entrada y salida al mismo, un paso peatonal que alberga la instalación Harmonic Convergence de Christopher Janney. El artista y arquitecto es conocido por integrar en su obra arquitectura, música y luz para revitalizar diferentes espacios con estos elementos, a los que habitualmente se suma también el color. A través de una transición de sonidos y colores bañados por la luz, Harmonic Convergence acompaña a los pasajeros en el inicio o el fin de su trayecto. La instalación ofrece una visión única de la ciudad, que, junto con la luz, se cuela en el breve trayecto mediante la gradación de vidrios cuadrados coloreados, que se disponen en diagonal simulando la estructura metálica. La experiencia se completa con el sonido de fondo, una serie de pistas de sonidos naturales de la ciudad grabadas por el artista que transporta a los usuarios hasta su origen o destino mientras caminan por este pasaje impregnado del color y de la luz del sol de Miami. Recorrer el paisaje 2.14, 2.15. Imágenes del acceso al área de llegadas/salidas del Aeropuerto Internacional de Miami bañado por el color de la instalación Harmonic Convergence de Christopher Janney. 2011. Capítulo 2. Color y recorridoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 54 55 En el primer capítulo se han presentado varias obras del artista Olafur Elliason, en las que se exploran los efectos del color en la percepción visual de los espectadores en un espacio interior. En su instalación Your Rainbow Panorama Elliason eleva a los espectadores hasta la cubierta del museo de arte ARoS en Aarus, Dinamarca desde donde el artista baña de color el skyline de la ciudad gracias a un recorrido de 360º sobre ella. Desde esta posición, el espectador que se adentra en la instalación se sumerge en un trayecto que, como si de un arcoíris se tratase, recorre la ciudad desde el cielo dividiéndola en zonas de color que ofrecen una imagen de la ciudad totalmente novedosa, que el usuario descubre a medida que avanza. A lo largo del túnel con paredes compuestas por vidrio coloreado, la instalación, de forma circular, descubre los diferentes colores de manera gradual, alrededor de los cuales se invita a los espectadores a observar una visión insólita de la ciudad, así como a experimentar con los efectos del color en su percepción y en la propia experiencia. Del mismo modo que sucede en algunas de sus instalaciones interiores, en Your Rainbow Panorama también se puede sentir la inducción cromática: si el usuario se detiene a contemplar las vistas en un punto, el color del vidrio en el mismo palidecerá, mientras que los de los extremos, en las curvas, se intensificarán; sin embargo, este efecto se ve reducido al acelerar el ritmo, en cuyo caso se percibe la vibración de los colores alrededor del usuario. Según Elliason, para que la experiencia de la instalación sea más completa conviene visitar la exposición del museo previamente, ya que cree que las obras que se exponen marcarán la vivencia e interpretación del recorrido. 34. Your Rainbow Panorama / Studio Olafur Eliasson [en línea]. Plataforma Arquitectura, 2014, 29 enero [consultado: 13-08- 2021]. ISSN 0719-8914. Disponible en: https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-331610/ tu-panorama-arco-iris-stu- dio-olafur-eliasson “Pienso sobre Your rainbow panorama como un mediador que forja las relaciones entre tres: tu, ARoS y la ciudad de Aarhus. Es un vehículo para mirar algo nuevo, que enmarca las vistas y te enmarca a ti cuando avanzas por la pasarela que transforma las atmósferas en colores. Lo que experimentas puede ser tanto de alcance panorámico y la calidad introspectiva - puedes verte a ti mismo viendo.”34 2.16-2.19. Vistas de la ciudad de Aarus a través de diferentes colores. Imágenes tomadas desde diferentes puntos del recorrido de la instalación Your Rainbow Panorama, de Olafur Eliasson para el Centro de Observación de Aarus, Dinamarca. 2011. Your Rainbow Panorama Studio Olafur Elliason Capítulo 2. Color y recorridoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 56 57 al espectador en un recorrido sinusoide totalmente invadido por el color, al igual que el paisaje que se muestra a su paso, una ciudad de Brujas rosa anaranjado, cuya visión desde el interior contrasta altamente con la imagen tradicional de la ciudad. Una vez más se puede entender el papel transformador del color, aplicado en un espacio contenedor que guía a los espectadores por una experiencia sensorial y emotiva que graba en su memoria una nueva visión, interpretación y experiencia de la ciudad conocida. Desde la cubierta del museo ARoS de Aarus descendemos hasta el canal Coupure durante la Trienal de Brujas de 2018, donde, bajo la metáfora Liquid City35, concepto elegido para la exposición, se pudo ver la instalación del estudio español SelgasCano. Se trata de un recorrido creado a partir de un esqueleto de acero que tensa el material plástico impermeable y fluorescente e implantado sobre una plataforma de madera que flota en el canal. La estructura, cuyo material permite una forma orgánica, envuelve 35. STOUHI, Dima; VALENCIA, Nicolás, trad. SelgasCano recuerda la importancia del color en su instalación en la Trienal de Brujas [en línea]. Plataforma Arquitectura, 2018, 29 mayo, [consultado: 13-08-2021]. ISSN 0719-8914. Disponible en: https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/895369/ selgascano-recuerda-la-impor- tancia-del-color-en-su-instala- cion-en-la-trienal-de-brujas 2.20. Vista desde el interior de la instalación de SelgasCano para la Trienal de Brujas de 2018. 2.21. Vista desde el exterior de la instalación de SelgasCano para la Trienal de Brujas de 2018. Capítulo 2. Color y recorridoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 58 59 36. GROS, Frédéric. Op.cit. p. 23. 37. SOLNIT, Rebecca. Wanderlust. Una historia del caminar. Traducción: Álvaro Matus. Madrid: Capitán Swing, 2001, p. 28. 38. Traducción: Preparados, listos, ¡ya! 39. GROS, Frédéric. Op.cit. p. 122. Recorrer la ciudad “Andar es estar fuera. Fuera, al «aire libre» como se suele decir. […] Cuando se va «afuera», es siempre para pasar de un «adentro» a otro: de casa a la oficina, de casa a los comercios cercanos. Se sale para ir a hacer algo, a otra parte. Fuera es una transición: es lo que separa, casi un obstáculo. Entre el aquí y el allá. Pero no tiene valor propio.”36 También Rebecca Solnit en Wanderlust. Una historia del caminar, menciona este punto de vista fijándose en el hecho de que algunas personas vivan en una sucesión de espacios interiores desconectados unos de otros; Solnit considera que esta disociación de espacios desaparece al caminar de unos a otros: “A pie, en cambio, todo parece conectado, porque al caminar uno ocupa los espacios entre interiores del mismo modo que uno ocupa esos interiores.”37 De observar y recorrer la ciudad desde la distancia pasamos a introducirnos de lleno en ella, a atravesar sus calles y caminar su interior y sus bordes; a explorarla, conocerla y conectar con ella acompañados del color, que en esta ocasión actúa como el guía orientador, aventurero y descubridor de una experiencia insólita a través de la ciudad. En un momento en el que la vida se encuentra en constante aceleración y el tiempo se hace más corto, obligándonos a seguir un ritmo cada vez más rápido, la ciudad parece haberse convertido en un mero vehículo mediante el que transportarnos de un sitio a otro, relegando el espacio urbano a un segundo plano, a un trámite para llegar a nuestros destinos. Frédèric Gros reflexiona sobre ello en el capítulo Fuera, de Andar, una filosofía: Al observar la instalación titulada