Relatos experimentales escultóricos textiles. La poética de la moda y la escultura, unida en una segunda piel

Relatos experimentales escultóricos textiles. La poética de la moda y la escultura, unida en una segunda piel TRABAJO FIN DE MÁSTER MSTER UNIVERSITARIO EN ARTE: IDEA Y PRODUCCIN FACULTAD DE BELLAS ARTES UNIVERSIDAD DE SEVILLA - CURSO 2021/2022 3º CONVOCATORIA DICIEMBRE 2022 AUTOR: SOFÍA CLARI RODRIGUEZ 2 TRABAJO FIN DE MASTER MSTER UNIVERSITARIO EN ARTE: IDEA Y PRODUCCIN FACULTAD DE BELLAS ARTES UNIVERSIDAD DE SEVILLA - CURSO 2021/2022 3º convocatoria diciembre 2022 TÍTULO: Relatos experimentales escultóricos textiles. La poética de la moda y la escultura, unida en una segunda piel AUTOR: Sofía Clari Rodríguez TUTOR: José Antonio Aguilar Galea Vº. Bº. DEL TUTOR: 3 4 RESUMEN La ropa adquiere volumen en cuanto se separa del cuerpo, y cuanto más, mayor es el volumen o volumetría. A principios del Siglo XXI, los mundos de la escultura y la ropa aparecen separados, aunque con intenciones de convivir para explorar nuevas posibilidades plásticas y prácticas. A menudo se establecen colaboraciones de diseño de moda y escultura buscando, estos primeros, especialistas que sepan traducir volúmenes en distintos materiales que no sean tejidos. Se persigue un acercamiento mutuo a través de la experimentación de ciertos textiles utilizados en el ámbito de la vestimenta sobre todo, al aplicarles técnicas escultóricas. Este resultado a veces produce una cierta poética y otras una solución plástica. Es inevitable también estudiar en profundidad el soporte, que no es otro que el cuerpo humano: su necesidad estética diferencial, comunicativa o de movimiento y el desarrollo plano de estos volúmenes con respecto a este cuerpo. Y también abordar otras formas de crear volumen visual, mediante aspectos simbólicos, ópticos, etc. Por otro lado, esta unión de volumetría escultórica aplicada al vestir remite a un futuro que podría necesitar algo más de espacio alrededor del cuerpo, quizás hacia arriba; o asegurar una separación inevitable entre los seres humanos ante la amenaza de nuevas pandemias. En este trabajo se investiga durante dos años sobre posibles interacciones entre escultura y moda deseando sea de utilidad tanto a diseñadores como artistas plásticos. PALABRAS CLAVE Escultura, moda, poética ABSTRACT Clothing acquires volume as soon as it is separated from the body, and the more, the greater the volume. At the beginning of the 21st century, the worlds of sculpture and fashion appear to be separated, although with the intention of coexisting to explore new artistic and practical possibilities. Increasingly, fashion design and sculpture collaborations are established. The fashion designers are looking for specialists who know how to translate volumes in different materials that are not fabrics or that are added to them. A mutual approach is sought through the experimentation of certain textiles used in the field of clothing, especially when sculptural techniques are applied to them. This result sometimes produces a certain poetics and sometimes an artistic solution. It is also inevitable to study in depth what we are going to work on: the human body. Its differential aesthetic, communicative or movement needs and the flat development of these volumes with respect to this body. And also, to approach other ways of creating visual volume, through symbolic and optical aspects. On the other hand, this union of sculptural volume, applied to clothing refers to a future that might need some more space around the body, perhaps upwards; or to ensure an inevitable separation between human beings in the face of the threat of new pandemics. This paper investigates possible interactions between the two worlds and hopes that it will be useful to designers and visual artists alike. KEY WORDS Sculpture, fashion, poetics 5 ÍNDICE JUSTIFICACIÓN DEL TEMA ORIGEN DE TEMA Y ANTECEDENTES PERSONALES REFERENTES ARTÍSTICOS Y CONCEPTUALES OBJETIVOS METODOLOGÍA GRADO DE INNOVACIÓN INTRODUCCIÓN 1. APORTACIONES ARTÍSTICAS APORTACIÓN 1: Roots: vida simple o recuperar las buenas costumbres. APORTACIÓN 2: Mi segunda piel: conexiónprotección. Duro y blando. APORTACIÓN 3: Conexión tierra y pisada en el corazón y conexión tierra y pisada en las vueltas de la vida. APORTACIÓN 4: Serie: Dressing the future through drifts, y Little corner. APORTACIÓN 5: Serie: Deriva en Sydney y New generation. 2. DESARROLLO TEÓRICO DEL TRABAJO 1. La creación artística del diseñador de moda 2. Escultura y moda a lo largo de la historia La estructura o armazón del vestido: Diferencias entre crinolina, miriñaque y polisón Influencias de la arquitectura y la escultura en la moda 3. Recursos simbólicos para componer volúmenes El círculo El cuadrado / rectángulo El formato El triángulo La forma y la composición: el punto y la línea. El peso La simetría La seriación o módulos La geometría El tono 4. Volumen y movimiento: líneas y expresividad 7 7 8 13 14 14 15 16 16 18 23 26 30 32 32 33 33 34 37 37 38 38 38 39 41 41 42 42 43 43 6 La expresividad en el campo visual La textura El color La proporción o escala La perspectiva La composición de los elementos formales El equilibrio El dinamismo La dirección El volumen por plegados 5. El espacio circundante entre el cuerpo y la prenda La vestibilidad El cuerpo Identidad, cuerpo y espacio 6. Construcción sobre el cuerpo. Desarrollo plano del volumen 7. Técnicas escultóricas aplicadas a la vestimenta Ensamblar Modelar Esculpir y tallar Moldes Fundición Termoformar Modelado virtual y 3D Impresión 3D Metal Construcción por calado Adición Filamento PLA Anudados y enrejados Kirigami CONCLUSIONES BIBLIOGRAFÍA TESIS DOCTORALES WEBGRAFÍA ÍNDICE DE FIGURAS INDICE ANEXOS ANEXOS AGRADECIMIENTOS 43 44 45 45 46 46 46 47 47 48 49 49 50 51 52 56 56 56 57 58 59 59 59 60 60 61 62 62 63 64 64 65 67 67 67 74 74 82 7 LA JUSTIFICACIÓN DEL TEMA La idea del tema aflora como una necesidad de encontrar fórmulas sencillas para trasladar el universo textil y sobre todo de indumentaria al mundo del arte y a la inversa. La resolución de problemas y la carencia de escritos que aúnen estas dos disciplinas obliga a una búsqueda muy variada de documentación y fuentes, por lo que pudiera ser de gran ayuda en cuanto a ahorro de tiempo para personas que quieran iniciar este mismo camino, cada vez más demandado, tanto a nivel laboral, como docente o artístico. Deseamos que nuestra aportación pueda significar un pequeño grano de arena en el acercamiento de estas disciplinas y ayude a que la misma idea pueda construir un prototipo o maqueta y ver como funciona. También, al contrario, surge una necesidad de llevar el mundo del arte al cuerpo, de forma que éste se haga más accesible, se vuelva un soporte amigo. Tras intentos fallidos durante los estudios de bellas artes y diseño de moda, esta nueva oportunidad permite ahondar en la búsqueda de soluciones sencillas y ecológicas en un nuevo marco de respeto al medio ambiente. En este sentido, se opta por unos materiales en vez de otros; es decir, se prioriza el apresto de almidón por su naturaleza vegana ante la cola de conejo de origen animal, como posible ejemplo. La intersección del ser humano con el espacio y el entorno es la ropa, esa segunda piel más o menos fina, delicada, gruesa, impermeable o suave según la necesidad vital del momento. ORIGEN DEL TEMA Y ANTECEDENTES PERSONALES Las primeras experimentaciones se desarrollan durante los estudios