Silencio y noche. Del no lugar como espacio de la intimidad

SILENCIO Y NOCHE. DEL NO LUGAR COMO ESPACIO DE LA INTIMIDAD Diego Lozano Rollán Grado en BBAA Universidad de Sevilla 4 curso TRABAJO FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTESUNIVERSIDAD DE SEVILLA 4 CURSO TÍTULO: SILENCIO Y NOCHE.DEL NO LUGAR COMO ESPACIO DE LA INTIMIDAD AUTOR: DIEGO LOZANO ROLLÁN TUTOR: DANIEL BILBAO PEÑA 4 5 6 7 ÍNDICE INTRODUCCIÓN ����������������������������������������������������������������������������������������9 MARCO TEÓRICO ������������������������������������������������������������������������������������11 - ANTECEDENTES Y REFERENTES�������������������������������������������������������������11 - FOTOGRAFÍA COMO PUNTO DE PARTIDA ���������������������������������������������12 - EL CINE� INFLUENCIAS EN LA SOCIEDAD� EDWARD HOPPER ������������������ 14 - EL SER HUMANO COMO SER SOCIAL� EL ENTORNO QUE CREA Y EN EL QUE SE MUEVE �����������������������������������������������������������������������������17 - LOS NO LUGARES ���������������������������������������������������������������������������������17 - LA POÉTICA DE LA NOCHE ��������������������������������������������������������������������19 - LA MIRADA VOYEUR ����������������������������������������������������������������������������21 - EL PAISAJE COMO MEDIO DE EXPRESIÓN CONTEMPORÁNEO�������������2 2 - EL PAISAJE URBANO� LA INDUSTRIA COMO ESTÉTICA PICTÓRICA ���������24 DESARROLLO PRÁCTICO ��������������������������������������������������������������������������27 - OBRA PROPIA� RECORRIDO PERSONAL Y BÚSQUEDA DE LENGUAJE ����27 PROPIO �����������������������������������������������������������������������������������������������27 CONCLUSIONES ��������������������������������������������������������������������������������������41 PROYECCIÓN PROFESIONAL ��������������������������������������������������������������������42 BIBLIOGRAFÍA ����������������������������������������������������������������������������������������43 REFERENCIA DE ILUSTRACIONES��������������������������������������������������������������45 8 Ilustración 1: Diego Lozano� Noche� 2021 9 INTRODUCCIÓN En este trabajo vamos a tratar la representación de la figura y adentrarnos en su entorno. Para consolidar la parte teórica y reforzar el aspecto práctico, nos apoyaremos en el cine y la fotografía como medios imprescindibles que nos facilitan y enriquecen la consecución de nuestra investigación, llenándonos de referentes de diferentes estilos dentro de los cuales una serie de denominadores comunes nos conduzcan al punto que necesitamos de conexión con nuestra obra. En nuestro caso, el objeto de estudio será la relación que existe entre la ciudad y las personas que la habitan y el cómo afecta ésta en el desarrollo de ambas. En esta investigación vamos a analizar más en profundidad los aspectos contemporáneos que han llevado a las ciudades a cómo son hoy día y trataremos diferentes temas esenciales para este estudio como pueden ser la sobremodernidad, la saturación de información que tenemos hoy día y la impersonalidad de muchos de los espacios que conforman la ciudad y que se denominan no lugares. La sociología y la antropología nos serán de vital importancia para profundizar el estudio de toda esta temática. Todo esto se ha llevado a la práctica mediante una serie de pinturas de carácter figurativo influenciadas por artistas de diferentes corrientes artísticas que conformarán la yuxtaposición de campos semánticos que servirán para enriquecer el trabajo. 16 de ánimo, a través de su mirada cinematográfica. Esta forma de ver la realidad y la vida cotidiana de una manera tan visual ha llevado a diferentes cineastas como Robert Altman a recurrir a sus pinturas como fuente de inspiración para los recursos estéticos de sus películas. Juan De Pablos nos habla de la pintura de Hopper como una pintura narrativa, en la que el instante retratado fluye de una manera continua, en la que sus personajes se ven afectados por el tiempo y las situaciones que los rodean. Lo importante en la obra de Hopper no reside en lo rompedor que sea ésta a nivel estético, ni si quiera en intentar buscar nuevos lenguajes pictóricos sino que las imágenes que creamos nacen indudablemente a partir de la realidad que vivimos, y estas a su vez, son intimas y pertenecen al mundo de lo personal. José Luis Borau cuenta, en referencia a Hopper, que la representación de la realidad viene caracterizada en el pintor norteamericano, porque queda representada en sus elementos esenciales, característicos, prescindiendo