Ready, Steady, Go!38, propuesta ganadora del concurso del Mes de Diseño de Graz de 2010, las arquitectas austriacas Sandra Janser y Elisabeth Koller parecen haber advertido esta situación y decidido responder con una obra que evoca desde el primer instante la velocidad. Curiosamente la pista de carreras que se extiende a lo largo de las calles Jakoministraße y Klosterwiesgasse del distrito de Jakomini consigue el efecto contrario: frenar el paso de los viandantes, atraerlos e invitarlos a pasear, a observar y re-imaginar unas calles que habitualmente pasaban de largo en su recorrido hacia otras zonas más populares. El color rojo vibrante que se extiende a lo largo de los 750 metros de pavimento aporta una intensidad visual que atrapa a quien lo advierte, logrando así revitalizar el distrito, animando a pasear por él y conocerlo a través del recorrido. El color rojo nos descubre el distrito de Jakomini y a la inversa de lo que se dibuja en la mente del observador, para el tiempo, reduce la velocidad en constante aceleración de la ciudad y permite que nos paremos a caminar. “Habría que concederse ese lujo, inédito y fácil, de pasear por nuestro barrio, caminar por él con paso incierto, dubitativo, decidir recorrerlo porque sí, levantando por fin la mirada, y hacerlo despacio. Entonces ocurre el prodigio, y el mero hecho de caminar, sin correr, sin ponerse un objetivo preciso, permite sentir la ciudad tal y como la recibe quien la ve por primera vez. Como no prestamos atención a nada en particular, todo se nos ofrece en abundancia: los colores, los detalles, las formas y los aspectos.” 39 2.22. Vista superior de la instalación Ready, Steady, Go! de Sandra Janser y Elisabeth Koller para la ciudad de Graz, Austria. 2010. Capítulo 2. Color y recorridoEl color como medio expresivo del paso del tiempo 60 61 En la ciudad de Auckland, Nueva Zelanda, en una zona de confluencia de carreteras en medio de la ciudad se identificó una antigua rampa de salida a la autopista, actualmente en desuso. Este fue el punto de partida de los estudios LandLAB y Monk Mackenzie Architects para crear Lightpath, una infraestructura establecida en esta vía que, concebida como una pieza de arte urbano, se convierte en un recorrido representativo de la ciudad que completa la red de carriles bici que la atraviesan. Lightpath se adentra en un territorio dominado por el automóvil, permitiendo su acceso a ciclistas y peatones, empujándoles a descubrir un viejo camino transformado para su disfrute. Y la estrategia seguida para llevar a cabo dicha transformación, creando un elemento distintivo a nivel de ciudad, no ha sido otra que el empleo del color; un intenso y sugerente rosa aplicado en una resina que cubre la totalidad del camino, atrayendo a caminantes y ciclistas y guiándoles a través de un sistema interactivo de más de 300 cajas de luz LED40 que, creando una escultura luminosa que da nombre al proyecto, hacen brillar el llamativo rosa incluso durante la noche. En el caso del antiguo centro de Rotterdam, la revitalización vino de la mano del proyecto Luchtsingel, del estudio de arquitectura ZUS (Zonas Urbanas Sensibles) que se inicia en 2011, cuando se cancela el desarrollo de unas oficinas previstas en el Distrito Central de la ciudad, dejando muchos de estos espacios vacíos41. Basándose en la idea de Temporalidad Permanente42, el proyecto parte de estos espacios vacíos para evolucionar el área y revitalizarla, creando diversos espacios públicos tanto exteriores como interiores. Para reavivar esta zona, resulta imprescindible hacer posible su recorrido a pie, para lo que se establece un paso peatonal en altura, que permite la conexión entre los barrios Hofplein, Weena y Coolsingel, cuya comunicación hasta entonces resultaba difícil. Caracterizado por un intenso color amarillo que viste todo el puente, envolviendo y transportando a los viandantes crea un paisaje tridimensional en el Distrito Central de Rotterdam en el que ahora el protagonista es el peatón. 40. #LightPathAKL by Monk Mackenzie [en línea]. Architizer, 2016, 27 julio [consultado: 16-08-2021]. Disponible en: https://architizer.com/projects/ lightpathakl/ 41. RODRÍGUEZ, Celia. Infraestructura levantada con crowd-funded. El Luchtsingel por ZUS [en línea]. Metalocus, 2015, 15 julio [consultado: 16-08-2021]. Disponible en: https://www.metalocus.es/es/ noticias/infraestructura-levanta- da-con-crowd-funded-el-lucht- singel-por-zus 42. LUCHTSINGEL ROTTERDAM [en línea]. ZUS (Zones Urbaines Sensibles) [Consultado: 16-08-2021]. Disponible en: https://zus.cc/projects/luchtsingel-rotterdam 43. ELKIN, Lauren. Flâneuse: Women Walk the City in Paris, New York, Tokyo, Venice, and London. Londres: Chatto & Windus, 2016, p. 40. “Esa era la definición de libertad. No sólo el tiempo y no sólo el tránsito: ser capaz de hacer eso en un entorno que parece creado para las personas, no las máquinas, moldeado y apoyado por algún tipo de creencia en tener lugares agradables para que estén las personas, juntas, en público.”43 2.23, 2.24. Imágenes del LightPath, de LandLAB y Monk Mackenzie Architects en Auckland Nueva Zelanda. 2.25, 2.26. Imágenes del Luchtsingel del ZUS para la ciudad de Rotterdam. 74 75 Capítulo 03. Color y memoria. 76 77 Capítulo 3. Color y memoriaEl color como medio expresivo del paso del tiempo De igual manera que la luz incide sobre el color y determina la forma en que lo percibimos, la cultura juega un papel importante en la interpretación de este elemento, al estar repleto de connotaciones y asociaciones relacionadas tanto con el contexto social como con las vivencias personales del usuario. Todas estas referencias aprendidas con el tiempo, así como las experiencias personales, se quedan en la memoria y determinan la forma en la que percibimos el color, pero también la forma en que lo recordamos. Derek Jarman, el artista con el que se inicia este capítulo, entiende que la experiencia con el color es totalmente personal y única para cada persona; aunque al mismo tiempo, como se verá en el primer apartado de este capítulo, en su libro Chroma, se reconoce la influencia social y cultural en la interpretación del color. Por tanto, el color tiene mucho que ver con lo aprendido, con lo personal y, en definitiva, con la memoria. En este capítulo se tratará la relación entre el color y la memoria desde tres puntos de vista diferentes. En primer lugar, desde los recuerdos, en los que permanece el color, al igual que los recuerdos permanecen en él, configurando la percepción del espacio y convirtiéndose en el nexo que lo une con el usuario. En segundo lugar, se estudiará el color como un elemento transformador del espacio con tal poder que es capaz de indagar en la memoria y alterar también estos recuerdos, presentándonos ante un espacio conocido pero que se muestra con una apariencia totalmente diferente e incluso, se ha visto distorsionado su uso habitual. Por último, se analizará el color como creador de recuerdos, asociado al espacio público, creando una nueva experiencia en la ciudad, enseñando a los usuarios una nueva forma de habitarla e invitando a hacerlo. En este caso el concepto del tiempo no se hace perceptible de manera directa en el espacio, sino que es la memoria la que es testigo de su paso, evidenciado en ese almacén de recuerdos al que se van añadiendo nuevas experiencias asociadas al color. “Sé que mis colores no son los tuyos. Dos colores nunca son el mismo, aunque provengan del mismo tubo. El contexto cambia el modo en que lo percibimos. Siempre me ha gustado una sola palabra para describir un color, por lo que aquí el rojo es rojo, con unas pocas recaídas en el carmín o el bermellón. Decidí que este libro no tuviera fotografías en color, porque no serían otra cosa que un torpe intento de atraparlos. ¿Cómo podría estar seguro de que en la imprenta habrán de reproducir correctamente el matiz que yo deseo? Prefiero que los colores floten y alcen vuelo en tu mente. Derek.” 