de moda, la marca propia y el conocimiento de los textiles como material de creación. Este resulta maleable, flexible, o no tanto cuando son cueros o polipieles, lonetas gruesas, tejidos encerados, y son estos mismos los que más centran el interés. Todos ellos empiezan a requerir una mayor fuerza de unión, máquina especializada o una patilla adaptada, así como un manejo diferente a la hora de crear estructuras rígidas; es la micro-especialización. De tal forma que hay empresas de lonetas dedicadas sólo a la confección e instalación de este material o a su cuidado. Otras de cueros, otras de poli-piel y sus aplicaciones dado que cada material conlleva un universo propio auxiliar. Y es por esto mismo, que este trabajo se hace sabedor de la imposibilidad de abarcar todo, siendo solo una muestra realizada en un periodo de tiempo finito. Más tarde, en los estudios de Bellas Artes, la necesidad de construir soportes que se expandan en el espacio y sirvan como esqueletos volumétricos de estos objetos portables aparece con más fuerza y con ello se reaviva la ilusión de contar con nuevas herramientas. Se abre un mundo nuevo de posibilidades a explorar. Destacaría la obra de la autora el vacío interior (Fig.1) donde el objetivo de endurecer un pantalón llega a ser algo obsesivo probando con diferentes sustancias: primero con cola de carpintero y blanco de zinc, por ambas caras, y un resultado de insuficiente apresto, al que se le empieza a añadir más tarde, maicena como refuerzo, consiguiendo un endurecimiento mejorado. Se opta por un juego de luces nocturnas, tanto blancas como de neones para reforzar la sensación de vacío de la pieza. 8 Figura 1. Sofía Clari Rodríguez. El vacío interior 2018. También se han producido obras con una fusión entre escultura y piezas de vestir en otros trabajos durante los estudios de bellas artes: maderas de bastidores con textiles bordados y pintados, bronce en sandalia o ensambles conformando un zapato. Figura 2. Sofía Clari Rodríguez. Bastidor y estilismo I. Fotografía, rotuladores, acrílico y bordados. Infografía de montaje con todas las piezas en pared. Medidas: 150 cm x 200 cm. Figura 3. Sofia Clari Rodríguez. La vuelta de la infancia. Ensamble e impresión vinílica, 2019. Infografías en sala expositiva. 9 REFERENTES Referentes estéticos Como referentes generales podríamos comenzar por la fuente primaria, en referencia a la aparición en el tiempo, el diseño de moda. En cuanto a los primeros referentes estéticos, tendríamos que citar al renacimiento de la casa Schiaparelli, que conserva el matiz objetual de los primeros dadaístas y surrealistas 1 , un movimiento que abrazó amigablemente a su creadora Elsa Schiaparelli. Su nuevo director creativo, el tejano Daniel Roseberry y sus colecciones de alta costura incorporan el objeto a la prenda de una forma muy orgánica. Otra firma que explora las posibilidades del espacio que nos rodea y que introduce la escultura como sello de identidad en sus creaciones de alta costura es Loewe con el irlandés Jonathan Anderson, que experimenta con el espacio y hasta planta en las prendas, eso sí, de la mano de la española Paula Ulargui. En las colecciones de 2022 de ambas firmas se observan claras influencias del surrealismo, así como de artistas recientes de éxito popular como el escultor Jeff Koons. En esta línea es destacable también Iris van Herpen y sus colaboraciones con escultores cinéticos, sin olvidar a firmas como Craig Green. Figura 4. Colección Shiaparelli, 2022 - Colección Loewe, 2022 - Jeff koons, Balloon Dog, 2016. Figura 5. Craig Green – Moncler, 2022. Por otro lado, y a la inversa, situaríamos los artistas que trabajan con textil o se acercan al universo del vestir: Francis Upritchard con sus enigmáticas figuras vestidas, donde el estilismo y la prenda genera casi el discurso. Mientras el ser humano no mira a otra persona a los ojos, de arriba abajo, a menos que haya una cierta confianza, Upritchard da permiso a 1 Desde los años treinta Elsa Schiaparelli lanza al mercado colaboraciones con amigos surrealistas tales como Salvador Dalí, que le diseña productos como un bote de perfume exclusivo con forma de sol o una polverateléfono. 16 APORTACIONES ARTÍSTICAS Catalogación de la obra 1 Clari Rodriguez, Sofia Roots: vida simple o recuperar las buenas costumbres Mortero con escayola y cal, elementos vegetales sobre textil, y patrones de cartón (alto x ancho x fondo) 300 cm x 150 cm x 30 cm, 2022 Figura 11. Sofía Clari Rodríguez. Roots: vida simple o recuperar las buenas costumbres, 2022, instalación. Obra 1. Proceso y desarrollo La cal aparece y se integra como elemento purificador, desinfectante, transpirador, blanqueador, y esencial; como las prendas que nos visten, con sus patrones determinando la estructura y la construcción básicas. Cuando la vida se simplifica para dejar solo lo que suma todo aparece de un blanco cal ante los ojos. La cal como elemento identitario de Morón, (Sevilla) que generación tras generación ha sido capaz de transmitir el saber tradicional y ponerlo en valor, consiguiendo la declaración como Patrimonio inmaterial de la humanidad por parte de la Unesco y otras altas distinciones. Como defiende la Japonesa Ideko Yamashita, con el método DA-SHA-RI, Marie Kondo desde hace años, o el proyecto minimalista 333 (33 cosas para toda la temporada), la simplicidad, el orden y la recuperación o rescate de elementos básicos para nuestra vida pueden contribuir a una clara mejora del humor y bienestar general. 17 Figura 12. Sofía Clari Rodríguez. Roots: vida simple o recuperar las buenas costumbres, 2022, instalación. Se añaden al mortero de escayola, cal y cola, algunos fragmentos de musgo que en zonas estratégicas, persiguen conferir un aspecto orgánico, que le integre en el medio dándole un aspecto algo envejecido que de la sensación al espectador en la sala de que creció en la propia prenda. Los musgos simplemente cambian de color al secarse pasando de verde fresco a verde oscuro y de ocre vivo a ocre apagado, en el transcurso de la exposición. La guata en su interior, que aporta un halo algodonoso y algo más blanda o etérea, a su imagen, además de ofrecer una limpieza visual al reflejo en los espejos inferiores. La luz en su interior proviene de una bombilla de led que evita el calor excesivo. El tejido de algodón de la camisa absorbe mejor el mortero. El vestido, en cambio, reacciona de manera diferente al tener más composición sintética, por lo que se dan más capas y ajustes para igualar texturas. Figura 13. Sofía Clari Rodríguez. Proceso obra, 2022. Musgos trepadores incrustados. 