de todo lo superfluo, lo que convierte sus obras en mensajes universales. (Entrevista incluida en el documental Edward Hopper. El pintor del silencio, Canal +, 2005) Higinio Polo habla acerca de que es muy evidente la relación de Hopper con el cine ya que están sumamente ligadas las escenas de cine negro con sus composiciones. El hecho de que estas pinturas sean “narrativas”, hayan sobrepasado lo estético y se hayan transformado en mensajes universales es lo que ha movido a los directores de cine a beber de su obra. Importantes figuras históricas de la gran pantalla como David Lynch y Alfred Hitchcock resuelven muchos de los problemas planteados en sus películas, tales como la luz, el encuadre y la atmósfera psicológica repercutidos por la visión del americano. EL SER HUMANO COMO SER SOCIAL� EL ENTORNO QUE CREA Y EN EL QUE SE MUEVE Hablamos de la socialización desde diferentes puntos de vista. Según Vander Zanden, podemos describir este fenómeno como: “El proceso por el cual los individuos, en su interacción con otros, desarrollan las maneras de pensar, sentir y actuar que son esenciales para su participación eficaz en la sociedad” (Vander Zanden, 1986) Acorde a las aportaciones de Raquel Surià se puede decir que la socialización permite el desarrollo de la actividad psicosocial del individuo, permitiendo el modo de vida en un entorno social y posibilitando la existencia de la sociedad. Siguiendo la línea teórica de Fernando Carrión, podemos afirmar que el espacio público en las ciudades; ya sean bares, cafeterías, parques, plazas, etc., hace referencia a un escenario donde se produce la integración social, se llevan a cabo las prácticas relacionales entre individuos y se adquieren normas sociales. Este tipo de declaraciones realizadas por los diferentes sociólogos nos llevan a la reflexión de que el entorno en el que se decide actuar, dependiendo también del fin que tengamos, es muy importante dado el aspecto de “socializar” pues los vínculos que se crean entre personas se deben sólo a estas, también a la influencia del lugar en que se reúnen. Esto es importante también debido a que muchas de estas conexiones interpersonales se dan debido al sitio y no al contrario. El sociólogo Zygmunt Bauman nos habla en su libro Vida Líquida acerca del tipo de sociedad en la que 17 vivimos y que posee esa cualidad líquida. Esto es así en gran medida por la cantidad de información que nos llega y la velocidad a la que avanzan las cosas, lo que genera que no tenga forma, de ahí la analogía con este concepto. Todo esto provoca una gran sensación de no ubicación, de estar perdidos y no saber cómo actuar debido a que el tiempo que tenemos para adaptarnos a las circunstancias es menos del que necesitamos, por tanto es una lucha constante contra este para intentar seguir el ritmo de la sociedad, lo que nos lleva a constantemente vivir nuevos comienzos y poner punto y final a muchas situaciones que para nosotros están inacabadas pero que dada la precipitación de los acontecimientos que nos rodean nos vemos obligados a zanjar. LA CIUDAD COMO LUGAR DE VIDA Las ciudades han estado presentes desde los inicios de las civilizaciones y no han dejado de desarrollarse, pues han concentrado una parte cada vez más importante de la población, (Bailly y Huriot, 1999: 1) Como ya nos adelantaba Bailly y Huriot, el estudio de la ciudad es el estudio de la sociedad, por lo que llegamos a la conclusión de que entender la sociedad es también entender la ciudad. Van unidas y no podemos separarlas ya que el contexto de la sociedad influye en la manera en que ha crecido la ciudad y la ciudad influye enormemente en cómo se desarrollan los individuos que la habitan. En nuestro trabajo buscaremos el estudio de un sector concreto de la sociedad y lo asociaremos a los lugares que suelen ser frecuentados por dicho sector. Hablamos de los jóvenes y las actividades lúdicas que estos realizan, desde fiestas en la calle y otros lugares rocambolescos a los que tienen que acudir para celebrarlas, sitios de ocio y diversos lugares de reunión. LOS NO LUGARES El antropólogo francés Marc Augé nos muestra una nueva visión de la realidad contemporánea y desglosa el concepto de lugar, analizándolo profundamente y llegando a la conclusión de que gracias a este se crea el concepto del no-lugar. Este último no existía con anterioridad y ha surgido debido al modo de vida que existe en las ciudades y las relaciones interpersonales y con el entorno. Los no-lugares designan esos sitios en los que se producen encuentros fugaces en los