60 60. JARMAN, Derek. Croma. Un libro de color. Traducción: Hugo Salas. Buenos Aires: Caja Negra, 1994, p. 77. 7978 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoriaEl color como medio expresivo del paso del tiempo y las diferencias en la definición de este elemento dependiendo del campo que lo estudie, diferenciando los colores del físico o del químico de los del neurólogo o biólogo y de los del historiador, sociólogo o antropólogo62: Se podría decir que, en la percepción del color, juegan un papel fundamental las vivencias, el aprendizaje y el contexto del observador; determinantes en su forma de interpretarlo. Estos factores son los responsables del vínculo que se establece entre el color y los recuerdos, capaz de transportar a quien lo percibe a un espacio y tiempo pasados. Tras la reflexión anterior, Pastoureau hace entender que el color necesita de un observador que lo perciba para su existencia, y lo deja claro cuando cita una cuestión planteada por Goethe en su Farbenlehre (Teoría de los Colores) de 1810: Ambos responden negativamente a esta pregunta; sin embargo, ese vestido sigue siendo rojo en la memoria de quien un día lo miró. En el capítulo anterior se han mostrado diversas formas que toma el color para acompañar al usuario en un recorrido y descubrirle nuevos espacios, o nuevas formas de mirarlo. En este caso el color no nos conduce en un trayecto de forma literal, sino que, debido a su alta sensorialidad, se convierte en el guía de un viaje a través de la memoria que termina en los recuerdos. Los colores nos recuerdan a cosas, a personas, a espacios y momentos concretos, dejan huella en la memoria. En el capítulo final de Los colores de nuestros recuerdos, Michael Pastoureau se pregunta qué es el color y hace un repaso acerca de las posibles respuestas que se han aportado a esta pregunta desde diferentes campos del conocimiento a lo largo de la historia. Menciona el momento en que se acentúa la importancia de la percepción, por parte de las neurociencias, que definieron el color no solo como un envoltorio material o un fenómeno físico, sino también una sensación, recibida por el ojo y transmitida al cerebro61. A continuación, Pastoureau expone el papel de la memoria en la interpretación del color, Recuerdos 61. PASTOUREAU, Michel. Los colores de nuestros recuerdos. Traducción y notas: Laura Salas Rodríguez. Cáceres: Editorial Periférica, 2017, p. 243. 62. Ídem. 63. Ídem. 64. GOETHE, Johann Wolfgang Von. Zur Farbenlehre (Teoría de los colores). Londres: John Murray, 1840. En: Ídem. “Para las ciencias humanas, […] el color tan sólo existe si se percibe, es decir, si se ve no sólo con los ojos sino también, y sobre todo, se aprehende y descodifica con la memoria, los conocimientos, la imaginación.”63 “¿Un vestido rojo sigue siendo rojo cuando nadie lo mira?”64 8180 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoriaCapítulo 3. Color y memoria verlo en su memoria a través de objetos, de personas, de imágenes, de espacios; por lo tanto, el color sigue existiendo en él, no ha desaparecido a pesar de su imposibilidad de percibirlo. En el capítulo Sobre ver el rojo, dedicado a este color, se puede entender la conexión entre color y memoria, cómo no hace falta ver el color, basta sólo con recordarlo para revivir escenas del pasado. Jarman hace un recorrido por su vida narrando escenas protagonizadas por el color, así como acontecimientos que por alguna razón han marcado su recuerdo de este elemento. Sus reflexiones totalmente personales, nos muestran también parte de la experiencia histórica y social, asociaciones, concepciones e ideas sobre el color que existían (y permanecen) en el imaginario colectivo. Definir los colores a través de la memoria es lo que hace el pintor y cineasta británico Derek Jarman en Croma. Un libro de color. De carácter autobiográfico, en Croma, Jarman narra su vida a través de los recuerdos que le evocan las diferentes tonalidades cromáticas mientras se está quedando ciego a causa del virus VIH. Previamente desde 1976, el artista y cineasta escribió, filmó y produjo nueve largometrajes: Sebastiane, 1976; Jubilee, 1976; The Tempest, 1979; Imagining October, 1984; The Angelic Conversation,1985; Caravaggio, 1986; The Last of England, 1987; War Requiem, 1989; The Garden, 1990; EduardoII, 1991; Wittgenstein y Blue, 1993 y el último de ellos y póstumo Glitterbug, 1994. Además, pintó grandes cuadros, acercándose y experimentando cada vez más con la ironía, el color, la enfermedad y la pintura65. En cada capítulo, Jarman describe los colores según su percepción; el color es el medio a través del cual expone la intimidad de sus recuerdos, de diferentes episodios de su vida pasada y presente, de sus pensamientos, preocupaciones y sensaciones. En un momento en el que se enfrenta a la pérdida de la visión, el artista se resiste a olvidar el color, para lo que hace una reconstrucción de sus experiencias con las diferentes tonalidades en las que se incluyen pasajes de su vida, pensamientos y referencias al cine, la televisión, la pintura, la filosofía o la ciencia. Recuerda el color, puede “Rojo. Color primario. El rojo de mi infancia. El verde y azul siempre habían estado allí, en el cielo y en los bosques, sin hacerse notar demasiado. El rojo me gritó por primera vez desde un macizo de Pelargonium en el jardín de Villa Zuassa. Tenía cuatro años. Ese rojo no tenía límites, no estaba contenido. Aquellas flores rojas se extendían hasta el horizonte.”66 65. GUTIÉRREZ, María Laura. Un ensayo cromático sobre el ardor de estar vivxs. Croma. Un libro de color, de Derek Jarman, Buenos Aires, Caja Negra, 2018 [en línea]. Bazar Americano, 2018, septiembre-octubre, nº 68 [consultado: 20-08-2021]. Disponible en: http://www.bazaramericano.com/resenas.php?- cod=803&pdf=si 66. JARMAN, Derek. Op.cit, p. 64. 3.01. Silueta de Derek Jarman sobre la proyección de su película Blue (1994). 8382 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoriaCapítulo 3. Color y memoria Aquí entran en juego las connotaciones de los colores, indivisibles de la forma en que son percibidos. Para el artista es inadmisible que algo característicamente concebido como rojo, como es una barra de labios o las rosas puedan ser de otro color; porque en este caso el color es algo simbólico de estos elementos, algo completamente arraigado a la memoria colectiva. Y es especialmente la sustitución del color rojo por el azul lo que escandaliza a Jarman; ya que como Hugo Salas anota al final del párrafo, en la versión original de esta última frase: “One cannot bring a message of love in the blues”, Jarman utiliza un juego de palabras que además de su sentido literal se puede interpretar como: “no se puede dar un mensaje de amor con tristeza”68, ya que la palabra blue contiene ambos significados. Esta asociación se hace todavía más latente en el capítulo Hacia el azul, en el que el artista aborda la aceptación de su enfermedad y la proximidad de la muerte, teniendo lugar gran parte de las escenas que narra en el hospital donde está siendo tratado, un lugar que parece presentarnos totalmente invadido por el color azul. Este capítulo es el antecedente de su película Blue (1993), del que se extraen gran parte de los diálogos que podemos escuchar en ella mientras observamos un fondo fijo azul, concretamente