18 Figura 14. Sofía Clari Rodríguez. Proceso obra, 2022. Secado al sol. Catalogación de la obra 2 Clari Rodriguez, Sofia Mi segunda piel: conexiónprotección. Duro y blando Fundición en bronce a la cera perdida 300 cm x 150 cm x 30 cm, 2022 Figura 15. Sofía Clari Rodríguez. Mi segunda piel: conexiónprotección. Duro y blando, fundición a la cera perdida. Obra 2. Proceso y desarrollo Objetivo: Explorar las interacciones entre la fundición artística y la indumentaria, pero siempre con la figura humana como baremo de medida. Este trabajo tiene como base discursiva el análisis de la segunda piel con texturas procedentes de textiles sutiles, que juegan con lo duro, lo blando, lo delicado pero rígido, lo metálico. Planteamos conectar 19 todas las pequeñas piezas con un hilo de cobre que construye nuestro universo íntimo, en cuanto a que son piezas que tocan directamente la piel. Jugar con la idea de lo duro y lo delicado, con la unión de contrarios como equilibrio del mundo. El calzado siempre está presente como recordatorio de la conexión a la madre tierra frente a la desconexión que trae el ruido exterior que nos desconecta de nosotros mismos. En el caso personal se aparece como necesidad de sobrevivir. En este sentido, el arte adquiere la connotación de terapia inevitable de vida con la conciencia de que la mejor forma de mejorar el mundo es mejorar el entorno inmediato, mimar lo cercano y los seres vivos más próximos. Si todo el mundo hiciera esto raramente se producirían conflictos y aun menos, guerras. Los metales provienen de la tierra, según la filosofía naturalista, la naturaleza es el único determinante de la existencia y de la conducta humana. A partir de esta visión, el hombre es una criatura de la naturaleza. Y ésta constituye el medio en el cual el hombre se desarrolla y vive. La naturaleza es el origen de todo lo que existe 4 . Según esta visión, el hombre es parte de la naturaleza y está sujeto a sus leyes. La naturaleza determina lo que el hombre es y lo que puede hacer. La naturaleza es una fuerza poderosa y está por encima del hombre. La naturaleza es inmutable y tiene un poder ciego. El hombre no puede cambiar la naturaleza. La naturaleza es la fuente de todo lo que es bueno y malo en el mundo. La naturaleza es una fuerza impersonal.Esta filosofía no ha sido muy tenida en cuenta en los últimos tiempos y claramente prevalece el mercantilismo. No es necesario esperar a que sea irreversible y se puede seguir interactuando modelando solo en nuestra imaginación. Es por esto que el medio digital resulta limpio en cuanto a dejar 0 residuos. La moda es el reflejo inconfundible de cada época, por eso va siendo hora de cambiar de patrón y devolver a la naturaleza lo que es de la naturaleza. Todo lo que llevamos puesto procede de una manera o de otra de la tierra, advierte Edwina Ehrman, comisaria de Fashioned by Nature, la exposición en el museo Victoria & Albert de Londres, que se asoma por primera vez al futuro de la moda sostenible. Ehrman opina que todos, incluidos los consumidores, formamos parte de los ciclos de la moda, que suelen imitar los ciclos de la naturaleza, pero que esa relación es cada vez más desigual. La moda lo toma todo de la naturaleza y no es poco lo que devuelve a cambio. Stella McCartney, diseñadora de moda e hija de la activista y fotógrafa vegetariana Linda McCartney y del ex-Beatle Sir Paul McCartney, piensa que hay que rediseñar por completo el mundo de la moda. Ha cedido varias piezas al V&A para la exposición Fashioned by Nature y hasta se anticipó a la misma con la presentación del informe titulado "una nueva economía textil". McCartney, además ha sido invitada a la cumbre mundial por el medio ambiente. El hecho de que la moda sostenible es moda aburrida es un tópico, y poco a poco se va logrando con la complicidad de los diseñadores más reconocidos y de las nuevas generaciones que aspiran a reflejar los valores del siglo XXI. Afortunadamente, cada vez más los medios se hacen eco de estos temas. Y es que la incorporación de los medios de comunicación ha sido uno de los grandes avances de este siglo, la retransmisión en vivo está permitiendo una mayor difusión y alcance a nivel mundial, siendo la moda un potente canal de difusión de mensajes. Al fin y al cabo, todos vestimos nuestros cuerpos. Esta sería la gran ventaja de este lenguaje, aunque tenga otras 4 Guattari, Vázquez Pérez, J., & Larraceleta, U. (1996). Las tres ecologías (2a ed.). Pre-Textos. 20 desventajas como su poder contaminante y consumista quedémonos solo con la acepción de la comunicación y su potencial mediático para comunicar ideas y mensajes. La utilidad y el significado de los objetos que transformamos o creamos es subjetiva, pero estas obras creadas son versátiles y destinadas a poder realizar infinidad de funciones: en conjunto o separadas; así La mano de cobre adquiere diversa funcionalidad; como tacón de sandalia, percha, maceta o receptáculo de flores. El anillo con flor que imita a un dedal en su aro, con textura de pequeños orificios, puede emplearse para coser, o ser usado como un complemento. El anillo doble actúa como refuerzo, la protección del dedo anular, o solo como anillo. El lazo funciona como colgante con una cadena, pajarita, cierre de bolso, decoración navideña o bien como obra. El anillo de-construido con orificios de formas orgánicas funciona como pequeña obra, como colgante o como anillo. El conjunto de las obras se presenta también interconectado; unido por hilos de cobre que relacionan las distintas partes conformando un universo propio, de la misma forma que cuando son obras portables forman, cada pieza, parte de un todo, de un look o estilismo. Se podría asemejar a un sistema circulatorio con sus venas y canales que se comunican y retro alimentan. Para su presentación como obra global, se sitúa sobre un fondo blanco de papel de seda algo arrugado simulando la apariencia del algodón o nubes como algo blandito en contraposición al propio material rígido. Mediante los sentidos, el metal se envuelve en una cierta calidez con formas sinuosas, uso de colores suaves tales como blanco puro o blanco roto y contrastes de elementos flexibles que los propios hilos de cobre aportan. Se podría hablar incluso de un acercamiento a lo frágil e imperecedero que resulta la propia piel o las plantas en cuanto se disgregan del conjunto y pasan a ser llevados o adquirir otra función. Tanto la indumentaria como la joyería se convierte en una especie de segunda piel protectora, al igual que en la naturaleza las hojas nuevas y más delicadas, salen de entre las más recias. Figura 16. Sofía Clari Rodríguez. Proceso obra, 2022. 21 Figura 17. Sofía Clari Rodríguez. Proceso obra, 2022. La idea de un interior brillante se proyecta en la pieza con acabados interiores igualmente lustrosos. Nuestra protección interior se hace imprescindible para poder cuidar el exterior, el autocuidado bien entendido, el autoconocimiento y entendimiento del funcionamiento de la humanidad como forma de aceptar y fluir. Tan solo desde ahí se pueden realizar los grandes cambios muchas veces; sin grandes aspavientos y desde la reflexión de una profunda investigación o viaje a las profundidades de nuestra esencia. Figura 18. Sofía Clari Rodríguez. Detalles. Ante la imposibilidad de este brillo a menudo se crean corazas exteriores, tan duras e infranqueables como las creadas desde la infancia, las que conforman el ego, el patrón de conducta, el mismo que nos ayudó a integrarnos en una sociedad de adultos y el mismo al que hemos de ponerle conciencia. 22 Figura 19. Sofía Clari Rodríguez. Detalles. Figura 20. Sofía Clari Rodríguez. Detalles. Figura 21. Sofía Clari Rodríguez. Detalles de la obra y proceso. 