que realmente no se crean vínculos entre las personas. Estos nuevos rincones hacen referencia a lugares de tránsito como puedan ser una estación de tren, un parking, un supermercado etc. Se crean aquí no más que un cruce de miradas con personas que quizá no volvamos a cruzarnos nunca, por lo que nos lleva a pensar en la impersonalidad de estos y darnos cuenta de que esa mezcla de lugar y persona es fruto del azar. Esto, además, está generando cada vez más una individualidad solitaria, a lo no perecedero, a lo efímero y aquello que solo está ahí para ser transitado, utilizado o visto bajo la mayor de la vulgaridad. un “no-lugar es un espacio intercambiable donde el ser humano permanece en el anonimato”. (Marc Augé, 1993:83) Este término es producido en gran parte por el también concepto acuñado por Augé, la sobremodernidad que se podría definir o reducir a una única palabra. Excesos. Estos excesos de información enturbian tanto el presente como el pasado sin que seamos conscientes realmente de la realidad que vivimos, pues, a la velocidad a la que ocurre todo, nos imposibilita digerir toda esta cantidad de estímulos. Dentro de estos excesos, Augé destaca tres principales: la aceleración del tiempo, la expansión del 18 espacio y el enaltecimiento del ego, de la figura individual como protagonista frente a la sociedad. La sobreinformación que vivimos hoy día, dada también por la gran cantidad de medios de comunicación que tenemos al alcance de la mano hace que seamos conscientes y asistentes de eventos o problemas que ocurren en todas las partes del mundo desde nuestro sofá, lo que realmente produce desinformación puesto que el bombardeo de recursos y la velocidad de transmisión nos imposibilitan el prestar la atención suficiente a lo que ocurre a nuestro alrededor (p.35) De esto precisamente nos habla también el pintor Miguel Gómez Losada, que, mediante la pintura, trata de frenar la velocidad a la que transcurre todo en la actualidad, intentando sostener el tiempo y frenar a la muerte y cuenta que la pintura es el antídoto para ello. “Es cierto que en el anonimato que da el supermercado”, reflexiona, “donde solo hay que comunicarse para llevar a cabo una transacción comercial, es fácil sentirse cómodo”. Pasar tiempo en un no-lugar permite a los individuos evitar someterse al “desenmascaramiento de su identidad” (Augé, 2009) 19 Entra aquí, la búsqueda de la belleza en esa parte desangelada, fría y corriente que albergan las ciudades y en la que no nos detenemos. Esa falta de atención de la mayoría de personas hacía estos emplazamientos ha originado en ellos ese encanto especial que nuestra investigación está tratando de dar forma mediante una serie de pinturas al óleo. Situamos a diferentes protagonistas en estos lugares impersonales, siempre desde la noche, tratando de dar más impersonalidad aun si cabe, jugando con ellos pero sin darles todo el protagonismo ya que la potente luz producida por el flash. Nos damos cuenta de que algunos de estos “lugares” son utilizados por los jóvenes para el ocio nocturno, dado la principal característica que poseen de entorno en el que no te vas a fijar o no vas a acudir si no es por la necesidad del momento Asociándolo a nuestro trabajo, tratando la poética de la noche, la cual nos envuelve en un ambiente más hostil, silencioso y lejano, los no lugares suponen una manera perfecta de recrear las sensaciones que nos ofrece la noche. Intentamos reflejar ese mundo siempre cambiante, al que nunca nos terminamos de adaptar y que no nos resulta acogedor. Es un mundo extraño, un mundo con excesos “Todo se destruye, todo perece, todo pasa. Sólo el mundo permanece. Sólo el tiempo dura.” (Diderot, 1994:88). LA POÉTICA DE LA NOCHE Decía Van Gogh que a menudo creía que la noche era más viva y estaba más rica de color que el día. Muchos pintores han decidido en algún momento abordar la temática nocturna. Cuando hablamos de la ésta entran en juego muchos aspectos, románticos del paisaje, psicológicos, emociones, sentimientos, miedos… dentro de la oscuridad es cuando afloran las pasiones humanas más ocultas, más primitivas. En la noche, mientras muchos duermen, es el despertar de otra serie de individuos y se dan lugar circunstancias y situaciones que nada tienen que ver con la vida diurna. Nos adentramos en una atmósfera diferente, se puede respirar el silencio y un aire de melancolía precedido por el atardecer nos aborda, al igual que el frío y la sensación de lo pequeño ante la inmensidad del espacio oscuro, lo desconocido, lo inhabitado. Jorge Gallego es uno