emplea el color International Klein Blue69, inspirado por las imágenes de este color del pintor Yves Klein. El azul expresa la tristeza, por la inminente despedida; parece presentarse como una alegoría de la muerte, para referirse a la suya propia pero también a la de sus amigos que han fallecido o van a hacerlo a causa de la enfermedad. Fijando el color azul a la pantalla, Jarman nos relata sus idas y venidas al hospital, los estragos de la enfermedad en su cuerpo y sus reflexiones acerca del problema del sida en la sociedad británica71. Para ello decide crear una película monocroma azul, sin más imagen que el color, a través de lo cual parece querer expresar la propia imposibilidad de ver imágenes, pero él mismo indica que la decisión de no incluir imágenes tiene como objetivo reflejar la invisibilidad tanto del propio virus, como de sus víctimas a ojos de la sociedad72. “En los años sesenta, Mary Quant traicionó al rojo con un labial azul que trajo sobre muchas bocas la sombra de la muerte. Ese lugar pertenece al rojo. Los labios son de rubí. Los labios azules me provocan escalofríos. El color tiene sus límites, aunque nos permitamos jugar con ellos. Imaginemos un geranio azul. Hay quienes imaginan una rosa azul, una verdadera contradicción hasta el fin de los tiempos. ¡Me declaró su amor con una docena de rosas azules! No se puede dar un mensaje de amor con azules…”67 “El azul protege al blanco de la inocencia. El azul trae consigo al negro. El azul es la oscuridad visible. […] Para el azul no hay límites ni soluciones.”70 “Quería hacer una película sobre el VIH y todo era tan sentimental que en realidad no... Tenía este gran problema: no podía hacer una película sobre otras personas; tenía que hacerla sobre mí mismo. Realmente sentía que tenía que hacer un autorretrato en medio de todo esto. Utilicé mis notas del hospital y es bastante cómico; te diré que no es demasiado sombrío, pero pensé que era una forma de hacerlo sin imágenes -ya sabes, el virusno podemos ver el virus.”73 67. JARMAN, Derek. Op.cit, p. 68. 68. Ídem. 69. KESKA, Mónika. Blue de Derek Jarman: crónica de una muerte anunciada. Arte, Individuo y Sociedad [en línea]. Madrid: Universidad Complutense de Madrid, 2010, Vol. 22, nº 1, pp. 27-34, [consultado: 20-08- 2021]. ISSN-e: 1988-2408. Disponible en: https://revistas.ucm. es/index.php/ARIS/article/view/ ARIS1010110027A 70. JARMAN, Derek. Op.cit, p. 185-186. 71. KESKA, Mónika. Op.cit. 72. Ídem. 73. ISAACS, Julien. Director’s cut: Derek Jarman. 1993. www. bbcco.uk/education/zone/movie/ Jarman.html. En: KESKA, Mónika. Op.cit. 8584 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria 74. LAZCANO-ARRILLAGA, Iñaki. El valor expresivo del color en el cine de Kieslowski e Idziak. Sesión no numerada. Revista de letras y ficción audiovisual [en línea]. Madrid: Universidad Complutense de Madrid, 2014, nº 4, pp. 97-121, [consultado: 21-08-2021]. ISSN-e: 2173-5123. Disponible en: https://dialnet. unirioja.es/servlet/articulo?codigo=4675527 75. AMOS, Lindsay. Interview with Slawomir Idziak [en línea]. 1995. Disponible en: http:// moviexpress.tripod.com/id10. htm En: LAZCANO-ARRILLAGA, Iñaki. Op.cit, p. 114. El color azul vuelve a convertirse en un símbolo de la memoria en la primera película de la trilogía del director de cine polaco Krzysztof Kieslowski, Tres colores: Azul (1993), a la que le siguen Tres colores: Blanco (1994) y Tres colores: Rojo (1994), con cada una de estas películas el director pretendía representar los ideales de la República Francesa, expresados a través de los colores: Azul, la libertad; Blanco, la igualdad y Rojo, la fraternidad74. En Tres colores: Azul, este color representa la libertad, pero también la memoria, y la tristeza por un pasado que no va a volver. En esta película, Julie lucha contra la memoria, pero al contrario que Derek Jarman, la protagonista lucha por olvidar la pérdida de su esposo y su hija y su vida anterior a este suceso, intentando seguir adelante dejando atrás al pasado. El pasado de Julie, pese a sus intentos de deshacerse de su recuerdo, sigue presente en su vida mostrándose a través del color azul. Azules son los objetos pertenecientes a su esposo y su hija, de los que la protagonista intenta desprenderse en un intento de eliminar el dolor producido por su pérdida. De entre estos objetos se le da una especial importancia a la lámpara de lágrimas azules, de la que Julie es incapaz de deshacerse, fracasando en su intento de romper con el pasado y olvidar una felicidad que percibe como lejana e inalcanzable, que le persigue en forma del color azul. Este color, protagonista también en la película, acompaña a Julie especialmente en los momentos en que intenta evadirse, como sucede en la piscina a la que suele ir a nadar cuando deja la casa familiar para ir a vivir a un apartamento. En la piscina, el azul, un azul fuerte, agresivo y artificial75 inunda la pantalla y ahoga a Julie en los recuerdos de su vida anterior. En esta película el color se presenta de forma similar a la que Derek Jarman lo hacía en Croma, a través de objetos, de espacios que proyectan los recuerdos de una vida anterior que no va a volver y que se materializan a través del color azul. 3.02-3.05. El color azul apareciéndose en espacios y objetos que rodean a Julie. Fotogramas de la película Tres colores: Azul, Krzysztof Kieslowski, 1993. Autor: Zbigniew Preisner Nombre: Song for the Unification of Europe - Julie’s version (film) Álbum: Bleu Blanc Rouge 8786 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria La memoria y el recuerdo, podría decirse que es el tema principal de la obra que la artista brasileña Tatiana Blass hizo en 2011 para la Capilla de Morumbi en São Paulo. Los trabajos de Blass incluyen pintura, escultura e instalación; investigando sobre lo real, lo ficticio y la ilusión. El mito griego de Penélope, recogido en la Odisea de Homero, da nombre a la instalación y lo revive en el interior y exterior de la capilla. Según el mito, Odiseo (Ulises) se marcha a la guerra de Troya abandonando a Penélope y, tras veinte años sin noticias, ésta se ve acosada por pretendientes, comprometiéndose a casarse con alguno de ellos una vez termine de tejer el sudario para su esposo. A ojos de los demás, durante el día, teje, pero al llegar la noche, escondida, intenta engañar al tiempo y a sus pretendientes destejiéndolo mientras espera el regreso de su amado. La obra consiste en una gran alfombra de 14 metros de longitud tejida en lana roja que comienza (o termina) en un telar de pedales situado en el interior. De este punto, la lana brota por todos lados, ocupando el suelo del interior de la 3.06, 3.07. El hilo rojo de Penélope atravesando los muros de la Capilla de Morumbi e invadiendo el exterior de la misma. Tatiana Blass. São Paulo. 2011. capilla y atravesando los muros de piedra para llegar al exterior y enredarse entre la vegetación del exterior del edificio, de igual manera que lo haría la liana de plomo76. Como si de la planta parásita se tratara, el espacio exterior de la capilla se encuentra consumido totalmente por la lana roja que parece emanar del interior agujereando los muros, mientras que, en el interior, los hilos rojos se funden en una alfombra a su paso por el telar. Durante el tiempo que permanece la instalación, la Capilla de Morumbi se encuentra invadida por un color rojo que capta toda la atención, convirtiendo el edificio de la capilla en el medio que cuenta el mito de Penélope a los espectadores. El telar se sitúa en el interior de la capilla, escondido, y al ser encontrado por los observadores que recorren la instalación, evocando a Penélope, Blass detiene el tiempo y desafía la percepción de los observadores. El tiempo avanza y la alfombra se construye y se destruye, igual que el sudario que tejía Penélope, pero el color rojo continúa en el espacio. 