23 De la idea al dibujo La idea a realizar consiste en un sujetador en bronce, junto con otras pequeñas piezas que conforman el universo propio y una segunda piel, lo inmediato a ésta; una pajarita o lazo, un fragmento de dedo-anillo, un mini anillo-dedal, un anillo doble y una mano-tacón de zapato con base de chapa de aluminio. Todas las piezas se proyectan con la intención de que puedan funcionar tanto como pieza artística unida que construye el universo, como piezas llevables en una sesión de fotos con modelo y como parte del estilismo. El modelo en cera El sujetador es sumergido en la cera con la técnica de la veladura. Los tirantes son separados para facilitar el manejo dado el fino grosor de éstos. A la vez se modelan el resto de piezas en cera manualmente. Será necesario modelar, retocar, pulir y soldar bien las uniones. Tras todo esto, guardar las piezas de cera en un lugar fresco; en nuestro caso en una habitación refrigerada. El siguiente paso será hacer el árbol de colada, bañarla en sucesivas capas de revestimientos, eliminar la cera y ya la tendremos lista para pasar al vertido del bronce en su interior. Catalogación de la obra 3 Clari Rodriguez, Sofia Serie de dos piezas escultóricas textiles estampadas con serigrafía y pintura acrílica. 1- Pieza textil. Titulo: “conexión tierra y pisada en el corazón”, volumetría textil: serigrafía sobre tejido blanco de seda e hilo metálico, madera policromada, soporte hierro, medidas: 90 x 75 cm pieza, 158 cm de altura soporte, 2022. 2- Pieza textil. Titulo: “conexión tierra y pisada en las vueltas de la vida”, volumetría textil: serigrafía sobre tejido blanco de seda e hilo metálico plegado, serigrafía sobre denim, entretelas, ballenas y aprestos, medidas: 90 x 50 x 70cm. Obra. Desarrollo y proceso 24 Figura 22. Sofía Clari Rodríguez. conexión tierra y pisada en el corazón y conexión tierra y pisada en las vueltas de la vida, 2022, escultura textil. Versión sobre modelo humana Desde el momento de su creación las piezas están pensadas para interactuar con el espacio y los elementos que en éste habitan; por ejemplo, el modelo humano. Figura 23. Sofía Clari Rodríguez. Conexión tierra y pisada en el corazón y Conexión tierra y pisada en las vueltas de la vida, 2022. 25 Este trabajo ahonda e investiga sobre la volumetría y el textil y sus formas de apresto en las diferentes materias textiles. Usando ballenas para construir aristas, cosiéndolas, entretelas para endurecer, cola de conejo y almidón o materiales como seda e hilo de alambre, denim, lienzo de algodón con refuerzo de varias capas y planchado de arruga sobre entretela que la pega y fija. Figura 24. Sofía Clari Rodríguez. Detalles de la pieza anterior. La técnica de nido de abeja 5 es tan complicada como la propia vida y sus entramados. Consiste en tiras cosidas entre sí mismas con una alternancia como si de un panal de abejas se tratara. La parte superior, una pieza de círculos textiles en color blanco, se compone de dos capas, una interior, en tejido denim vaquero de algodón, con los mismos motivos pintados en rojo; zapatos y botas, fundamentalmente (de nuevo aparece misma idea del sujetador en bronce que cuida lo que no se ve). Se ha aplicado cola de conejo a los círculos de tejido para aprestarlo y es reforzado con ballenas. Los estampados interiores no se ven, pero lucen decorados también de la misma forma. La moda está dentro de las dos industrias más contaminantes del mundo, tan solo superada por la del petróleo. El planeta lleva tiempo viéndose afectado por las consecuencias de nuestros excesos y este proyecto pretende evidenciar desde el arte el mundo de contrastes del que somos arquitectos y partícipes. Por este motivo, todos los materiales utilizados en este trabajo lo constituyen restos de stock que estaban guardados en una habitación. Podemos comprobar en numerosos estudios, películas, artículos o documentales como The True Cost, cómo la moda low cost, o ropa de bajo precio, supone un desahogo económico para el consumidor, pero termina generando un costo más alto en el medio ambiente. Según el Enviromental Justice Foundation, para crear un par de jeans se requiere un kilo de algodón y entre 10.000 a 17.000 litros de agua. De hecho, gran parte del consumo de agua en el mundo está destinado para los cultivos de algodón, además de los pesticidas que se deben utilizar para este cultivo. Sin embargo, la cantidad de ropa usada que se desecha es ingente; por lo que el futuro está obligado a hacer upcycling, pero...¿qué es exactamente esto? Todas las piezas de este trabajo son recicladas, pero...¿es esto upcycling? Supuestamente sí; todo lo que sea transformado y mejorado si lo es. 5 WOLF, C. The art of manipulating fabric. Wisconsin: Krause Publications,1996. 32 La basura convive con plantaciones de alimentos formando, a veces, parte del paisaje en espacios protegidos pero abandonados. Muchos granos de arena hacen una montaña. Y es por esto que, desde el arte, la cultura, la música, la moda, se puede convertir cualquier tema en actualidad candente y aparecer como tema “trending topic”, pudiendo de esta forma actuar como factores de cambio social. Desde lo agradable resulta más amable una reflexión, sin la alarma culpante de los informativos. Activistas que arrojan comida a cuadros aparecen como un recordatorio incómodo a las autoridades para que no vuelvan a sus “prioridades económicas”. ¿Que tendrán los jóvenes que hacen esas acciones en su futuro? Si apuntan algunas fuentes que para 2050 ya habrá más plásticos que peces o que la principal causa de muerte será la resistencia a los virus, es fácil visualizarlos con 50 años y un panorama poco halagüeño. El arte también posee la capacidad de transformar en belleza poética el caos de los paisajes con botellas de plástico plantadas y poder contemplarlos con la sonrisa de una madre que riñe y luego abraza. DESARROLLO TEÓRICO DEL TRABAJO 1. La creación artística del diseñador de moda La mayoría de diseñadores que aplican técnicas escultóricas realizan sus colecciones gracias a colaboraciones con expertos en otras materias, aunque en los comienzos y cuando aún no son conocidos asumen todo el proceso. Este trabajo quiere acercar dos mundos separados pero que cada día más se funden en infinidad de situaciones; se trata del volumen escultórico que se une a esa segunda piel que es todo lo que el ser humano lleva sobre el cuerpo, vestimenta, y cómo interactúa esto con el espacio circundante. Una de las definiciones de arte 6 es: actividad humana que tiene como finalidad la creación de obra cultural. La moda, también, es una forma de expresión individual que resulta un reflejo de la sociedad. Dentro de la industria de la moda existen diferentes gamas: fast fashion, pret a Porter y la gama alta, o lo que es lo mismo, alta costura. Esta última es creada bajo altos estándares de calidad que cada firma debe cumplir, avalados por el instituto de Alta Costura de París. Cada año, el Museo Metropolitano de Arte presenta una exposición temática. El reflejo cultural extraído de la indumentaria es por lo general, una referencia a un punto o periodo histórico específico. Estas prendas adquieren un valor artístico especial que complementa la exposición y que reafirma a la moda como expresión artística. ¿Cuándo se puede considerar arte una prenda? Dejando de lado la parte comercial del arte o su mercado, al que va dirigido el arte, su consumo y apreciación, el verdadero significado de una pieza de arte es provocar una sensación en quien lo observa, un deleite para los sentidos. Es una obra que logra un sentido estético a través de su significado, argumento y proceso. La artesanía, se podría considerar algo parecido a una madre del arte. 6 Adrian Jimenez analiza para Coolhuntermx.com el arte y la moda, 2019. 