de esos artistas que toma como referencia esa poética nocturna mediante la realización de una serie de paisajes urbanos que nos muestran lugares habitados por el hombre pero que en el momento de ser retratados están vacíos. Las luces toman un papel protagonista puesto que son las que contrastan con la oscuridad que envuelve todo. El recurso de los colores fríos para las luces ambienta aún mejor la escena reforzando la frialdad y austeridad de estas. Justin Mortimer y William Reinsch son dos de los artistas británicos promotores de una nueva corriente pictórica basada casi en su totalidad en la fotografía, ya que las composiciones se realizan mediante montajes fotográficos de imágenes encontradas en internet. Hay claras similitudes con la pintura barroca, especialmente por la crudeza de algunas escenas, el uso de la oscuridad como elemento dramático y la fuerza con la que se aplica la pincelada, generando una obra muy orgánica. La búsqueda de los lugares en los que integrar a las figuras también es una parte muy importante, ya que suelen ser localizaciones poco acogedoras, edificios abandonados, sanatorios, estructuras militares etc. Jose Carlos Naranjo es otro de esos artistas que pertenece al nuevo movimiento artístico basada en una línea pictórica con un carácter y una estética muy concretos y determinados por la juventud de Ilustración 6. Sebas Velasco. Dmytriivska Street, 2019 20 los autores que la componen. Algunas de las características principales son los entornos urbanos y la actividad nocturna de los jóvenes. La utilización del flash se torna como requisito indispensable a la hora de afrontar la composición. Por otro lado, hay mucha similitud entre el trabajo del fotógrafo Gregory Crewdson y la pintura de Alberto Ortega. Ambos utilizan los vecindarios estereotipo americanos para reproducir escenas nocturnas. Crewdson además utiliza a la figura humana para complementar sus fotografías lo que acerca nuestra obra a la suya por ese carácter fondo-figura. Me gusta andar de noche las ciudades desiertas, cuando los propios pasos se oyen en el silencio. Sentirse andar, a solas, por entre lo dormido, es sentir que se pasa por entre un mundo inmenso. Todo cobra relieve: una ventana abierta, una luz, una pausa, un suspiro, una sombra… Las calles son más largas, el tiempo también crece. ¡Yo alcancé a vivir siglos andando algunas horas! Concha Méndez Nosotros tratamos la noche desde la intención de fortalecer algunas de las sensaciones y sentimientos que queremos transmitir con nuestra obra. Mediante la penumbra, conseguimos aislar a los protagonistas de nuestras imágenes del emplazamiento en el que se encuentran. Esa penumbra a su vez arrastra a estos individuos hacia lo desconocido, lo que le aporta misterio y la incógnita de cuál será el sino de los sujetos. La noche hace alusión también a la peculiar situación a plasmar, el hecho de observar desde fuera eventos realizados por diferentes jóvenes durante las horas nocturnas como ocio. Pictóricamente, y, aunque pueda resultar contraproducente en ciertos momentos, la noche nos ofrece mucho juego en lo que al apartado de “cocina” pictórica. Se juega con el color, la oscuridad está llena de matices, alejándonos del negro puro como podría pensarse y acercándonos a otros colores como puedan ser azules, verdes y magentas, en diferentes cantidades para crear una capa opaca y con una cierta homogeneidad. Esta manera de tratar las oscuridades vienen dadas, en cierta parte, por la influencia de la fotografía analógica, en la cual los oscuros tienden a empastarse y tienden a generar tonos mate, lo cual, dentro de ese contraste flash-oscuridad provoca unos contrastes atractivos sin llegar a ser estos totalmente contrarios, dando uniformidad dentro de la diferencia lumínica que poseen estas pinturas y las fotografías que sirven como referencia. Tratando la noche es muy importante generar en el espectador olores, sentimientos, sonidos etc mediante el tratamiento de la pintura y los diferentes recursos plásticos y estéticos, intentando generar esa sensación de abismo, de profundidad, frío, coches circulando a lo lejos, alguna sirena de una ambulancia, el sonido de los grillos… Todo esto lo intentamos reproducir jugando con la composición, dando a entender al espectador que el lugar a retratar cuenta una historia, un momento determinado que está cargado de energía, ya que a pesar de que sean lugares de transito el objeto de estudio, estos son frecuentados de una forma u otra por diferentes personas con sus diferentes motivos. Construimos en la oscuridad