El diseño de moda como disciplina artística. Un enfoque hacia la sostenibilidad

EL DISEÑO DE MODA COMO DISCIPLINA ARTÍSTICA. UN ENFOQUE HACIA LA SOSTENIBILIDAD MARÍA DEL MAR CARO MORIANA GRADO EN BELLAS ARTES -UNIVERSIDAD DE SEVILLACURSO 2020/2021 TÍTULO: EL DISEÑO DE MODA COMO DISCIPLINA ARTÍSTICA. UN ENFOQUE HACE LA SOSTENIBILIDAD. AUTORA: MARIA DEL MAR CARO MORIANA TUTORA: RAQUEL BARRIONUEVO PÉREZ TRABAJO FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTES -UNIVERSIDAD DE SEVILLACURSO 2020/2021 ÍNDICE INTRODUCCIÓN DESARROLLO TEÓRICO INTERFERENCIAS ENTRE EL ARTE Y EL DISEÑO DE MODA: AUTORES Y REFERENTES LA VINCULACIÓN DEL SER HUMANO CON LA NATURALEZA Y SU DESARROLLO EN EL ARTE VÍNCULO ARMÓNICO Y AFECTIVO VÍNCULO IRRESPETUOSO Y DESEQUILIBRADO NUEVOS MATERIALES Y FORMAS DE PRODUCCIÓN EN EL DISEÑO DE MODA Y EL ARTE, EN CONSONANCIA CON LA SOSTENIBILIDAD DOSSIER DE OBRAS ESCULTURA CORPORAL I ESCULTURA CORPORAL II PROYECTO DE FOTOGRAFÍA PROYECTO DE SERIGRAFÍA PROYECTO DE CERÁMICA UPCYCLING INSERCIÓN LABORAL CONCLUSIONES BIBLIOGRAFÍA ÍNDICE DE IMÁGENES 16 20 16 10 24 31 32 34 36 38 40 42 10 09 44 51 54 56 98 Se resume aquí la derivación conceptual por la que se ha trascurrido a lo largo de la realización de este proyecto; y la temática de las obras realizadas a lo largo de estos cuatro años. Un paso por ciertas fusiones entre el arte y la moda, disciplinas que se han entrelazado en algunos momentos de la historia y que siguen haciéndolo hoy día. ¿No es el arte una forma de hablar al mundo, una forma de causar sensaciones, de estremecer a quien lo contempla, de encender una chispa reflexiva? Es de esta manera como convergen tan fluidamente estas disciplinas, cuerpo y obra, artesanía y arte. Y de la misma manera que se fusionan estas, la Naturaleza ha sido un tema que ha unido al ser humano con el arte. Quizás sea más necesario que nunca antes, hablar sobre este asunto, llegando a una nueva perspectiva hacia la biodiversidad, incluyéndola, aunque desde siempre ha estado presente, como parte del ser humano. De alguna manera, deriva este interés del entorno en el que me he rodeado durante toda mi niñez y adolescencia, y donde me rodeo, de vez en cuando, actualmente. Mi hogar, un lugar abrazado por naturaleza, un ambiente rural y una constante labor vinculada a la costura. Sumergirme en esas telas, esas texturas, esos olores, eso tonos de la naturaleza, es lo que me ha impulsado hoy día, casi de manera innata, a comunicarme mediante la creatividad y la plasticidad de la naturaleza y la moda. Se trata simplemente de pensamientos que nacen dentro de mí y que soy incapaz de dejar adentro. Con el anhelo de desplegar el deseo que ha estado en mí siempre, doy uno de los primeros pasos, uniendo esta pasión por el diseño de moda y el mundo artístico, con la realización de las obras que se desgranan posteriormente. Los procedimientos plásticos se entrelazan con el uso reiterativo del tejido como material, o la utilización de diversas técnicas que se fundamentan en la artesanía. Como si de una súplica se tratase, nuestro hogar nos está anunciando a gritos que su vida se está acabando. La causa no es otra que las acciones del ser humano, que es incapaz de relacionarse en sintonía con el resto de seres vives que conviven en el planeta. Simplemente se trata de un reconocimiento y una aceptación de que sin la biodiversidad la vida de la Madre Tierra se destruye se trata de respetar el lugar donde se desarrolla la vida, la vida de cada individuo, y de cada ser vivo. Algo tan fundamental, íntimo, y que forma parte de todos nosotros no puede ser negado. INTRODUCCIÓN INTRODUCCIÓN 10 11 Interferencias entre el arte y el diseño de moda: autores y referentes El pintor modernista Gustav Klimt que retrató imágenes tan icónicas como El Beso en la que una túnica ornamentada cubre los cuerpos de aquella pareja, se inspiraba directamente en la diseñadora Emilie Flöge, su compañera. Emilie fue una gran creativa en su tiempo, innovando con nuevas siluetas amplias y fluidas a partir de tejidos vaporosos, lo que denominó vestidos reforma. Estas túnicas eran utilizadas por el propio Klimt cuando pintaba sus cuadros. El pintor tenía un gran interés en el diseño y el estilismo de las mujeres que retrataba, por ello trabajaba mano a mano con Emilie poniendo los diseños de la diseñadora a sus modelos. Es el caso del vestido de flores bordadas de Mada Primavesi o el traje de Adele Bloch-Bauer en el famoso cuadro La dama de oro. En la misma línea, Picasso trabajó para el Ballet Ruso de Sergei Diaghilev diseñando el vestuario. Conoció a una bailarina de esta compañía Olga Khokhlova cuando se desplazó a Roma en las últimas etapas de la Primera Guerra Mundial. Participó junto con Khokhlova en el ballet de 1917, creado por el escritor francés Jean Cocteau. Los trajes que diseñó se caracterizaban por formas geométricas, c a las formas angulares de su estilo cubista. Por otro lado, la diseñadora de los años 20 Elsa Schiaparelli es considerada una de las creadoras de moda más importantes de la historia. Schiap