33 Las artesanías fueron el inicio para dar paso al arte. No podemos encasillar al arte en conceptos cerrados, debemos entenderlo en constante movimiento. La diferencia entre arte, artesanía y diseño es importante para comprenderlo. Una artesanía es aprendida con la experiencia, siguiendo unos conocimientos tradicionales. El arte es libre, rompedor y tiene parámetros intelectuales. El diseño, en cambio, responde mejor a lo práctico y comercial. Es justo el proceso de elaboración y significado lo que diferencia a la vestimenta para poder definirla como arte. Esta intelectualidad podría marcar la transición del artesano a artista. La evolución continua de las tres ramas: arte, artesanía y diseño, se ve afectada por la tecnología y la demanda de la sociedad. Los avances de herramientas y su aplicación a la creación alientan el progreso de los procesos artesanales. ¿Cómo se aplica esto a la moda? La moda y el arte tienen la misma naturaleza que la estética. Si miramos las piezas creadas por la diseñadora Iris Van Herpen, podemos ver el aprovechamiento de la tecnología fusionado con procesos manuales de alta calidad. Cuando los procesos artesanales se encuentran con un concepto y ahondan en ese terreno podríamos tener una pieza de arte. Algunos diseñadores o casas que siguen esta línea son Junya Watanabe, Craig Green, Thom Browne, Balenciaga o Leandro Cano. Sus piezas tienen una carga cultural, artística y procesual que logran romper moldes de moda rápida y acercarse al mundo del arte para convertir las prendas en verdaderas obras de arte y piezas únicas dignas del mejor coleccionismo. 2. Escultura y Moda a lo largo de la historia Podría decirse que la escultura es el arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales en los que se podría incluir también los textiles. Se caracteriza por la creación de volúmenes y espacios por parte del artista escultor. La escultura posee sus técnicas y procedimientos entre los que podemos citar la talla, el modelado, la construcción. Además encontramos el uso de materiales y medios específicos, aunque la escultura contemporánea comprende técnicas y lenguajes más actuales mostrándose abierta a hibridaciones y soportes materiales nuevos. El arte de las siluetas y formas es la geometría, las líneas no sólo se encuentran en museos, cuadros o esculturas de artistas de renombre. El relieve y la estructura poseen un peso grande en la moda. Piezas escultóricas en su forma, arriesgadas en su proceso y atractivas en su estética son las protagonistas de este trabajo, dedicado a profundizar en la comparativa visual de la moda y la escultura. Se expondrán obras de algunos de los diseñadores que más han destacado con sus diseños escultóricos pero antes haremos un breve repaso histórico. La estructura o armazón del vestido: diferencias entre crinolina, polisón y miriñaque La crinolina surge hacia 1840 cuando el “primer romntico” impone faldas cada vez más voluminosas (se llegaron a usar hasta 8 enaguas). La crinolina era, en un principio, una sola enagua con tiras de pelo de caballo y forradas en tela. Esta estructura estaba unida entre sí con cintas o fino alambre, armando las faldas. La crinolina sustituyó a 6 enaguas, y las damas usaban vestidos más livianos. El miriñaque surge en 1855, durante el segundo periodo romántico. Las faldas se amplían de tal forma que era necesario reforzar la crinolina. El miriñaque 7 está formado por círculos 7 AKIKO, F.; TAMAMI, S.; IWAGAMI, M.; KOGA, R.; NII, R.; HENDRICKS y J.; LOHRMANN, I. Moda, una historia desde el siglo XVIII al siglo XX. Taschen, 2018. 34 de alambre o mimbre de menor a mayor, llegando hasta el suelo. Este armazón rígido resultaba muy incómodo para sentarse, vestirse sola y corría el peligro de levantarse con un golpe de aire, mostrando “zonas indeseables”. Aun así, se usó hasta 1869. El miriñaque surgió a partir de otro armazón impuesto en España, en 1500, apodado “guarda-infante”, ya que servía también para ocultar embarazos, al caer desde el vientre. El Polisón aparece en 1870 y reemplazó al miriñaque. Era un armazón de mimbre, formado con telas rígidas colocado en la parte trasera y atado con cintas a la cintura. Toda la importancia del vestido se fue “hacia atrs”, recogiendo allí la falda superior y cayendo en cascadas formando largas colas. Figura 35. Miriñaque (arriba) y Polisón (abajo). Influencias de edificios y esculturas en la moda Muchos diseñadores, arquitectos y escultores han hecho uso de estructuras similares a las descritas, siendo ambas fuentes de inspiración, especialmente la arquitectura para la moda. Algunos ejemplos podrían ser los siguientes: 35 Figura 36. La ópera de Sydney y Victor and Rolf en 2010. Figura 37. Diseño de Yohji Yamamoto Inspirado en el Walt Disney Concert Hall de Frank Ghery. Figura 38. Ankita Agrawal,2022. Architecture is Just Fashion – slowed down and scaled up. 36 Figura 39. Exposición de esculturas en vidrio de Karen LaMonte instaladas entre obras de arte antiguas, Norfolk, Virginia, 2009. Figura 40. La artista japonesa Yayoi Kusama y la firma de lujo francesa Louis Vuitton, 2013: esculturas cermicas “infinitiy nets” con lunares. Figura 41. Elsa Schiaparelli, 1937 y columna vertebral de aluminio de Alexander McQueen, 1998. 37 Figura 42. De Cleopatra a Delaunay y de ésta a Schiaparelli, pecho esculpido; un largo recorrido en la historia. 3. Recursos simbólicos para componer volúmenes La forma, es muy importante en la expresividad de un determinado diseño. El círculo El círculo evoca eternidad y plenitud. Representa la comunidad o la unión. Casi siempre, la curva se asocia a la feminidad, y con frecuencia, resulta más amigable que el cuadrado o el rectángulo con sus puntiagudos y punzantes picos. Los círculos no tienen puntos de comienzo o final, y es por esto que ayudan a representar el movimiento. La imagen del diseñador Leandro Cano (Fig. 43) cambiaría considerablemente en impacto visual si se eliminara de su pieza, la forma circular. Con elementos rígidos plásticos, de poco peso, como ballenas se puede conseguir un volumen circular adaptado a una base lineal en contraste. Se podrá fijar con ballenas de coser que permiten ser unidas gracias a su superficie microperforada o bien con ballenas plásticas de mayor grosor insertadas. También podemos emplear varillas metálicas si se requiere peso o una rigidez más estable que no demande flexibilidad. Figura 43. Leandro Cano, 2021; Yohji Yamamoto, 1988 y Junya Watanabe 1999. 38 El cuadrado / rectángulo Las formas rectas como la del cuadrado y el rectángulo representan aplomo, seguridad, solera, estabilidad y orden. A diferencia del círculo, las formas cuadradas simbolizan en general la seriedad, cosa que cambiaría si se girara un rectángulo y sus líneas se volvieran oblicuas. Si observamos el logotipo de la casa Loewe y el de Vivienne Westwood podemos ver las diferencias acordes a la identidad de la marca. El tocado de Alexander McQueen (Fig.44) tiene forma rectangular que le aporta seriedad. Figura 44. Fotos desfile Alexander McQueen primavera-verano 2013. El formato La superficie interior, y las relaciones de proporcionalidad de sus lados, así como el tamaño de la misma, dan lugar a lo que entendemos por formato. Las esquinas o ángulos de la fotografía cuadrada determinan un efecto direccional, que actúa sobre el conjunto de la composición, de tal manera que los superiores marcan direcciones ascendentes, al contrario que los inferiores. Para evitar este efecto se puede seccionar la figura con margen a modo recortable o justo en su borde por medios digitales o manuales. La proporción y orientación del marco presenta unas cualidades emotivas diferentes que transmite al conjunto de la composición. El triángulo Debido a su alta significación en la religión, el triángulo es imagen de poder y energía en cualquier composición. Los triángulos representan también el equilibrio, debido a sus tres lados. El triángulo puede dar sensación de movimiento hacia arriba en este caso por ser la dirección que apunta. La diseñadora gallega/suiza Sheila Pazos (Fig.45), eleva el conjunto a una reminiscencia casi eclesiástica con el tocado con forma triangular. La falda de Vladimir karaleev color hueso (Fig.45), se podría realizar a partir de un polígono de loneta, tejido almidonado o vaquero y asegurando el cierre con algo como un juego de machos y hembras, corchetes, etc. En el caso de la chaqueta amarilla publicada en Vogue China (Fig.45), se ha conseguido el impacto con una base triangular rígida forrada de una simulación de chaqueta. En este caso particular, la pieza adquiere un gran impacto visual que se refuerza con una fotografía en un ligero contrapicado y sombras muy marcadas. 