a partir de líneas que dibujan las arquitecturas que conforman nuestro paisaje, aprovechando también las luces artificiales que se utilizan para iluminar los diferentes carteles, edificios, señales etc lo que enriquece cromáticamente la composición. Para la parte iluminada por el 21 flash utilizamos diferentes herramientas para raspar la madera, lo que provoca que, al haber solapado diferentes capas de pintura anteriormente, estas se vayan descubriendo hasta el punto de dejar entrever el gesso que hemos utilizado como preparación previa del soporte, generando una serie de calidades y colores muy interesantes y realmente cercanos a esa atmósfera nocturna que deseamos obtener . LA MIRADA VOYEUR El término de la cuarta pared procede del teatro y hace referencia al espacio en el que se está desarrollando la obra, que consta de 3 paredes más la imaginaria, invisible, que separa la actuación del espectador. Esta pared, aunque inexistente, hace función de elemento real y por tanto, en la obra, los actores tienen que fingir que sí existe ya que es la que crea la barrera entre lo real y lo dramatizado. Este elemento se utiliza también como elemento a romper, generando momentos en los que existe una relación directa entre el espectador y los actores. Esta terminología también se puede llevar a diferentes campos artísticos como puedan ser la pintura, la literatura y la música. El uso de esta cuarta pared nos ayuda a refugiarnos de las escenas que se están desarrollando en el interior de la obra, y su rotura provoca nuestra participación directa en ellas. Esta visión de la escena la han utilizado muchos artistas en su obra. Hay claros ejemplos como Alfred Hichcok o Edward Hopper. Teniendo en cuenta la obra de estos dos artistas se observan una serie de paralelismos que poseen. Una de las características principales es ese uso del intimismo y de la mirada voyeur con la que tratan las escenas. Se crea una atmósfera en la que somos participes siendo “mirones”, cómplices de lo que Ilustración 7. Javier Buzón. Ribera 1, 2014 22 pasa en ellas, variando el uso de esta cuarta pared. El pintor sevillano Javier Buzón, introduce este concepto en su colección la piel del bosque en la que, a través de juncos, ramas y arbustos, podemos vislumbrar el río Guadalquivir. Mediante el uso de los primeros planos, pintados en sombra y repletos de elementos, y el fondo, luminoso, recrea esa sensación de estar paseando por el bosque y descubrir por casualidad el caudal del río y la vida que este alberga, jugando con el punto de vista, introduciendo de lleno al espectador en la escena, que, curioso, se asoma a observar. En nuestra obra utilizamos ese recurso intimista para hablar de la realidad que nos rodea. Todas las escenas representadas son momentos congelados, un instante, un segundo que le estamos arrebatando a ciertas personas durante momentos concretos de su ocio nocturno. Una de las funciones más importante de la creación artística es la de la transmisión de aquello que ve, vive o siente el artista. Hay muchas formas de expresar esto, desde el autorretrato, pasando por el paisaje o la pura abstracción. Yo aporto la visión que tengo del mundo en el que vivo, al menos durante determinados momentos, que se reflejan en la socialización y las quedadas grupales. Mi condición de abstemio hace que mi percepción de la realidad sea totalmente diferente a la de las personas que me rodean, creando una especie de pantalla, como hablábamos anteriormente de la cuarta pared y que separan claramente dos realidades, la de la persona sobria y la de la persona afectada por las diferentes sustancias ingeridas. Esa gran desigualdad a la hora de percibir lo que tenemos a nuestro alrededor entre esas personas y yo provoca que tenga en mucha parte esa sensación de mirón, de estar fuera de ese lugar que “no me corresponde” ya que soy 100% consciente de todo lo que me rodea, sin embargo muchas de esas cosas pasan desapercibido para la mayoría. Mi posición se corresponde, con un cierto desinterés por vivir lo que ocurre, desde el punto de vista de espectador y no de protagonista, lo que genera que miremos la escena de manera clandestina. Esa sensación de voyeur se ve incrementada por la manera de afrontar estas pinturas desde el momento en que se realiza la foto de referencia. El flashazo que impacta en el sujeto hace que este se separe por un momento de esa fiesta y queda totalmente recortado por ese gran contraste entre la luz de la cámara y la oscuridad que lo rodea. Esto provoca que nuestro protagonista pase de ser un bulto más en la