76. DE FREITAS, Douglas. O labor de Penélope [en línea]. Galería Millán [consultado: 21- 08-2021]. Disponible en: http:// www.galeriamillan.com.br/en/ artists/tatiana-blass/texts/douglas-de-freitas 8988 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria 77. HOMERO. Odisea. Traducción: José Manuel Pabón. Madrid: Editorial Gredos, 1982, p. 115. “[…] han pasado tres años y pronto dará fin el cuarto en que engaña el leal corazón de los hombres aqueos; les va dando esperanzas a todos, les manda recados y les hace promesas, mas guarda en su mente otra cosa. Y diré de otro ardid concebido en su pecho. En sus salas suspendió del telar una urdimbre bien larga y tejía una tela suave y extensa y a un tiempo nos dijo: ‘Pretendientes que así me asediáis, pues ha muerto ya Ulises no tengais tanta prisa en casar, esperad que yo acabe esta tela que estoy trabajando, no pierda estos hilos; la mortaja será del insigne Laertes el día que le alcance la parca fatal de la muerte penosa; que ninguna mujer entre el pueblo me lance reproches por faltarle a él sudario teniendo tamañas riquezas.’ Tal hablaba y logró persuadir nuestro espíritu prócer; ella, en tanto, tejía su gran tela en las horas del día y volvía a destejerla de noche a la luz de las hachas. […]”77 3.08. La alfombra de hilo rojo tejiéndose o destejiéndose en el interior de la Capilla de Morumbi. Penélope, Tatiana Blass. São Paulo. 2011. 9190 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria El cuerpo es otro de los elementos que participan en algunas de sus obras, ya sea por su presencia o por su ausencia, como ocurre en su instalación Absent Bodies, en la que el espectador se encuentra con un túnel tejido con hilo de lana rojo y al final de éste, dos sillas vacías. En las sillas no se ve a nadie sentado, pero a la vez se percibe la presencia de quien ha estado ocupándolas previamente, como si hubiera dejado su huella. El enredado túnel rojo actúa como una leve barrera entre las sillas y el espectador, y parece separar el tiempo presente del pasado. El hilo rojo teje una red de recuerdos y constituye el medio a través del cual los observadores miran al pasado, representado a través unas sillas que ya han abandonado. El rojo es el color elegido para esta instalación, el color de la sangre presente en las personas y contenedora de la información esencial de su identidad. Se podría decir que este color se enreda en un túnel que envuelve al espectador invitándolo a mirar a través de él y a través de su propia vida mediante los recuerdos generados por las dos sillas libres. Al igual que en Penélope de Tatiana Blass, la obra de Chiaru Shiota tiene una importante vinculación a la memoria, concretamente al pasado y al recuerdo. La artista japonesa afincada en Berlín explora la existencia humana a lo largo de varias dimensiones, trabajando habitualmente sobre la vida, la muerte y las relaciones78. En su obra se pueden interpretar las dualidades vida/muerte o pasado/presente, siempre en relación con la memoria, a la que la artista reconoce una gran importancia, y lo muestra trasladando a sus instalaciones, videos, dibujos y performances elementos que traen a la mente del espectador estos temas. Para la creación de sus trabajos, Shiota emplea objetos cotidianos, de uso habitual para todas las personas, lo que facilita que el público se apropie de la obra y pueda interpretarla a través de los propios recuerdos evocados por estos objetos. Las piezas, sobre las que ya ha actuado el paso del tiempo, siempre de segunda mano, dejan entrever su propia vida mientras son envueltas y conectadas a través de cuerdas o hilos de lana que tejen vínculos y nuevas historias entre ellas. 78. CHIHARU SHIOTA. CHIHARU SHIOTA [en línea]. [consultado: 21-08-2021]. Disponible en: https://www.chiharu-shiota. com/profile 79. GIULIANO, Marco. Interview: Chiharu Shiota, [en línea]. Impakter, Art, Culture, 2014, 28 julio, [consultado: 21-08-2021]. Disponible en: https://impakter. com/chiharu-shiota/ “No quiero transmitir un mensaje racional, sino crear una impresión emocional. No quiero explicar mi arte de antemano. La audiencia necesita sentir el impacto primero y espero que la primera impresión despierte interés y preguntas. Lo que veo en mi obra de arte no es absoluto, todo el mundo tiene su propia interpretación legítima.”79 De manera directa, Chiharu Shiota implica al observador en su obra, ya que lo que busca es provocar sensaciones, preguntas, un impacto al mirar a los propios recuerdos al final del pasaje rojo. 3.09. Sillas al fondo de la red de hilo rojo de Absent Bodies de Chiharu Shiota en la Galería Anna Schwartz en Melbourne, Australia. 2016. 9392 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria 80. “Seoul Home/L.A. Home”— Korea and Displacement [en línea]. PBS, 2003, septiembre. En: Art21, 2011, noviembre [consultado: 22-08-2021]. Disponible en: https://art21.org/read/do-ho- suh-seoul-home-la-home-korea- and-displacement/ 81. Do-ho Suh (subs esp) [vídeo]. Art: 21, Lalulula TV [consultado: 22-08-2021]. Disponible en: https://www.youtube.com/ watch?v=lXgg2ACBF2o A partir de este momento, parte de la obra del artista se centra en recrear las casas en las que ha vivido alrededor del mundo (o parte de ellas). En su obra Passage /s, se unen varias de las casas que han formado parte de su vida itinerante, forman parte de la instalación sus viviendas de Londres, Seúl, Providencia, Berlín y Nueva York. Cada una de ellas está formada por una ligera y fina estructura de acero, casi imperceptible, cubierta por una tela de polyester translúcida, de diferentes colores para cada una de ellas. Mediante la unión de todas ellas, Suh crea un pasillo a lo largo del cual, a medida que avanzamos descubriendo los nuevos colores, se podría decir que conocemos parte de la vida del artista en estas ciudades. La idea de la instalación parte de la idea de hogar del artista, concebido no solo como un espacio físico, sino también como la experiencia de la vida en él; y de su deseo de deshacer las barreras geográficas que existen entre todas estas ciudades. La obra se enfrenta a lo imposible, si la entendemos como un paseo por diferentes ciudades del mundo a través de una sucesión de experiencias vividas en las mismas dentro del hogar. Do Ho Suh crea una instalación que es realmente una representación de sus vivencias, su memoria y sus recuerdos en forma de arquitectura, construida en diferentes colores con tela translúcida en la que cada color representa una etapa y la levedad del material recuerda lo efímero de su paso por estos espacios. La levedad del material que emplean Blass y Shiota en estas instalaciones, el hilo, parece hacerlo especialmente acertado para representa, cada una a su manera la memoria y el recuerdo. El artista multidisciplinar Do Ho Suh también lo elige para su obra, pero en este caso en forma de tela. Nacido en Seúl, Corea, el espacio, la migración, la memoria y la escala son aspectos muy presentes en su obra, conocido especialmente por sus instalaciones en las que replica diferentes casas en las que ha vivido. Este proyecto se inicia cuando termina sus estudios de diseño en Rhode Island y se traslada a Nueva York, donde el ruido de la ciudad no le deja dormir y hace que su casa de Seúl venga a su memoria. Es por esto que decide crear una réplica de esta casa, una vivienda tradicional coreana que pretendía introducir en su casa pero que, debido al pequeño tamaño de ésta, resulta imposible haciendo que se transforme en uno de sus proyectos artísticos80. Para su realización elige una tela translúcida de color verde, el color que las casas coreanas tradicionales tienen en sus techos, y busca artesanos tradicionales coreanos que emplean procedimientos artesanales tradicionales y que le enseñarían la técnica de costura81. Con esta instalación Suh consigue su propósito, llevarse su casa con él, y no sólo eso, sino que la comparte con todos los espectadores convirtiéndolos en testigos de sus recuerdos, cosidos a la tela verde que da forma a su casa. 3.10. Imagen desde el exterior de Passage/s, de Do-ho Suh en la Galería Victoria Miro en Londres. 