frecuentaba los cafés parisinos donde se reunían los artistas vanguardistas de la época, influenciada allí por el futurismo italiano, cubismo y el fauvismo parisinos. En una época donde la moda se empezó a concebir como una obra de arte creó vestidos con estampados surrealistas, tocados con forma de zapato y joyería inspirada en elementos totalmente innovadores. Colaboró con Dalí en muchos de sus diseños representando algunos de sus dibujos o imaginando nuevos ideas combinando la creatividad de ambos genios. Icónicas fueron algunas de las piezas que surgieron de esta unión como el vestido Tears 1938 inspirado en la obra Tres mujeres surrealistas llevando en sus manos la piel de una orquesta 1936; el Sombrero con forma de zapato 1937-8 cuya referencia fue una foto que Gala, la mujer de Dalí, se tomó con un zapato en su cabeza. El vestido Skeleton creado junto a Salvador Dalí en 1938. En 1937 creó el vestuario de la actriz Mae West en la película Every Day´s a Holiday. También retratada en el mundo del arte por Dalí. La yuxtaposición entre el arte y la moda se ha ido dando a lo largo de la historia. Estas disciplinas artísticas logran converger exquisitamente resultando magníficas obras que combinan la creatividad presente en ambas y la funcionalidad más cotidiana que caracteriza a la indumentaria. Según la revista Vanidad entre el arte y la moda siempre ha habido convergencias, “su relación llega hasta tal punto, que no podrían convivir hoy en día la una sin la otra”. Por ello podemos hacer un recorrido por algunas alianzas con las que nos han obsequiado el arte y la moda. Figura 1. La dama de oro. (Gustav Klimt, ca. 1907) Figura 2. Póster de la exhibición del ballet ruso de Diaghilev. (Picasso, ca. 1929) Figura 3. The Skeleton Dress. (Elsa Schicaparelli y Salvador Dalí, ca. 1938) DESARROLLO TEÓRICO DESARROLLO TEÓRICO INTERFERENCIAS ENTRE EL ARTE Y EL DISEÑO DE MODA: AUTORES Y REFERENTES 12 13 Otro ejemplo a destacar sería Yves Saint Laurent, el cual creó en 1965 el célebre vestido inspirado en el cuadro de Mondrian. Para este diseñador el arte era toda una inspiración y fue un reflejo en sus creaciones. Confeccionó en un vestido simple, pero con muchos matices, la obra Composición II: composición con azul y rojo. Por otra parte, dentro del mundo de la moda el diseñador es un profesional multidisciplinar que como creativo imagina un trabajo de confección y de elaboración de una prenda. Combina la estética y cultiva las siluetas y proporciones entrando así al ámbito artístico. Las características de esta disciplina se relacionan y aluden a las bellas artes, según Patricia Pardo comenta en su libro La Moda. Arte e influencia artística. La diseñadora holandesa Iris Van Herpen, con la convicción de que la belleza está en la unión de varias disciplinas, combina las tecnologías con el proceso artesanal. Desarrolla obras espectaculares que se basan en el movimiento de los materiales al interactuar con el cuerpo. A menudo se inspira en “materiales imposibles” como el agua. Ha presentado numerosas colaboraciones con artistas, tanto del campo de la arquitectura, como sería la compañía Benthem Crouwel Arquitects y Daniel Widrig en la colección Crystallization (2010), y Philip Beesley en la colección Voltage Haute Couture (Paris, 2013), como también, ha trabajado con otros artistas multidisciplinares, como es el caso de Neri Oxman y su equipo, con los que desarrollo un nuevo material para utilizar en la impresión 3D. Alexander McQueen, así mismo, fue otro de los hitos en la historia del diseño de moda. Con piezas expuestas en museos como el MET, cómo la perteneciente a la colección titulada No. 13, en la temporada 1999. Se trata de una pieza en la que analiza la relación entre el movimiento Art and Crafts del siglo XIX y su llamado “el filo duro de la tecnología de los textiles”. La obra, creada con madera de abedul, cuero y metal, se compone por diversas piezas de esta madera troquelada que recubren el cuerpo y se alzan en forma de alas sobre la espalda de la persona que lo porta. En esta misma colección, aparecía a su vez la icónica pieza del diseñador que, además, fue inspirada en la artista Rebecca Horn, concretamente en su obra Luna alta 1991. La pieza se complementaba con la acción, en la que la modelo giraba mientras dos máquinas industriales rociaban pintura verde y negra sobre el vestido blanco. Aludiendo a las colaboraciones comentadas anteriormente, McQueen trabajó con el artista Damien Hirst en 2013. Celebrando su décimo aniversario el diseñador invitó a Hirts a realizar su nueva colección compuesta por 30 pañuelos, con una visión estética común, dónde se unen el diseño simétrico y la referencia al mundo natural Los diseños se inspiraron en la serie Entomología 2009-2012 de Hirst. En estas obras el artista utiliza insectos para crear imágenes con forma de caleidoscopio. Figura 4. Alexander McQueen & Damien Hirst Scarf Collaboration. (Alexander McQueen y Damien Hirst, ca. 2013) Figura 5. Crystallization. (Iris Van Herpen, ca. 2010)Figura 6. Ballet triádico. (Oskar Schlemmer, ca 