oscuridad a ser el centro de atención. Aquí toma vital importancia también la mirada de nuestros modelos, seria en su mayoría, incluso desafiante por haber documentado esa realidad oscura en la que se ve envuelto. EL PAISAJE COMO MEDIO DE EXPRESIÓN CONTEMPORÁNEO El paisaje es un término que inicialmente significaba “lo que se ve en el país”, cuando desglosamos la palabra en país-aje. En la actualidad, se entiende como la manera estética que tenemos de observar el mundo que nos rodea. Esta visión va a resultar diferente a cada persona que lo observe, ingenieros, geólogos, fotógrafos, arquitectos, biólogos… Para el artista, el paisaje no es sinónimo de territorio, país o ambiente, definiciones con las que con frecuencia se confunde, sino, más bien, representación o imagen mental del mundo (López Silvestre, 2009). Multitud de artistas han tomado el paisaje como medio para expresar sus sentimientos y en multitud de estilos, formatos, técnicas… hablamos de pinturas que pueden ir desde representaciones de las 23 tumbas de los faraones egipcios, la antigua cultura china en la que se observan personajes diminutos que dejan todo el espacio al paisaje, pasando por las escuelas flamencas que lo llevaron a su máximo esplendor hasta esa época y desembocando en artistas cada vez más contemporáneos como puedan ser Böcklin, Hopper o más actuales como Antonio López o Jorge Gallego del que hemos hablado anteriormente. El artista es hijo y testigo de su tiempo, y una de las premisas del arte es reflejar el momento y el entorno en el que vive y cómo este va cambiando. El paisaje es una clara referencia a estos grandes cambios, especialmente en la época en la que vivimos, ya que, como mencionábamos anteriormente, la vida líquida y la sobremodernidad, están haciendo que este cambie a un ritmo de vértigo sin poder asimilarlo. Las grandes multinacionales tienen sus edificaciones prefabricadas, lo que supone un tiempo mínimo en el periodo de construcción, ya que la estructura viene preparada con anterioridad. Todos estos sucesos crean un cambio constante en nuestro entorno y que intentamos, mediante nuestra obra, transmitir. “Los paisajes pintados son, en cierto sentido, dobles proyectados por el hombre para traducir plásticamente sus convicciones, miedos o sensibilidades. (...) El paisaje sólo existe realmente si existe la contemplación, y contemplar es ver el alma de las cosas. Incluso si se trata del vacío” (Argullol, 1999). El paisaje como lo concebimos hoy en día es un concepto realmente moderno, ya que siempre se había visto este desde un punto de vista funcional, especialmente en cuanto a la agricultura y el cultivo se refiere. Dada esta visión funcional fuera de toda estética y poco susceptible a ser usado de una forma artística ha sido durante muchos años tratado como un elemento al que se le daba únicamente valor material. Dentro de todos los recursos que nos ofrece el paisaje, hay muchos artistas que deciden jugar con el concepto figura-fondo, añadiendo personajes a la obra y que, ya sea por su lenguaje gestual, mirada, pose o cualquier otro aspecto, nos refuerzan el sentimiento que intenta plasmar el artista. Grandes ejemplos históricos como Friedrich, con el caminante sobre el mar de nubes en el que nos transmite esa sensación de soledad y empequeñecimiento ante la inmensidad del mundo, lo salvaje y aquello que desconocemos. Los fenómenos de la naturaleza son cuestiones que no podemos controlar, inescrutables, escapan de nuestro poder a pesar de la capacidad que posee el ser humano para modificar el medio en el que vive. El pintor romántico William Turner es un claro ejemplo de este tipo de pintura que refleja lo pasional y lo grotesco de la naturaleza. Para representar todos estos sentimientos que tanta fuerza poseen, Turner utilizaba un lenguaje que podríamos considerar abstracto, para poder reflejar las nubes, el mar…construyendo atmósferas incorpóreas, vaporosas y difuminadas que nos introducen de lleno en ese ambiente hostil y cargado de fuerza. Otros autores realizan un estudio exhaustivo de la forma y el color, siendo el paisaje protagonista en sus obras, pero como excusa para el análisis y no como finalidad. Lo importante para este tipo de autores es la maduración del cuadro, y siendo la mayoría de pinturas del natural, aplicar las variaciones que esta ofrece, intentando captar todos los matices que ofrece esta modalidad pictórica en la que, como decíamos anteriormente, la importancia reside en el proceso, en cómo va evolucionando el cuadro, obviando elementos superfluos y anecdóticos, resolviendo