2017. 3.11. Vista desde el interior de la instalación Passage/s, de Do-ho Suh en la Galería Victoria Miro en Londres. 2017. 107106 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria El color se introduce en medio del paisaje de la ciudad de Santa Bárbara para crear un punto de encuentro que estimule la reunión e interacción entre sus ciudadanos mientras disfrutan de las vistas. La instalación Runaway del estudio de diseño y arquitectura colaborativa SPORTS92, y ganadora del concurso promovido por el Museo de Arte Contemporáneo de Santa Bárbara bajo el lema ‘Take Part / Make Art’ 93,se sitúa frente al mar para crear un espacio dedicado a los habitantes de la ciudad californiana. El pabellón está formado por tres cuerpos geométricos configurados por estructuras de varillas metálicas lacadas en las que se aplica el color. Las tres figuras, que se adecuan al emplazamiento disponiéndose en el espacio con diferentes orientaciones, ofrecen una gran variedad de oportunidades a los usuarios proyectando sombras durante la mayor parte de las horas de sol, igualmente actúan como paramentos verticales, sirven como elementos de mobiliario urbano, como mesas o bancos, protegen del sol y, además, pueden ser utilizadas como elementos de juego con infinitas posibilidades. Aparte de la infinidad de usos que ofrece la instalación, la estructura de colores primarios se funde perfectamente en el paisaje, coloreando la densa bruma tan característica de la ciudad, elementos magenta, cian y amarillo difuminados que atraen a los ciudadanos de Santa Bárbara a disfrutar de la efímera vista del paisaje. 92. MERIENDA, Jennifer. Mobiliario urbano a todo color para la soleada Santa Bárbara [en línea]. Diariodesign, 2017, 12 septiembre, [consultado: 22- 08-2021]. Disponible en: https:// diariodesign.com/2017/09/ mobiliario-urbano-color-la-solea- da-santa-barbara/ 93. Traducción: ‘Participa / Haz arte’. 3.27, 3.28. Instalación Runaway de SPORTS en Santa Bárbara, Estados Unidos. 2017. 3.26. Instalación Runaway de SPORTS en Santa Bárbara, Estados Unidos. 2017. 109108 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria 94. Archifest 2016 Pavilion / DP Architects [en línea]. ArchDaily, 2016, 14 octubre, [consultado: 25-08-2021]. ISSN: 0719- 8884. Disponible en: https:// www.archdaily.com/796471/ archifest-2016-pavilion-dp-archi- tects?ad_source=search&ad_ medium=search_result_all 95. Archifest 2016 Pavilion / DP Architects [en línea]. Archello, [consultado: 25-08-2021]. Disponible en: https://archello.com/ project/archifest-2016-pavilion En Runaway, el color se incorpora al entorno integrándose en el ambiente y destacando la particular bruma que cubre la ciudad. Por el contrario, el pabellón diseñado por el estudio DP Architects para el festival de arquitectura Archifest 2016, se establece en el distrito central de negocios de Singapur94 rompiendo con la imagen habitual de la zona con el objetivo de transformar temporalmente la percepción del espacio público. En medio de un área monocromática de aspecto cortante, donde el espacio público pasa a ser utilizado únicamente como espacio de tránsito y acceso a las torres y rascacielos que se elevan seguidos unos de otros, se instala una estructura policromática y ligera visualmente, algo nunca visto en esta zona de la ciudad. Se trata de una leve estructura metálica de la que caen las telas coloreadas en diferentes tonos, en el interior de la cual los usuarios pueden pararse a observar mientras pasean como el gris habitual de la zona se ve cubierto por un espectro de color totalmente nuevo gracias a las capas de color que se disponen comenzando por los colores primarios y continuando con los secundarios y terciarios95. El pabellón consigue perfectamente la intención del festival; bajo el lema ‘Exhale’, se pretende crear un espacio que sirva como un ‘respiro’ para un área donde la densidad y la aceleración del ritmo impacta en la vida de los habitantes impidiéndoles disfrutar de la ciudad. La instalación promete ser este respiro que el centro de negocios necesita, y para ello se crea una experiencia multisensorial a través de un paseo de color que, atrae la curiosidad de los usuarios y provoca una respuesta psicológica en ellos, mejorando su estado de ánimo y creando una experiencia de la ciudad totalmente nueva que los envuelve y los invita a ‘exhalar’ y olvidar por un momento el estrés de la ciudad. El color ofrece una nueva mirada y estimula a los usuarios a reflexionar y repensar la ciudad y la relación con el espacio urbano. 3.29-3.31. Imágenes desde el interior (izq.) y exterior (dcha.) del Pabellón de DP Architects para el Archifest 2016 de Singapur. 111110 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria La velocidad y la aceleración del ritmo de vida también se estaba haciendo evidente en la calle Miera en Riga, Letonia; a diferencia del caso anterior, no se trata de un aumento del ritmo de vida debido al uso de esta zona, sino a la ausencia de espacios para los ciudadanos. En una calle de diecisiete metros de anchura, solo cuatro metros a un lado y tres al otro están destinados a las aceras, el resto está destinado a los vehículos privados y al paso del tranvía, cuyas vías no están segregadas96. Una calle dotada con gran cantidad de negocios y que atrae a un gran número de peatones y ciclistas en la que mas de la mitad de su espacio está dedicado al vehículo privado, el reducido espacio de acerado se ve insuficiente para esta zona, dando lugar a un problema que la activa comunidad de esta calle no ha dudado en manifestar. Es por esto que el estudio de jóvenes urbanistas Fine Young Architects, decidieron emprender un proyecto en un espacio acotado de la calle que serviría de experimento para una estrategia de mayor envergadura con el que se reclamaría el espacio urbano en pro del peatón y la bicicleta. De aquí surgió ¡Silencio!97, un 96. Finalista 2016. «Mierīgi», Riga (Letonia), 2014 [en línea]. Public Space, Obras, 2018, 25 septiembre, [consultado: 26- 08-2021]. Disponible en: https:// www.publicspace.org/es/web/ guest/obras/-/project/j235-mie- rigi 97. Originalmente ‘Mierīgi!’ en Letón. 98. Ídem. ensayo que duraría una semana durante la cual se llevaría a cabo una redistribución del espacio con el objetivo de realizar un reparto equilibrado, con espacio para el paso de vehículos, pero liberando espacio para peatones y comercios, además de añadir una ciclovía a la calle. Para ello se elaboró una ampliación temporal de las aceras, revistiéndolas con una tarima de paneles de contrachapado98 en color azul claro que hacía claramente visible el espacio dedicado al peatón. Durante el tiempo que duró este experimento se produjo un aumento en la calidad de vida de este tramo de la calle, ya que ahora los ciudadanos tenían espacio para estar en la calle, se propició un espacio para la interacción social que además incluyó a los negocios de la zona. Las necesidades de los vecinos y usuarios de la calle Miera se vieron escuchadas y se les dotó del espacio del que carecían para poder vivir en la ciudad y hacer uso de su espacio; y este cambio vino de la mano del color, un vibrante azul que coloreó todo el tramo de la calle, incorporándose a los recuerdos de los habitantes de la zona y convirtiéndose en todo un símbolo del experimento. 