1922) 14 15 En esa línea, Nicola Costantino es una artista argentina multidisciplinar que pone el foco de en su desarrollo artístico en el cuerpo, haciendo referencias al consumo y a la moda. Una de sus series, Human Fuerriery, incorpora prendas realizadas con silicona que son similares a ciertas partes erógenas del cuerpo humano. Obras como Male Nipples Hermès Handbags, Kelly (2006), y Zapatos de tacón altos de tetillas masculinas, (2000), pertenecen a esta serie. Quizás, este vínculo con la moda tiene su origen en la experiencia de haber trabajado con su madre en una fábrica textil. Cabe mencionar que entre el arte y la moda se revela un conflicto inevitable. Los artistas están motivados por el anhelo de crear objetos o imágenes que trasciendan las querencias. Los diseñadores por su parte se definen por proyectos estacionales y depende del tráfico de la moda. “Cualquier intento de casar el arte con la moda está posiblemente destinado a desencadenar tensiones entre el anhelo de permanencia y la necesidad de transitoriedad” (Grovier, 2017). Según Grovier el arte contemporáneo que contempla las prioridades cambiantes de nuestro tiempo, adaptándose a lo efímero y perecedero hace posible que las colaboraciones entre creativos del mundo de la moda y el arte no sean tan polémicas. Quizás nos encontremos en estos nuevos tiempos en la deriva hacia a la unión, como en otro tiempo existía, del arte y la artesanía, cuya brecha se enfatizó con la Revolución Industrial (Larry Shiner, 2001) y que se ha extendido hacia el campo textil de la moda y la indumentaria. Es aquí, donde se estableció esta separación entre la moda y el arte, aún presente hoy día, siendo un tema disputado, como se ha mencionado anteriormente. Uno de los movimientos artísticos que incluyó el diseño de vestuario como disciplina artística fue el establecido por La Bauhaus (1919-1938). Larry Shiner, en su libro La invención del arte, relata que esta escuela de diseño estaba dentro del movimiento de Art and crafts desarrollado en Gran Bretaña. La corriente comprendía dos vertientes: las artes decorativas de la arquitectura y la industria; y los estudios de artesanía. La escuela Bauhaus de arquitectura, arte y oficios creada por Walter Gropius, seguía la célebre frase de Louis Sullivan “La forma sigue a la función” 1890. Desarrollando diferentes campos creativos, impartían en sus clases talleres de tejidos dirigidos por el pintor Georg Muche, que fue nombrado profesor de formas. La técnica del tejido las enseñaba Helene Börner, que procedía de la escuela de artes y oficios. Los tejidos creados por Gunta Stölzl lograron un gran éxito en las competencias internacionales y se adquirieron para producirse de forma industrial. En el Ballet triádico del Oskar Schlemmer se desarrollaron diseños de vestuario basados en formas geométricas sencillas como el círculo, el cuadrado y el triángulo. Éstos, estaban confeccionadas con materiales con peso y rígidos tales como papel maché, tela acolchada, metal y pintura. Siguiendo con esta línea desdibujada que separa el arte y la moda, muchos artistas en sus proyectos incluyen como parte esencial el vestuario. Es el caso de la artista alemana Rebecca Horn, conocida por sus performance y sus esculturas corporales con las que trabajó en la década de 1970. En 1972 realiza White Body Fan que forma parte de su primera performance y dónde explora el equilibrio entre el cuerpo y el espacio. Estas esculturas corporales, diseñadas por la artista, se conciben como extensiones de su cuerpo, siendo una parte esencial su carácter dinámico. Figura 7. White Body. (Rebecca Horn, ca. 1972) Figura 8. Male Nipples Hermès Handbags, Kelly serie Human Furriery. (Nicola Costantino, ca. 2006) 16 17 Vínculo armonioso y afectivo El autor Josef Estermann, en su libro La filosofía andina 2006, llega a la conclusión de que “no se puede desintegrar el concepto de ser humano con la naturaleza, ambos son uno, de ahí que hacer daño a la naturaleza es hacerse daño a sí mismo” (Ávila Santamaría, 2011: 211). En el modelo de representación del pueblo andino se comprende a cada ser y a cada hecho como parte de diversas relaciones entre otros seres y coyunturas. Pero esta filosofía de respeto hacia la naturaleza, casi de veneración, ya se daba en tiempos anteriores. Según Dorantes, existen tres tipos de conciencias en relación con la naturaleza a lo largo de la historia. Escribiendo, desde una perspectiva de género, contempla la conciencia matriarcal en la que no hay distancia entre el ser humano y la naturaleza, donde “la Naturaleza es omniabarcante y el ser humano muestra respeto hacia ella”; la conciencia patriarcal, en la que lo Masculino se sobrepone a lo Femenino, de modo que el medioambiente pasa a un lugar secundario siendo un mero objeto al servicio de los hombres. Por último, la conciencia emergente, que representa una nueva posibilidad de relación con la Naturaleza, superando “los márgenes delimitados por el orden patriarcal”. (Dorantes, 2016: 11) Por otra parte, Eisler en sus investigaciones antropológicas, apunta