39 Figura 45. Desfile de Sheila Pazos en Samsung EGO 2016, Vladimir karaleev 2012 y Vogue China, 2011. Forma y composición: el punto y la línea La expresividad viene determinada por los elementos formales del campo visual y las relaciones que se establecen entre ellos y el propio campo. El punto Es el elemento más simple del campo visual. Conceptualmente es invisible. Indica posición. No tiene dimensiones. Su forma puede ser muy variada, así como su tamaño y color. Los puntos agrupados sugieren cosas y formas para el cerebro que los agrupa. Los puntos pueden crear contornos, ayudan a formar patrones y generan focos o centros principales de atención. Otras veces se crea una agrupación de puntos que dirijan la mirada hacia un centro o foco de interés. Esta agrupación puede ser mediante figuras geométricas, por ejemplo: círculos concéntricos, triángulos, etc. Los puntos originan formas que la mente interpreta. Por ejemplo, tres puntos unidos visualmente configuran un triángulo. La línea Conceptualmente la línea es un punto en movimiento. Plásticamente puede ser recta, curva, ondulada, quebrada, mixta, variable en espesor, color, bordes y extremos. Tiene la capacidad de describir la forma de las cosas, es decir, el aspecto externo que los objetos ofrecen a nuestra visión. Muestra las características estructurales de cualquier objeto.A la línea se la atribuye un simbolismo por el que las líneas: Horizontales, transmiten sensaciones de estabilidad, quietud, reposo, tranquilidad. Verticales, poder, fuerza, hieratismo, espiritualidad, elevación. Oblicuas, inestabilidad, confusión, profundidad, alejamiento.Quebradas, dureza, dramatismo, violencia. Onduladas, sensualidad, suavidad, movimiento, vibración, elevación, serenidad. 40 Quebradas o que concurren en un punto, aportan energía, drama.Movimiento, caída, e incluso sensibilidad. De esta forma, artistas como Sol Lewit, estudian el movimiento de las líneas a base de repetición o contraste. La firma Balmain, lo lleva a su terreno para crear figuras ópticas que engañan a los sentidos mediante estampados trampantojos. Figura 46. Balmain primavera verano 2020 y Sol Lewit, Centro Pompidou-Metz, 2012. Las líneas horizontales Las líneas horizontales inspiran calma, serenidad y estabilidad en general, efecto que se acentúa cuanta más diferencia hay entre la anchura y la altura. Sin embargo, en algunos casos, pueden representar el movimiento y la velocidad, dependiendo del contexto. La prenda de Rei kawakibo para Comme des Garçons (Fig. 47), presenta una estabilidad de líneas horizontales que se rompe con las líneas quebradas de la falda, complementándose en estos dos movimientos. De esta forma se elimina la sensación de peso y se eleva a una de flotabilidad. Este tipo de formatos, en su variedad, es usado en temas de todo tipo, pero su ejemplo más clarificador es su aplicación al paisaje y a escenas donde se desarrolla la acción en el exterior. Las líneas verticales Las líneas verticales, representan la fuerza, la elegancia, el heroísmo. Ya que apuntan hacia arriba, pueden aportar un aire de superioridad y de fuerza al diseño. En la figura 47, bajo estas líneas, perteneciente a un diseño digital de Antoni Tudisco, se puede imaginar cómo cambiaría sin las líneas verticales amarillas que otorgan gran fuerza y estilización de formas. Un formato marcadamente vertical proporciona sensaciones de equilibrio y altura. Están relacionadas también, con temas de carácter religioso, pues potencia el efecto ascendente de lo espiritual. Recuérdese muchas composiciones de El Greco. 41 Figura 47. Antoni Tudisco, 2018 y Comme des Garçons, 2018. El peso Otra idea interesante a la hora de generar sensaciones estéticas es la de situar el grueso de la composición en función del eje principal. En la exposición celebrada en el Met en 2017, Rei Kawakubo (Fig.48), coloca el elemento más voluminoso, llamativo y distinto en cuanto a color en el centro, equilibrando la composición y dirigiendo la mirada hacia este lugar. Figura 48. Exposición en el Met de Rei Kawakubo, 2017 La simetría Como recurso para componer, se puede ordenar el montaje a base de semejanzas en las diferentes partes, como en las dos laterales por colores (Fig. 48). Transmiten equilibrio, serenidad y un alto grado de grandiosidad, aunque la simetría como estrategia compositiva llevada a extremos, puede resultar aburrida y excesivamente esquemática. En este conjunto de Iris Van Herpen (Fig.49), la simetría serena el efecto de la complejidad de las líneas, restando sensación caótica. 48 Cuando el resultado de este conjunto da lugar un esquema vertical, el equilibrio también es estático y de una gran fuerza. Si sus resultantes son direcciones oblicuas, se crea un equilibrio dinámico. Si el conjunto son direcciones convergentes, se puede crear una composición equilibrada muy compleja de formas caóticas y de gran dinamismo. En el mítico vestido de madera de Yamamoto (Fig.57) las líneas de madera convergen en la cintura marcando la silueta popular de los años 90. Figura 58. Yohji Yamamoto ,1991. Dirección hacia cintura. El volumen por Plegados El origami o papiroflexia 9 , es, originalmente, la técnica de doblar papel sin usar tijeras ni pegamento, aunque en Japón tiene tintes espirituales. En su colección de final de grado Yuki Hagino hace homenaje a sus orígenes orientales. Situando el origami sobre tela 10 y en puntos estratégicos, el plegado adquiere una visión más contemporánea y fresca con su aplicación en tejido. La exageración de escala como estrategia compositiva hace el resto. Es necesario probar el apresto aplicado al tejido ya que el resultado dependerá de la composición del tejido. Apresto para plancha, el clásico para endurecer zonas como cuellos, cola de conejo o almidón son sustancias usadas para endurecer telas. También se le puede fijar mediante calor y plancha, una entretela, bien gruesa o bien fina, que con su pegamento forma una doble capa. Lo mejor de todas formas, es seleccionar materiales que se prestan fácilmente a ser modelados, como tejido con hilo metálico en su composición. Un tejido de 9 JACKSON, P. El gran libro del plegado: Tcnicas de plegado para diseadores y arquitectos 2. Barcelona: Promopress, 2015. 10 TREBBI, MISRAHI VALLÈS, A., Cos Pinto, J. de, Misrahi Vallès, A., & Cos Pinto, J. de. El arte del plegado: formas creativas en diseño y arquitectura. Promopress, 2012. 