3.32-3.35. Tramo de la Calle Miera en Riga ocupado por la instalación ¡Silencio! de Fine Young Architects. 2014. 113112 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria Para llevar a cabo del proyecto de ¡Silencio!, la participación ciudadana durante el proceso de diseño fue crucial, ya que permite conocer de primera mano las necesidades reales de las personas que van a utilizar ese espacio. La participación de sus usuarios es también una de las claves del parque urbano Superkilen, elaborado por el estudio de arquitectura BIG en colaboración con el grupo de artistas daneses Superflex y con los paisajistas berlineses Topotek 199. Situado en el barrio de Nørrembro, donde conviven más de 50 culturas diferentes y miles de personas100, la intervención para este espacio urbano pretende ser un espacio donde todas ellas se vean representadas, un espacio que pase a ser parte de la comunidad. El proyecto cuenta con tres áreas diferenciadas: una plaza negra, con algunas líneas en blanco, que cuenta con algunas mesas e instalaciones para poder hacer barbacoas; un parque verde, con una gran cantidad de vegetación que satisface la necesidad de zonas verdes que comunicaron los residentes del barrio y una zona roja, donde realizar actividades deportivas y culturales, una extensión del polideportivo Nørrembrohall. De las tres, la zona roja se podría decir que es la más característica del proyecto, debido al vistoso colorido del suelo, cuyos tonos rojos, naranjas y rosas captan toda la atención en este espacio, en el que el color se extiende como una alfombra que cubre todo el plano horizontal y sube por las fachadas laterales de algunos de los edificios que se encuentran en esta zona. Además de las actividades deportivas y culturales, este espacio de la ciudad acoge un mercado durante los fines de semana que se sitúa en el campo de hockey y no solo eso, al tratarse de una plaza abierta, es un excelente mirador para observar la puesta de sol, un lugar para observar cómo se transforma el cielo y adquiere esos tonos rojizos que combinan a la perfección con el suelo de la plaza. Superkilen es un proyecto que dialoga con los usuarios, donde el color se convierte en un elemento de identidad de un lugar ideado para representar a sus ciudadanos, encargados de continuar con el desarrollo del proyecto aportando sus vivencias e incorporando el espacio en sus recuerdos, en los que probablemente habrá un lugar para los colores rojizos que hacen especial a este espacio. 99. Parque urbano Superkilen, Copnhague - Bjarke Ingels BIG / Bjarke Ingels Group [en línea]. Arquitectura Viva, 2021, 20 enero, [consultado: 25-08-2021]. Disponible en: https://arquitecturaviva.com/obras/parque-urba- no-superkilen 100. FRANCO, José Tomás. Superkilen / BIG [en línea]. Plataforma Arquitectura, 2011, 19 agosto, [consultado: 25-08- 2021]. ISSN: 0719-8914 Disponible en: https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-103786/ superkilen-big 3.36. Vista superior del Parque Urbano Superkilen de BIG, Topotek 1 y Superflex en el barrio de Nørrembro, Copenhague. 2012. 3.37. Estructura de juego para niños en el Parque Urbano Superkilen de BIG, Topotek 1 y Superflex en el barrio de Nørrembro, Copenhague. 2012. 3.38. Estructura con bancos de descanso en el Parque Urbano Superkilen de BIG, Topotek 1 y Superflex en el barrio de Nørrembro, Copenhague. 2012. 115114 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria Para terminar con este apartado volvemos al inicio, al primer capítulo de este trabajo, en el que se empezaba estudiando las figuras de Aldo van Eyck y Constant, y su reflexión acerca de la necesidad de incluir el color en el espacio. En este caso, el análisis se centrará en el arquitecto Van Eyck y su investigación alrededor del espacio de los parques de juego infantiles, concretamente en el Parque Zeedijk, en Amsterdam, donde llegó a proyectar 700 parques101. Como se ha señalado en anteriores ocasiones, parece hacerse evidente el cambio en la forma de percibir la ciudad, empujado por el aumento de su densidad y de la velocidad del ritmo de vida de sus habitantes. Aldo van Eyck no pasa por alto este hecho, considera que la ciudad se ha convertido en un mero contenedor de la actividad urbana sin sensibilidad, apartando de ella a los ciudadanos e instando a los niños a convertirse en adultos cuando lo ideal es estimular que el niño sea niño102. Van Eyck considera que es totalmente necesario para concebir la ciudad poner en el centro al niño, para lo cual es indispensable pensarla para la imaginación. Imaginación y exploración son dos aspectos que el arquitecto considera clave a la hora de pensar la ciudad; entendida como espacios de descubrimiento, tanto para el niño como para el adulto, ya que, “Lo que los niños necesitan es lo que nosotros necesitamos. Tan sólo esto: lugares donde podamos ser aquello que realmente somos: niños dentro de nosotros mismos, desde nuestro nacimiento hasta nuestra muerte: algún lugar. ¡Algún lugar! Establecer ese lugar es la tarea de los arquitectos.”103 como manifiesta en su escrito ‘The Child, the City and the Artist’ considera que el adulto en realidad necesita lo mismo que el niño: lugares donde poder ser ellos mismos, donde desarrollarse de manera natural y, por tanto, construir para el niño es hacerlo también para el adulto: Durante el proceso de diseño de sus parques, Van Eyck tiene en cuenta en todo momento la imaginación, creando espacios y elementos abstractos que puedan ser explorados e interpretados libremente, que puedan ser cualquier cosa que el niño imagine104. A través de la imaginación se apropia del espacio del parque, lo entiende como su propio lugar, se crea un sentimiento de pertenencia en el niño que se asocia la ciudad, que pasa de ser un espacio que siente como parte de su universo. 101. MACHÍN GIL, Héctor. Aldo Van Eyck. Parques de juego en Ámsterdam (1947-1971). Profesora: Esther Higueras. Madrid: Universidad Politécnica de Madrid, Departamento de Urbanismo y Ordenación del Territorio y Planificación del Medio Ambiental, E.T.S. Arquitectura, 2015, p. 15. Disponible en: https:// dedededos.files.wordpress. com/2009/07/parques-de-juego- aldo-van-eyck2.pdf 102. LIJTELIJIN, Vincent and STRAUVEN, Francis. Aldo van Eyck: Writings. Vol.2: Collected articles and other writings 1947- 1998. Amsterdam: SUM, 2008. 103. Ídem. 104. ÁLVAREZ SANTANA, Jaime. Aldo van Eyck: parques de juego en Amsterdam, 1947>78. Directora: Emilia Hernández Pezzi. Tesis Doctoral. Universidad Politécnica de Madrid, E.T.S. Arquitectura, Departamento de Composición Arquitectónica, 2017. DOI: https://doi. org/10.20868/UPM.thesis.48484 3.39-3.42. Imágenes de parques Proyectados por Aldo van Eyck en Ámsterdam. 1947-1971. 