la existencia de la sociedad matrilineal en nuestros primeros tiempos como humanidad. Esta primera etapa, representa la simbiosis con la madre, con la madre biológica, en el caso del individuo, y con la madre tierra, en el caso de las sociedades (Eisler, 1999). Durante los años 70, y tras un trascurso por diversas décadas en las que la relación del ser humano con el resto de seres vivos se tornaba en una situación de sometimiento, se comenzó a poner sobre la mesa la cuestión ambiental a nivel internacional. Fue aquí donde se empezaron a plantear teorías que proponían que nuestro planeta está formado por una unión compleja. El químico James Lovelock, el cuál trabajó en la NASA, planteó la “Hipótesis Gaia”, esta propone que La Tierra “comprende el suelo, los océanos, la atmósfera y la biosfera terrestre” y que “el conjunto constituye un sistema cibernético autoajustado por realimentación que se encarga de mantener en el planeta un entorno física y químicamente óptimo para la vida” (Lovelock, 1985: 15). Por lo tanto, los seres humanos pertenecemos a esta unidad, somos parte de Gaia. Según Javier Surasky y Guillermina Morosi la “dualidad ajenizante” quedaría disgregada. “El antropocentrismo heredado de la ciencia occidental cede ante un biocentrismo integrador que reconoce las heterogeneidades existentes entre las especies vivientes y al interior de los ecosistemas” (Surasky; Morosi, 2013: 7). Se abre así, el camino en la vía para el redescubrimiento de la Pachamama. El vocablo pacha se puede traducir como “cosmos interrelacionado” o “relacionalidad cósmica” (Estermann, 2008: 76). En la perspectiva hacía comprender la “Hipótesis Gaia” y el término Pachamama sería interesante tomar y tener en cuenta estos conocimientos, sin tomarlos con una verdad única, para incluir en nuestro conocimiento otro modo de observar la Naturaleza. En el mundo artístico, muchos creadores utilizan la naturaleza como inspiración. Es una forma de venerar el entorno y tomarlo como referencia para crear proyectos artísticos, revelando, en ciertos aspectos, ese planteamiento primigenio. En sus principios, el ser humano se relacionaba con el mundo de forma tolerante, se sentía parte de la naturaleza y encontraba su curso en la conexión con otros seres vivos. Así pues, esta relación tenía un carácter casi espiritual y de veneración hacia la naturaleza. Nuestro entorno era categorizado como sujeto, no existía una dominación del uno sobre el otro. Se concebía como una responsabilidad innata el cuidado de todo lo que rodeaba al ser humano. La vinculación del ser humano con la naturaleza y su desarrollo en el arte LA VINCULACIÓN DEL SER HUMANO CON LA NATURALEZA Y SU DESARROLLO EN EL ARTE VÍNCULO ARMÓNICO Y AFECTIVO 30 31 DOSSIER DE OBRAS Completando la información por la que hemos navegado en la redacción de este escrito, se presentan ahora una serie de obras cuyo concepto se ha desarrollado a partir de las ideas planteadas a lo largo del marco teórico. Cada pieza elaborada con técnicas diversas interpreta de manera diferente el planteamiento metafórico, con anhelo de una simbiosis entre el ser humano y la naturaleza. De la misma manera, se conecta con el mundo de la moda a través del concepto de esculturas corporales. Inspirado por la artista visual alemana Rebecca Horn en cuyas obras hacía uso de piezas, extensiones de su cuerpo, con las que interactuaba con su entorno. Una forma alegórica de la idea de volver a formar parte de la naturaleza, a partir de “portarla”, fundirnos con la naturaleza a través de trajes que se inspiran en esta y que convierten al cuerpo humano en un hibrido entre estos dos seres vivos convivientes. Por otra parte, existe la influencia de la Naturaleza, como una forma de veneración, contemplación e inspiración, una forma de conectarnos de nuevo con esta. DOSSIER DE OBRAS 32 33 Escultura corporal I se inspira en las geometrías de la naturaleza para dar vida a una gran diversidad de texturas con diferentes volúmenes, que van desde el relieve hasta el cuerpo más tridimensional. Observando las imágenes del libro The Pattern book: fractals, art and nature (1995) del autor Clifford A Pickover, y al igual que el artista inglés Andy Goldsworthy reinterpretaba en sus obras su entorno, en base a la geometría natural, se abstraen patrones que se registran en la naturaleza y que forman parte de la composición de la pieza. Es una escultura corporal, comprendiendo esta como una prenda contemplativa o una obra portable, cuyo soporte es el propio cuerpo humano. De la misma manera que la artista portuguesa Joana Vasconcelos teje monumentales esculturas, como Brancura (2019), con múltiples texturas y acabados, este trabajo está realizado mediante la elaboración de minuciosos fragmentos de materiales que van desde el papel pinocho, el macramé, y diversas variantes de tejidos. Todos ellos, están elaborados a máquina y cosidos a mano a la pieza base, al igual que los volantes que inundan la parte delantera de la prenda creando una forma circular. Se puede diferenciar así una composición en la que la parte delantera acoge un gran volumen que va disminuyendo en su parte posterior. El cuerpo base y las telas usadas en algunos de los relieves son materiales reutilizados pertenecientes a antiguos sobrantes de confección por parte de familiares. Figura 21: Escultura corporal I. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021) Escultura corporal I Figura 20: Escultura corporal I. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021) ESCULTURA CORPORAL I Escultura Corporal I Escultura corporal. Confección con telas y papel 120 cm x 90 cm x 50 cm 2021 34 35 Realizada mediante un proceso artesanal esta obra aúna varías técnicas componiendo una pieza multifuncional. Como si formara parte de la colección AW2015 Haute Couture de los diseñadores de alta costura Viktor & Rolf, la obra se introduce en una actuación performática en la que se presenta tanto de una manera tradicional, colgada sobre una pared, como se adapta al cuerpo transformándose en una prenda. La realización de la obra se ha tomado desde una perspectiva artesanal y lenta. En primer lugar, la loneta que actúa como soporte ha sido teñida experimentando con tintes naturales, extraídos de diferentes elementos orgánicos como los arándanos, la piel de cebolla, la col lombarda o el café. Sobre estas manchas aplicadas con esponja y con la técnica japonesa del shibory, que consiste en hacer nudos, se han estampado las propias huellas de naturalezas muertas al aplicar acrílico sobre estás y utilizarlas a modo de matriz. Por último, la pieza ha sido bordada a mano minuciosamente con pequeñas líneas que rodean las grandes manchas creadas con la estampación de plantas. Se ha añadido al manto, por su parte posterior, unas cintas que hacen de canal para introducir siete cuerdas, que dan la posibilidad de fruncir la tela y acomodarla sobre el cuerpo. Figura 23: Escultura corporal II. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021) Escultura corporal II Figura 22: Escultura corporal II. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021) ESCULTURA CORPORAL II Escultura Corporal II Telar multifuncional. Estampación , bordado y confección en acrílico sobre tela , hilo y cuerda 146 cm x 114 cm 2021 36 37 Inspirada por el proceso fotográfico que llevo a cabo Anna Atkins en su libro Fotografías de las algas británicas: Impresiones Cianotipos, publicado en 1843, esta obra combina el proceso analógico con el digital. Elaborada mediante la técnica de la Cianotipia que se realiza a partir de una solución fotosensible; se han creado, sobre papel, seis composiciones con plantas recolectadas en entornos cotidianos. Estas imágenes analógicas se han digitalizado y se han proyectado sobre el cuerpo de una modelo, aludiendo a la simbiosis entre naturaleza y ser humano. La exposición de esta pieza se compone tanto de los cianotipos como de diversas imágenes extraídas de la sesión realizada con el proyector. Figura 24: Grabados en la piel. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021) Figura 25: Infografía Grabados en la piel. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021) Grabados en la piel PROYECTO DE FOTOGRAFÍA Proyecto fotográfico Instalación. Imagen digital, cianotipia y proyección Dimensiones variables 2021 38 39 Esta obra cuyo diseño está compuesto por un estampado realizado con iconos florales, se compone, in situ, durante la propia creación de la pieza. Superponiendo las líneas de los elementos e inundando esta tela translúcida se crea una trama, que tras dar forma al soporte se deja de reconocer a simple vista. Finalmente se presenta como una forma orgánica que se suspende en el aire desde el techo. Figura 26: Huellas. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021) Figura 27: Huellas. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021) Huellas PROYECTO DE SERIGRAFÍA Huellas Pieza multifuncional, escultura y telar. Serigrafía 90 cm x 50 cm x 30 cm 2021 40 41 El proyecto titulado Líneas en la Naturaleza abstrae las formas naturales de nuestro entorno, de las aguas más profundas y su biodiversidad. Basándose en las formas geométricas de la flora marina, se crea una composición que toma como referencia directa las líneas de los corales tubulares. Con diversas texturas creadas con cristales reciclados, y sus formas orgánicas se intuye la luz y las líneas de un paisaje marino. Figura 28: Líneas en la Naturaleza. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021) Líneas en la Naturaleza PROYECTO DE CERÁMICA Líneas en la Naturaleza Conjunto cerámico. Bajo cubierta, esmaltado y cristales 70 cm x 30 cm 2021 42 43 Tela metálica creando pliegues, alambres como estructura y cordones reutilizados como acabado, forman esta prenda inspirada en el diseñador Martin Margiela. El diseñador belga, con obras como el bolso 5AC, generado con restos de cuero de otras fábricas, es pionero en el Upcycling –como hemos desarrollado anteriormente-. Consiste en reciclar y mejorar piezas y materiales que ya han sido usados para alargar su vida. Se hace uso de nuevos materiales muy vinculados con la escultura y no tan familiarizados con el diseño, para reflexionar sobre la reutilización e incorporación de diferentes recursos en ambos campos de la creación. Figura 29: Up00 (María del Mar Caro Moriana, ca. 2017) Up00 Figura 30: Up00 (María del Mar Caro Moriana, ca. 2017) UPCYCLING Up00 Construcción. Tela metálica, alambre y lazo 90 cm x 50 cm 2017 44 45 INSERCIÓN LABORAL M: ¿Cuál es tu formación y tu experiencia laboral con respecto a la moda y el arte? S: Soy graduada en bellas artes y diplomada en diseño de moda. Aparte, realicé muchos cursos de especialización en diseño de calzado, artesanía textil, alta costura, vestuario de cine, televisión y teatro, sastrería, planificación y control de producción. Mi experiencia fundamental ha sido en el campo del estilismo, la organización de eventos de moda y la docencia en los últimos años. El estilismo está íntimamente ligado con el arte, dada su creatividad y su vinculación intrínseca, tanto en la práctica o ejecución como en fuentes de inspiración y forma de sentir. En los años que tuve marca, siempre hubo estampaciones, volúmenes, dibujos a ordenador o a mano, complementos, color… Elementos que también existen en los estudios de bellas artes, aunque quizás con un enfoque más conceptual. En cuanto a mi faceta en contenidos artísticos con eventos de moda y arte, y trabajar siempre con diseñadores emergentes, es justo ahí donde se encuentra la búsqueda de la creatividad. M: ¿Porque decidiste cursar el grado de bellas artes y enlazarlo con el mundo de la moda? S: Decidí realizar bellas artes porque cuando estudié moda no existían estudios oficiales sobre esta materia, aunque hoy día es un grado al igual que bellas artes. Puesto que ya llevaba varios años impartiendo docencia en la universidad y viviendo el cambio a grado, era un buen momento y motivo para poner al día la titulación, así como desarrollar una vocación de toda la vida. M: ¿Qué perspectiva te ha dado esta carrera? S: La carrera me ha posibilitado tener la titulación en regla, abrirme un mundo al que me siento pertenecer, el del arte y una forma más profesional o académica de trasmitir mis ideas. También desarrollar la parte que tiene en común con la moda y la que más me gusta. No hay que olvidar que la ropa está para llevarse puesta, con toda la parte de ventas, gestión o marketing, con un peso enorme dentro de la firma. Sin estos elementos la parte creativa no puede existir. El arte me ha hecho poder seguir en el universo de la moda sin la parte comercial de la moda. M: ¿Qué aprendizajes has adquirido del mundo de la moda que puedan complementar tu formación en bellas artes? S: La escultura, el volumen, la visión espacial, los materiales, etcétera son comunes, de ahí que tantos arquitectos se pasen a la moda. Les puede fallar una construcción de prenda hecha para el cuerpo y puede que se vayan a algo más para mostrar en una galería que para llevar puesto sin que sea su intención. En mi caso, es una intención desde el primer momento. Cuando vuelva a hacer ropa me gustaría que fueran piezas únicas, para llevar puestas, recicladas 100%. No podemos seguir con este nivel de consumismo. Hacer más ropa comercial sería seguir el juego. A continuación, y con el objetivo de esclarecer las cuestiones que se me plantean de cara a finalizar el grado universitario y vislumbrar mi siguiente paso en mi futuro profesional, presento una entrevista realizada a la ex alumna de la facultad de Bellas Artes, Sofía Clari. Su trabajo de fin de grado ha sido una gran fuente referencial para mi propia investigación, y sus consejos y valoración de la situación, de gran ayuda, dado mi interés en continuar mi aprendizaje dentro del mundo de la moda y ver las posibilidades de desarrollo creativo que se ofrecen. Gracias a su amplia experiencia trabajando en el sector y por la formación que tiene en este campo, ha supuesto para mí una orientación en la elección de mis próximos estudios. INSERCIÓN LABORAL 46 47 M: ¿En qué sector de la vida laboral crees que se acogerían interferencias entre el arte y la industria textil? S: La ilustración pertenece tanto al arte como a la industria textil, a mano o con programas como illustrator o procreated. Todo el proceso creativo, podría decir. El comisariado existe en ambas partes; en una son desfiles o eventos de moda y en otras exposiciones, con fórmulas parecidas. Ambas, necesitan movimiento en redes, y ambas necesitan una parte técnica-práctica de ejecución, con una serie de materiales. Por otro lado, el arte trabaja en gran medida con “telas de lienzo”. La moda necesita ser fotografiada, función que podría pertenecer a ambas disciplinas, ya que hay fotógrafos de moda que estudiaron moda, otros bellas artes, como estudios más comunes para esta profesión. M: ¿Cómo enfocas tus proyectos para alcanzar esa fusión? S: Mis proyectos los enfoco desde mi pasión por una imagen de moda, desarrollada durante años trabajando como estilista y diseñadora de moda. Más preocupada por la imagen y el mensaje que por la parte comercial. En este sentido, el crear una