49 algodón con apresto de almidón de arroz o maicena puede ser suficiente para fijar plegados en el textil y que se queden fijos. Aunque es necesario probar el apresto aplicado al tejido ya que el resultado dependerá de la composición del tejido y la textura de la entretela. Figura 59. Yuki Hagino’s BA collection final, Central Saint, 2013. 4. El espacio circundante entre el cuerpo y la prenda Las prendas de vestir contribuyen a construir la representación del “yo”; socialmente, espacialmente y como decoración del cuerpo. La vestibilidad Es la selección que se establece entre la longitud y la amplitud de una prenda y el espacio de movimiento existente entre el tejido y el cuerpo. Técnicamente se expresa en centímetros que se añaden en determinados puntos del modelo. El proceso de vestibilidad se expresa en tablas específicas que, según el tipo de tejido y la línea, ofrecen una mayor o menor amplitud a la prenda que se va a confeccionar. Cuanto más elástico sea un tejido, menor será el grado de vestibilidad, mientras que cuanto más pesado y apto para la confección sea, mayor grado tendrá. Cuando se cambia de tejido utilizando el mismo modelo, a veces es necesario modificar el grado de vestibilidad para permitir que la prenda pueda vestir el cuerpo cómodamente. Es, en definitiva, la capacidad mínima (amplitud) que se incrementa al patrón. 50 Figura 60. Porcentajes incremento vestibilidad, 2015. Figura 61. Bases perceptivo motrices del espacio en primaria, 2010. El Cuerpo Foucault establece que las relaciones de poder operan sobre el cuerpo cercándolo, marcándolo, domándolo, sometiéndolo y exigiendo del mismo unos signos. El cuerpo en la moda es un cuerpo aprisionado y un cuerpo que produce. La industria marca las normas, responde a tiempos y formas, a cambios de estaciones y a contextos específicos que demandan una prenda particular y a la vez, el cuerpo invadido por el poder produce discursos, genera sensaciones, comunica signos. 51 Por otro lado, Andrea Saltzman, en el cuerpo diseñado 11 , estudia la relación entre cuerpo, vestimenta y espacio como algo experimental, ligada al arte y sobre todo, social, considerando el vestuario como el nexo entre la persona y su entorno, entender qué es lo que se viste y sus necesidades de movimiento. Figura 62. Lo que el viento se llevó, 1939 y pies de mujer china de principios de S XX. El cuerpo Anatomía, proporciones y articulaciones, entender qué es lo que se viste y sus necesidades de movimiento. Si nos encontramos con una escultura “portable”, el cuerpo se convierte en lo que podría ser una peana que engarza una determinada escultura. En este caso, el soporte es móvil, transita el espacio y tiene unas características especiales que obligan a pensar, antes de nada, donde se va a colocar la obra y como se va a adaptar a este cuerpo, el peso con respecto a la base, la elasticidad, la capacidad de roce, de movimiento, la maleabilidad entre otros factores. Figura 63. Andrea Saltzman, el cuerpo diseñado, 2005. Identidad y espacio Se puede abordar el análisis de la ropa como espacio personal y experimental de una supuesta actriz que crea un personaje. El vestuario como medio de construir el drama. Se intenta explorar la experiencia del ser en la tarea de vestir al personaje. Partiendo del cuerpo 11 SALTZMAN, A. El cuerpo diseñado sobre la forma de la vestimenta. Buenos Aires: Paidós, 2005. 52 como una zona de encuentro, percepción única individual o colectiva. El propósito puede ser comprender el vestir como una experiencia vivida, donde el cuerpo es la casa del personaje, su motor, susceptible de sufrir cambios dependiendo de las posibilidades expresivas del vestuario en la construcción de su identidad dramática. Un Personaje con Identidad, que coloca entre las variables en juego, dentro de los procesos de configuración de su espacialidad, rasgos que se transfieren a la imagen conformando un discurso de pertenencia y carácter arraigada a su existencia poética, el Vestuario. 6. Construcción sobre el cuerpo. Desarrollo plano del volumen El mundo de la moda está en constante evolución y desarrollo en todos los ámbitos que comprende y el estudio de su relación con el cuerpo, el volumen a que responde obviamente, no queda fuera de este espectro de investigación y desarrollo. En este sentido, el maniquí que podríamos denominar “el lter ego” del ser humano también ha tenido una evolución formal y material a lo largo del discurrir histórico de la moda. En 2018, la firma francesa Euveka start-up, que se especializa en tecnologías robóticas relacionadas con la morfología y la biomimética, lanzó el maniquí inteligente EMINEO. Esta empresa fabrica y desarrolla robots-maniquíes evolutivos y conectados, impulsados por un software de diseño dedicado a profesionales textiles, desde alta costura hasta prêt-à-porter, pero también en sectores más técnicos como el deportivo, médico y aeroespacial. Emineo es su maniquí de mujer robot biomimético y conectado, el primer robotmaniquí, con un cambio de forma instantáneo para ayudar a los profesionales textiles hacia una visión 4.0 de la moda. Reproduce en menos de treinta segundos la evolución del cuerpo humano, lo más cerca posible de la edad y los morfotipos. En este campo son interesantes estudios como los de Rickard Lindqvist, especialista en diseño virtual de moda que lidera la investigación a partir de las líneas de Langer, que “marcan la tensión en la piel y que se utilizan en cirugía, para entender cómo la piel se expande en los cuerpos en movimiento, y las toma como modelo para diseños flexibles pensando en cuerpos dinámicos”. En 2015 presentó la tesis doctoral Kinetic Garment Construction (construcción de moda cinética), esbozando un modelo teórico alternativo para el diseño de moda. 12 Esta investigación tiene en cuenta el movimiento del cuerpo 13 , la cinética, en vez de las medidas horizontales y verticales que usamos siempre generando un tipo de patrón diferentes. Véase la diferencia en el patronaje o desarrollo plano de una chaqueta de la forma tradicional a la izquierda y otra según el estudio de Lindqvist (Fig.64). De igual forma, la sudadera de color mostaza de la misma figura presenta líneas de unión distintas a las que estamos acostumbrados a vestir. 12 BAU, Centro Universitario de Artes y Diseño de Barcelona. Universidad de Vic. baued.es(en línea). 2022 [consulta: 21 noviembre 2022]. Disponible en: https://www.baued.es/profesores/rickard-lindqvist 13 LINDQVIST, R. Kinetic garment construction. Remarks on the foundation of pattern cutting. University of Borás (Ph.D. thesis): Lars Hallnas, 2015. 53 Figura 64. LINDQVIST, R. Kinetic garment construction. 2015. En esta misma línea de experimentación con el desarrollo plano, se podría mencionar al británico Julian Roberts que crea el método “subtraction cutting”, que consiste en extraer tejido para que sea ocupado por el cuerpo en vez de añadir este al método tradicional. 54 Figura 65. Julian Roberts, Free cutting, 2016. También destacable es el Método Accidental Cutting 14 creado por la diseñadora y profesora polaca Eva Izsoro. En este caso, mediante patrones aleatorios, la arquitecta y diseñadora, construye formas nuevas uniéndose de forma creativa y aleatoria. Afincada en España, desfila en la semana de la moda de Londres con colecciones creadas virtualmente con CLO3D y videos que luego muestra en galerías como obras artísticas de videoarte. Figura 66. Método Accidental cutting, 2012. 14 ISZORO, E. Métodos directos de patronaje creativo. Didáctica y experimentación. Tesis doctoral, Universidad Politécnica de Madrid. 2016. 