117116 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria Construido en 1956, el Parque Zeedijk, establecido en un espacio vacío en el recorrido de la calle curva con el mismo nombre, es uno de los muchos ejemplos de espacios de juego pensados para los niños. El parque cuenta con un arenero, y estructuras y elementos de mobiliario abstractos diseñados por el arquitecto, herramientas con las que jugar y explorar su creatividad que se encontraban en el interior del espacio, delimitado únicamente por un muro de 60 cm de altura que separa la zona de juego del tráfico46. La imagen del Parque Zeedijk se caracteriza por el mural pintado por Joost van Roojen para él47; un mural abstracto lleno de color pintado en los muros ciegos de los edificios colindantes. El mural aporta color y continuidad e intensificando la experiencia, integra el color en la ciudad y transforma el borde de un área deshabitada en un espacio de fantasía. El conjunto del parque es una composición abstracta donde el arte se fusiona con la vida cotidiana y con la ciudad, con los niños y la comunidad, ya que Van Eyck no concibe sus parques únicamente para ser utilizados por los niños, sino también donde los adultos puedan reunirse. El Parque Zeedijk, como materialización de los pensamientos de Van Eyck, sirve para recapitular los conceptos que se han estado tratando a lo largo de este apartado, dedicado a la relación entre el color, la memoria y el espacio público. Instalado en un vacío en medio de una calle, un espacio inutilizado e ignorado pero que, sin embargo, contaba con una enorme complejidad y potencial, al igual que se ha mostrado en Set the stage, un lugar hasta entonces invisible es capaz de ofrecer a la comunidad un espacio dedicado a la comunidad, al juego y a la interacción social. También se puede relacionar con la forma en que Runaway utiliza el color para transformar el paisaje e invitar a los ciudadanos a parar y observarlo, o para brindarles el espacio que necesitan para respirar, como hacen ¡Silencio! y el Pabellón para el Archifest de 2016 de Singapur. Asimismo, existe un vínculo especial con el parque urbano Superkilen, donde es el color, aplicado también en una superficie, en su caso en el suelo, el que invita a imaginar, a apropiarse del espacio y guardarlo en la memoria. En todos estos casos el color se cuela en la ciudad, atrayendo a los ciudadanos e invitándoles a habitar el espacio público, a que pase a formar parte de su mundo y de sus recuerdos. El color en el espacio público se introduce entre los recuerdos de sus habitantes, dejando una huella en su memoria al tiempo que son los propios usuarios los que dejan la suya en estos espacios dotándolos de vida. 105. MACHÍN GIL, Héctor. Op. cit. p. 15. 106. HERTZBERGER, Herman. Space and learning: lessons in architecture 3. Rotterdam: 010 Publishers, 2008, p. 219. 3.43, 3.44. Parque Zeedijk de Aldo van Eyck con Mural de Joost van Roojen. Ámsterdam. 1956. 119118 El color como medio expresivo del paso del tiempo Capítulo 3. Color y memoria Al inicio del capítulo se trae una cuestión planteada por Goethe y que Michel Pastoureau recoge en la que se invita a reflexionar acerca de si el color existe cuando nadie lo mira. Durante todo el capítulo se exponen diferentes casos que relacionan el color con la memoria, de tres maneras distintas. Primero, a través de una mirada al pasado en la que se ha visto el color visto a través del recuerdo, incluso cuando los ojos no ven o cuando aquello que contenía el color no está. A continuación, se ha explorado la memoria mediante un espacio conocido que se ha convertido en otro distinto al ser invadido por el color; hemos asistido a la creación de una nueva experiencia de un lugar, totalmente distinta a todas las anteriores. En último lugar la mirada se ha centrado en observar el espacio urbano, un espacio que pertenece al ciudadano, y que se hace suyo a través del color. Se introduce en el usuario como un espacio de identidad, un símbolo de quienes lo habitan, que estará siempre en su memoria y que algún día, esos colores característicos le llevarán de vuelta a ese lugar donde un día asistieron a un concierto, a la calle que se paró durante una semana o al parque donde solían jugar en la infancia. Conclusión 3.45. Niño utilizando una de las estructuras de juego en el Parque Urbano Superkilen, Copenhague. 120 121 ConclusionesEl color como medio expresivo del paso del tiempo Conclusiones El color es un elemento presente en todo momento en nuestras vidas, miremos hacia donde miremos, el espacio que nos rodea esta repleto de color, una variedad de tonos infinita que día tras día percibimos casi sin darnos cuenta. En este trabajo se ha enfocado la mirada hacia el color, esperando entender su comportamiento y el de aquellos que lo perciben, confiando en que mostraría su capacidad transformadora del espacio, los objetos y las personas; su disposición para indagar en la memoria y las emociones que esconde. A lo largo de los tres capítulos que componen este trabajo se ha observado el color de manera consciente, y al hacer esto, se ha presentado en todas sus facetas, mostrándose como un elemento descubridor. Descubrir, se podría decir que ha sido la tarea del color en cada una de las obras que se han mostrado. Metamorfosis, transformación, invasión del espacio. Espacios (y personas) que esconden secretos, otros que los desvelan. Caminos desconocidos y conocidos pero que, la velocidad había desdibujado. Orientación y confusión. Espejismos, ilusiones y misterios. Lugares familiares que, sin embargo, nunca podrán ser vistos igual. La intimidad de los recuerdos. Espacios, objetos y personas del pasado, de la infancia. Espacios de los recuerdos y espacios que alguna vez serán recordados. El tiempo. El tiempo ha constituido el hilo conductor de esta investigación; durante cada capítulo el color descubría al tiempo, desde una perspectiva diferente, y actuando de diferentes formas en cada obra, pero siempre ha estado ahí, junto con el color, ejerciendo como guías de un camino de descubrimientos. El tiempo se ha abordado desde tres puntos de vista diferentes: el tiempo cíclido, el recorrido y la memoria; analizándose el color en presencia de un tipo de tiempo en cada capítulo, sin embargo, el tiempo solo es uno y, aunque se haya puesto en el centro uno de estos tiempos por capítulo, no puede ser obviada la presencia de los otros. El movimiento a lo largo de un recorrido está acompañado del transcurso cíclico y constante del tiempo, y es el paso de éste el que da sentido a la memoria, en la que a su vez deja huella el movimiento alrededor del espacio. Pero este trabajo no tiene como único protagonista al color; son las personas que lo perciben las que le dan sentido, sin las que la mayoría de las obras expuestas estarían inacabadas. En todo momen- to, se ha tratado de analizar el color con relación al paso del tiempo, de diferentes maneras, pero siempre direccionando la mirada hacia quienes lo perciben. Los efectos sensoriales o emocionales; las reflexiones y las invitaciones a conocer, ya sea su propia ciudad, el territorio inexplorado, nuevos caminos o su propio pasado. Nombradas de diferentes maneras según el contexto: espectador, caminante, ciudadano, etc.; son las personas las que dan significado a este trabajo, valorando el color, y completando las obras que se muestran con su percepción, su experiencia, sus recuerdos, sus emociones y, en definitiva, con todo efec- to, impacto o impresión que el color les ha causado. Anexos. BibliografíaEl color como medio expresivo del paso del tiempo 123122 Bibliografía Fuentes bibliográficas #LightPathAKL by Monk Mackenzie [en línea]. Architizer, 2016, 27 julio [consultado: 16-08-2021]. Disponible en: https://architizer.com/projects/lightpathakl/ “Seoul Home/L.A. Home”—Korea and Displacement [en línea]. PBS, 2003, septiembre. En: Art21, 2011, noviembre [consultado: 22-08-2021]. Disponible en: https://art21.org/read/do-ho-suh-seoul-home-la-ho- me-korea-and-displacement/ 18 Clocktower Place, London, UK [en línea]. Penique Productions, Some Works, 2010, 6 marzo [consultado: 22-08-2021]. 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