obra desde la pasión ya lleva una fusión inevitable sencillamente porque mi vida está compuesta por ambas disciplinas. Para mí, la creación de estilismos o de una prenda determinada no es diferente de una obra, ni siquiera si fuera hecha para llevarse puesta, porque se trataría de una pieza única, realizada con los mismos procedimientos. Otra cosa es el pret-a-porter, prendas diseñadas para su comodidad y para ser llevadas sobre el cuerpo como objetivo. M: ¿Cuál es el transcurso de tu obra desde la parte proyectual a la creación real? ¿En qué te inspiras y cuáles son tus referentes? S: Desde el proyecto hasta la obra hay un proceso de concepción que debe pasar varios filtros aunque el primero será la pasión. El proyecto surge con un fin y un sentir personal y social. En mi caso, sí utilizo el arte-moda como un fin para expresarme y compartir mis ideas, preocupaciones o alegrías. Tales como la salud del planeta o del propio ser humano a través de sus emociones, que pueden resultar tan tóxicas como la propia contaminación, el nuevo papel de la mujer en nuestros días, el amor, la investigación sostenible de materiales. A partir de este entusiasmo y visualización del proyecto hay que darle forma y planificarlo en el tiempo, una vez hay un cauce social asignado, un fin o un porqué claro y contundente para esa obra o proyecto. Estos temas, es decir, la propia vida y el día a día son mis fuentes de inspiración. Valga decir que mi día a día es la búsqueda de diseñadores emergentes o nuevas fórmulas para estimular la creatividad donde mis trabajos de talent scount o docente hacen su función. También he de estar al día de las propuestas de tendencias y pasarelas internacionales. M: ¿Qué aprendizajes de la formación en moda crees que son necesarios y complementarios para el arte, teniendo en cuenta la perspectiva que mencionamos de enlace entre la industria textil y el arte? S: Hay muchos diseñadores que han hecho bellas artes, como Anna Locking. Ahora ha hecho una exposición en Madrid (Fire talk with me, Espacio Centro Madrid 2021). Anna Locking hacía complementos, que si tienen que ver un poco más con escultura y por demanda pasó a hacer ropa. Me parece que es un camino gradual y esto es muy importante, por propia experiencia de haberme lanzado a una marca muy grande. ¿Entonces es necesario? No, probablemente tengas poco tiempo y deberás delegar, si tienes que hacer ropa lo llevas a un taller. Sin embargo, la enseñanza te aporta las herramientas para saber quién lo tiene que hacer y cómo, o cómo se llama lo que quieres pedir, cómo corregir o hacer lo que tú quieres. Ese tipo de cosas… En el caso de Anna Locking, lo ha ido aprendiendo en el propio trabajo, en la propia vida. Ahora la gente cada vez está más preparada, desde luego para dar clases te va a hacer falta. Para trabajar, a mí nunca me han pedido ningún título. Ahora, es cuando sí me han empezado a pedir. Pero para trabajar, lo que te va a hacer falta realmente es, y esto sí que lo pongo con mayúsculas, un buen portfolio. Esto es vital para todo. El portfolio es la base de todo. Por eso hay diseñadores que no han estudiado. Hay otros como puede ser Ignasi Montreal que es artista. ¿En qué punto Montreal topa con Gucci? evidentemente en el tema de la ilustración, de plasmar su universo. No le ha hecho falta estudiar moda. Le ha hecho falta especializarse en ese tipo de ilustración. Una realidad cercana de Sevilla es Montenegro, participó en la última de AlianzEGO, dónde yo estoy. Hace vestidos de novia y pone en EGO la parte de más moda. Este diseñador estudió Historia del Arte, luego hizo un Máster de dos años en el Instituto Marangoni, que abre muchas puertas. De igual manera, aunque no es fácil, hacer prácticas con grande marcas también te da muchas oportunidades. Incluso con el grupo Inditex, ya que son conocidos a nivel internacional. M: ¿Qué ciudades crees que acogen un buen núcleo de acción y de difusión en esta perspectiva artística de la moda? S: En general son las grandes ciudades, con una mentalidad más abierta y un mayor número de clientes. De España destacaría Barcelona o Madrid, aunque otras en Galicia también destacan por su ambiente en moda. A Coruña tiene el micro-mundo de los trabajadores de todo el mundo de Zara que confiere a la ciudad un ambiente cuanto menos curioso. Fuera de España destacaría Londres, Nueva York, Milán, Berlín, Holanda, Tokyo, Shangay, Taiwan y Lisboa. En mi experiencia personal, por los años de estancia allí, Londres consigue tener tantas nacionalidades allí que inevitablemente se convierte en un hervidero creativo, donde realmente se valora el arte. En menor escala, podría ser Madrid, que al fin y al cabo es la capital, aunque, por otro lado, Barcelona estaría más cerca de Europa. 