la realidad mediante grandes planos de color que se irán matizando. Se juega con el error, con el fallo, y al estar en continua construcción, el dibujo toma una parte vital en el peso de la obra, siendo este parte de ella, dándole además un aspecto más sincero, sin esconder el proceso, cosa que también nos muestra parte de la esencia del propio artista. Esta corriente de pintores surge a principios del siglo XX, siendo los promotores del movimiento Euan Uglow y su coetáneo Antonio López. Ambos han supuesto una gran influencia en la pintura figurativa 24 contemporánea, marcando el camino a seguir de muchos artistas emergentes como Eduardo Millán, Antonio Lara o el londinense Marc Dunford EL PAISAJE URBANO� LA INDUSTRIA COMO ESTÉTICA PICTÓRICA La corriente paisajística aborda una nueva realidad a partir de la edad moderna, debido al carácter industrial que adoptan las ciudades, provocando una nueva estética, en la que predominan fábricas, naves industriales etc. Es importante también la aparición de la locomotora y el tren, ya que se construyen estaciones y vías. Este conjunto de edificaciones constituyen una vista fuera de todo aspecto orgánico que el paisaje tenía hasta el momento conformándose así una serie de líneas rectas que predominan. Este carácter férreo junto a los vapores producidos en las fábricas envuelve a la ciudad en una atmósfera grisácea y a priori poco acogedora. Pero para hablar de la pintura urbana hay que remontarse a épocas muy anteriores. En la ciudad de Acroti, situada en la isla griega de Santorini se ha encontrado un fresco conocido como el “fresco de los barcos” que representa la travesía que realizaban los barcos entre diferentes ciudades fortificadas. La peculiaridad reside en que lo importante de la composición son los barcos, sino las ciudades, llenas de líneas rectas que envuelven la composición creando una especie de marco que recoge los navíos. Muy parecido al fresco de los barcos es la pintura ciudad junto al mar de Ambrogio Lorenzetti. Esta pintura es considerada la primera pintura urbana de occidente y data del año 1335, sin embargo no se consigue instaurar como un estilo consolidado hasta finales del quatrocentto, cuando algunos artistas como Carpaccio y Bellini comienzan a retratar los canales venecianos, que suponen un gran atractivo en las ciudades y que componen el elemento principal de la obra de esos pintores. La ciudad de Delft supone un punto de inflexión en la pintura urbana debido a que muchos de los pintores quedaron fascinados por sus encantos y fue una gran referencia pictórica para muchos de ellos creándose así la escuela de Delft y destacando al pintor Johannes Vermeer. En el siglo XVIII los empresarios ingleses que viajaban a Italia decidieron adquirir algunos de los paisajes que representaban las ciudades mediterráneas aportando así luz a la oscura atmósfera británica. Gracias a esto se desarrolló el vedutismo (género pictórico derivado del paisajismo y que refleja las vistas, dotando de mucha importancia a la perspectiva, de la ciudad veneciana y sus canales) destacando al pintor Canaletto. Ya entrados en el impresionismo, la ciudad de París, a la mano de Napoleón III, se convierte en el centro más moderno y potente de Europa. Esta modernización de la ciudad cautivó a los pintores que la convirtieron en la protagonista de sus obras. Los elementos que componían las estaciones ferroviarias componían el elemento iconográfico por antonomasia. De aquí pasamos a la cultura americana, que entre finales del XIX y principios del XX trata de reflejar la sociedad y la cultura estadounidense haciendo hincapié en la vida nocturna, destacando a Childe Hassam. Surge después la Ashcam School, en la que una serie de pintores realistas americanos se dedican a reflejar la vida urbana de la ciudad de Nueva York y cuyo líder es Robert Henri, aunque sin duda los dos pintores más aclamados de esta época son Edward Hopper y George Bellows. Con la aparición de las vanguardias hay numerosos estilos y formas de representar las ciudades. Desde pintores cubistas como Fernand Leger pasando por autores de la escuela de París como Henry Mattisse y su visión colorista de la urbe. Si hablamos de arte abstracto hay que destacar la obra de Piet Mondrian y su pintura “Broadway Boogie Woogie” Cuando finaliza la segunda guerra mundial el abanico de posibilidades aumenta y se generan nuevas 25 formas de creación y representación de las ciudades y destacamos en este punto los experimentos de Willem De Kooning. Aquí es cuando aparecen los pintores hiperrealistas