48 49 Hay que buscar destacar por algo, puede ser que aún no lo sepas pero si tú tienes familia que, digamos tienes el tema del taller por ahí en tu pueblo (Nicolás, Palomo y Ernesto tienen el taller en su pueblo). Si te gusta coser, te interesa aprender bien, realiza proyectos para tu carrera artística y publicarlos en redes o presentarlos a concursos. Estaría bien encontrar un equilibrio entre la parte comercial y la artística. Es el caso de Nicolás Montenegro con su colección de vestidos de novia y, por otro lado, con sus propuestas para concursos como EgoAlianz. Por otra parte, es importante el tema de la página web, este año he cogido a gente del sur para llevar a showroom por ejemplo y tenían venta en web, es fundamental. Las escuelas de arte en Sevilla son CEADE, Sevilla de Moda y la de Osuna lleva dos años (todas de pago). Estos son grados, equivalentes con grados universitarios. En cuanto a másteres, conozco el Loyola de Gestión de la moda; hay otros dos en CEADE y en la facultad de comunicación. Donde doy clase, también mi parte es estilismo y se llama Fotografía, moda y comunicación, este es un poco más creativo (está Ernesto Naranjo), ahí estilismo pero no se construye prendas, la mayoría son periodistas. El que sí es de moda realmente es el de la ESDEMGA. Han apostado por los másteres oficiales y este sí que equivale a estudiar el grado. Es todo confección, patrón, está muy concentrado en dos años y sales con un buen portfolio. Es un buen lugar por la relación que tiene la comunidad con la moda: Bimba y Lola, Inditex, Purificación García, Adolfo Domínguez… Además tienen todos los talleres de bellas artes a su disposición ya que comparten la infraestructura con este grado. Tienen acuerdos con la escuela de Londres Sant Martins y con Bruselas. En el tema del módulo tienes la ventaja de que vienes de bellas artes, vas a sobresalir en muchos aspectos (el de dibujar figuras, tema de pintura). Si haces este módulo, yo lo haría con una obsesión: el portfolio. Voy a opositar para el examen y entrar en los módulos, aunque en la vida me hubiera pensado esto. Pero ha surgido así, y llevo muchos años trabajando de esto, igual sí creo que tengo cosas que aportar. Los módulos están bien porque van muy al grano, puedes ver las asignaturas. En Cádiz hay un toque muy colonial que mola mucho, tienen un punto de moda muy limpio. M: ¿Hasta qué punto crees que se pueden hermanar ambas disciplinas y superar el conflicto aún existente? S: En realidad, el único conflicto que puede haber es llevar el arte a donde no es necesario, es decir, pretender imponer piezas incómodas al mundo del día a día. Cada cosa tiene su lugar y la parte de la moda que sería lo más parecido a alta costura, donde el arte y la moda se fusionan con más naturalidad. Pero el arte también está en camisetas de grandes cadenas comerciales, donde hubo alguien que diseñó un estampado. Si se define claramente la intencionalidad nos daremos cuenta que el conflicto surge con nuestro empeño de etiquetar todo. ¿La moda es arte? En mi humilde opinión, a veces es arte y a veces es negocio, sin más. M: ¿Porque piensas que es importante la sostenibilidad en los proyectos creativos? S: La sostenibilidad es una responsabilidad de todos, por respeto a dónde vivimos y a los que vienen detrás. En los años 50 todo era sostenible, sin pretenderlo. Cuando se inventó el plástico fue algo genial porque fue un gran invento, pero ahora el dilema es salud o economía. Si los gobiernos no priorizan lo primero, la Tierra se encargará de hacerlo. De momento, si cada uno aporta su granito de arena para mejorar nuestro pequeño círculo de alrededor podremos hacer una montaña. M: ¿Qué materiales utilizas y que prácticas llevas a cabo teniendo en cuenta esta filosofía? S: Mis materiales son reciclados y con la menor carga de toxicidad posible. Si pudiera utilizaría hasta lápices de madera ecológica pero los cambios llevan un tiempo y desde luego no podemos controlar todo el planeta pero si nuestro alrededor más cercano. M: Por último, ¿Qué consejo darías a una persona que ha comenzado su trayectoria académica en el arte y que está interesada en formarse en moda? S: Lo primero que preguntaría en que puesto te ves trabajando y te ves feliz. ¿Diseñadora? ¿Patronista? ¿Costurera? ¿Relaciones públicas y redes, eventos? ¿Fotógrafa de moda? ¿Artista con un tema de moda? ¿Trabajarías para Zara? Si es que sí, mira los anuncios y lo que piden. Lo primero será un portfolio bien construido, moderno y que aporte algo. Para este portfolio, hay varias fórmulas: hacerlo de forma autodidacta, cosa algo difícil si no se trabaja ya en el mundillo y se ve muchos portfolios. O bien, hacer un buen master de moda, como el que tiene la ESDEMGA en Galicia, con la ventaja de todas las marcas de moda que allí hay y la facilidad de salir con trabajo ya. Otra opción es hacer el grado de moda, en alguna escuela de arte como Cádiz, de forma gratuita, o Sevilla, aunque son escuelas privadas. Quien pueda optar a ello y tenga un buen dominio del inglés, es ideal estudiar en una buena escuela internacional como la Royal College of London, una de las mejores a nivel internacional (Palomo Spain, Roberto Diz), Central Saint Martins, Wetmister… TRABAJO FIN DE GRADO GRADO EN BELLAS ARTES -UNIVERSIDAD DE SEVILLACURSO 2020/2021 UNIVERSIDAD DE SEVILLA AUTORA: MARIA DEL MAR CARO MORIANA