y fotorrealistas para hacer de la ciudad su temática principal destacando a Richard Estes en Estados Unidos y a Antonio López en España. Actualmente hay muchos artistas que utilizan la ciudad como excusa para hablar de sentimientos, la situación de la sociedad, la búsqueda de atmósferas y ambientes... Daniel Bilbao reflejó en sus lienzos la Sevilla ferroviaria de mediados del siglo XX jugando con el grafismo y la construcción del dibujo junto a la mancha, buscando la atmósfera industrial mediante una paleta sobria en la que predominan los colores terrosos y óxidos. “Toda esa arqueología industrial de las antiguas estaciones, las grúas de los puertos, o las industrias en desuso crean un ambiente poético.” (Bilbao, Daniel. 2019 “La Semana Santa es una gran ‘performance” entrevistado por Luis Sánchez-Moliní) Norberto Gil tiene una visión muy peculiar de la ciudad, que resuelve mediante grandes planos, siendo muy colorista y sintético, pintando solo lo que necesita e intentando evitar todo lo superfluo. En El inquietante orden de las instituciones juega con los espacios vacíos que se forman en oficinas y otras sedes institucionales en los que quiere mostrar el peso de las decisiones que en estas se toman y que en muchas ocasiones no son alentadoras. Por otro lado, Sebas Velasco es un artista que refleja la vida nocturna en algunas ciudades de la antigua Unión Soviética, aprovechando la estética de neón que generan los carteles luminosos en contraposición con la noche. Aprovecha este tipo de carteles para descontextualizarlos y que estos adquieran otro discurso, ya sea de carácter formal y compositivo, o en otros casos, para hablar de la extrañeza espacial y temporal. A sus composiciones le añade edificios y coches antiguos, por lo que la estética urbana está siempre presente. Miguel Oyagüez está altamente influenciado por el cine americano y la estética de las casas y calles que componen las ciudades estadounidenses. Aprovechando su gusto por viajar retrata los paisajes urbanos que va encontrando. En su serie Boston realiza una serie de pinturas nocturnas de la ciudad intentando recrear la atmósfera que le sugerían a él las películas de su infancia. Tratando este tema tenemos también a Alberto Ortega, que basa su pintura en la utilización de maquetas de vecindarios americanos para jugar con la iluminación según le interese y así poder decidir a su antojo las composiciones y puntos de vista. En nuestro caso utilizamos todas estas influencias mencionadas para intentar, mediante un lenguaje personal, plasmar la poética que suscitan estas edificaciones contemporáneas, jugando con todas las líneas que se generan en contraposición con el tratamiento orgánico que utilizamos aplicando diferentes calidades, texturas y cargas de pintura acompañando esto con la utilización de materiales como lijas, espátulas y cúters Ilustración 8. Sebas Velasco. Hotel Polonez, 2019 32 Ilustración 13. Diego Lozano. Andrea y Carrefour. 2021 33 34 Ilustración 14. Diego Lozano. Carlota y la Alameda. 2021 35 36 Ilustración 15. Diego Lozano. Beatriz. 2021 37 38 39 Ilustración 16, Diego Lozano. Pili y el bazar, 2021 40 Ilustración 17. Diego Lozano. Fragmento.2021 41 CONCLUSIONES Finalizado este análisis acerca de la relación que existe entre las personas y el medio en el que viven, llevándolo además a las influencias que esta ha generado en los artistas a lo largo de la historia obtenemos las siguientes conclusiones La sociedad contemporánea está viviendo un nivel de desarrollo que en muchos momentos sobrepasa el propio entendimiento humano. La cantidad de excesos e información a la que se nos expone provoca una falta de tiempo en cuanto a la asimilación de esta. De esto era de lo que nos habla Marc Augé en algunos de sus ensayos y algo a lo que también hacen referencia otros sociólogos como Zygmunt Bauman. Estas nuevas condiciones han propiciado la aparición de los no-lugares, que han sido el mantra principal de representación en nuestro discurso. A nivel personal realizar este trabajo ha supuesto un gran avance en cuanto a todo el proceso de realización de una obra, desde el momento de investigación, búsqueda de referencias y ajustarse a una temática sobre la que proyectar nuestras ideas y los sentimientos que queremos plasmar, hablando de la realidad de la sociedad actual pero aportando la visión del mundo tal y como la percibo. Añadir la pérdida de miedo y la búsqueda de nuevos lenguajes que nos han permitido acercarnos a uno propio sobre el que seguir trabajando. Ilustración 18. Diego Lozano. Calle Venecia. 2021 48