55 Otras construcciones sobre el cuerpo Figura 67. Sofía Clari Rodríguez. Vistiendo el cuerpo con un árbol, 2022, fotografía. Figura 68. Neri Oxman, Prenda creada a base de microorganismos con crecimiento controlado, 2021. Figura 69. Fina Miralles, Soy todas las que he sido, 2021. 56 7. Técnicas escultóricas aplicadas a la vestimenta Ensamblar La idea de integrar elementos de procedencia diversa, con la intención de configurar un objeto susceptible de ser juzgado como una pieza escultórica que forma un todo está, a menudo, presente en la tradición histórica (la imaginería, por ejemplo), aunque el desarrollo de la idea de escultura como construcción, tanto en su dimensión técnica como conceptual, está estrictamente ligado a las aspiraciones del arte contemporáneo. Cuando estos objetos se unen en un cuerpo único el resultado se denomina assemblage. En todo caso, el volumen resultante es susceptible de ser transformado en otro material. Figura 70. Hussein Chalayan, Aeroplane dress, A/W 1999. Modelar Se puede considerar la escultura como el resultado de un proceso de sustracción aunque hay varios procedimientos donde el volumen se consigue mediante un concepto inverso, el de la adición. De cualquier manera, la escultura también ha evolucionado, como la moda, y no se puede circunscribir a una técnica u otra. La ocupación o relleno del espacio escultórico mediante la manipulación de materia blanda (barro, cerámica, yeso o cera) hasta alcanzar la forma deseada es uno de ellos. Estos materiales son trabajados con puntas de madera, diferentes tipos de paletas y paletillas, paños o tejidos húmedos y, sobre todo, la mano, que otorga una dimensión creativa directa a la obra. En el caso de la pieza escultórica modelada es necesario diferenciar la que constituye una obra final concebida como tal y la que supone parte del proceso que desembocará en la obra definitiva, bien en piedra o bien fundida. 57 Figura 71. Top con cerámica cosida a plástico de Todomuta para Leandro Cano, 2011. Esculpir y tallar La eliminación de materia de un bloque de piedra o madera, que son los materiales más comunes, hasta llegar a la forma deseada, representa la noción más profunda de la escultura como arte. 15 Entre las rocas más utilizadas estaría el mármol. También son habituales otros materiales pétreos como el alabastro, la piedra caliza o el granito, y orgánicos, como el hueso o el marfil. Será necesario tener en cuenta la rigidez del material a la hora de plantear la funcionalidad de la prenda. El vestido de Leandro Cano en colaboración con artesanos de la madera (Fig. 72), tallado e inspirado en las potencias de las vírgenes, se podría considerar una escultura portable. Figura 72. Leandro Cano: potencias de madera, 2011 y Schiaparelli 2022. 15 MIDGLEY, B. Guía completa de escultura, modelado y cerámica. Barcelona: Hermann Blume, 2015. 64 Kirigami Issey Miyake 19 utilizó el “presionado con metal” para mostrar figuras geométricas aplastadas que se convertían en prendas de vestir 20 . Al abrir los cortes en muy pequeña escala queda un gran espacio de aire. También se podría conseguir el mismo efecto uniendo líneas de plástico o cualquier material rígido y fijándolo a un extremo. Véase imagen derecha (Fig. 83). Figura 83. Dezeen bag, composición con bridas, The Chromat Hyperboloid Dress I, el vestido diseño 3D que parte de una fórmula matemática e Iris Van Herpen 2012. CONCLUSIONES Tras un periodo de investigación de dos años sobre las interacciones que tienen el mundo de la escultura y el de la vestimenta, sus formas de crear volúmenes y aplicarlos a las distintas indumentarias para el ser humano con un enfoque siempre artístico y como forma de expresión, podríamos decir que, se finaliza en este punto con la sensación de haber establecido un lazo algo más estrecho entre ambos mundos. Queda la esperanza de que sirva al menos para perder el miedo a la hora de hacer prototipos y utilizar materiales e instrumentos inusuales, tanto para artistas como diseñadores, aunque en un proceso de comercialización se acuda a un taller especializado, más dotado de herramientas y experiencia, si fuera necesario una mayor profesionalidad en los acabados. El realizar la pieza de forma manual facilita también el poder ir a un taller con las cosas más claras; la herramienta 3D y sobre todo Clo3D son muy útiles, pero en estos casos no siempre funciona correctamente, aunque hay que reconocer que en textiles y prendas el medio digital con el diseño 3D ahorra tiempo de pruebas en cuanto a caída de tejidos entre otras muchas cosas. Lo que no puede medir el programa aún son detalles del tipo de cómo se siente la persona con la prenda puesta, peso, olor, frío, textura…y todo esto con respecto al espacio circundante y las sensaciones. La segunda piel que habitualmente viste el ser humano en el S.XXI y sus líneas de corte responden a parámetros comerciales y económicos más que a una lógica ergonómica, principalmente en los tipos de vestuarios más lúdicos, aunque cada día, y en este segmento, aparece un tipo de consumidor que podría decirse que viste arte, o que recurre a éste como revulsivo. A modo de rebeldía libre esto permite expresar, viajar o experimentar sensaciones 19 FUKAI, A. Future Beauty 30 years of Japanese Fashion. London: Merrell Publishers, Barbican Art Gallery, 2011. 20 FRIEDMAN, R. P. Tejidos inteligentes para diseñadores. Badalona, Barcelona, España: Parramón, 2016. 65 diferentes, así como distinguirnos unos de los otros o quizás utilizarlo como forma de expresión en una era en la que el lenguaje visual desbanca a veces al verbal. Esta segunda piel es un vehículo de comunicación más en cuanto a colores, olores, sensaciones táctiles y visuales. BIBLIOGRAFÍA AKIKO, F.; TAMAMI, S.; IWAGAMI, M.; KOGA, R.; NII, R.; HENDRICKS y J.; LOHRMANN, I. Moda, una historia desde el siglo XVIII al siglo XX. Taschen, 2018 ALSINA, C. Geometría y moda. Secretos matemáticos del vestir. Madrid: Cataratas, 2019 BLUME, M. The Master of all of us. Balenciaga. New York: Farrar, Straus and Giroux, 2013 DUBURG, A.; VAN DER TOL. R, Drapeado. Arte y técnicas de creación de moda, Barcelona: Promopress, 2017 ENGLISH, B. Japanese Fashion Designers. The influence of Issey Miyake, Yohji Yamamoto and Rei Kawakubo. New York: Bloomsbury, 2019 ENTWISTLE, J. El cuerpo y la moda. Una visión sociológica. Barcelona: Paidós contextos, 2002 FLÜGEL, J.C. La psicología del vestido. Santa Cruz de Tenerife: Melusina, 2020 FLYNN, T. El cuerpo en la escultura. Madrid: Akal, 2002 FRIEDMAN, R. P. Tejidos inteligentes para diseñadores. Badalona, Barcelona, España: Parramón, 2016 FUKAI, A. Future Beauty 30 years of Japanese Fashion. London: Merrell Publishers, Barbican Art Gallery, 2011 GARDETTI, & Delgado Luque, M. L. Vestir un Mundo Sostenible : La Moda de Ser Humanos en una Industria Polémica. LID Editorial, 2018 GECZY, A. y KARAMINAS, V. Fashion and Art. Sydney, Australia: Berg, 2012 GUATTARI, Vázquez Pérez, J., & Larraceleta, U. Las tres ecologías (2a ed.). Pre-Textos, 1996 HOSKINS, S. 3D printing for artists, designers and makers. London: Blumsbury, 2018 JARRIGE, I. Kirigami. USA: Editorial de Vecchi, 2019 JACKSON, P. Cut and fold Techniques for Promotional Materials. London: Laurence King Publishing Ltd, 2013 JACKSON, P. Cut and fold Techniques for Pop Up designs. London: Laurence King Publishing Ltd, 2014 JACKSON, P. El gran libro del plegado: Tcnicas de plegado para diseadores y arquitectos 2. Barcelona: Promopress, 2015 66 KIISEL, K. Drapeados. Curso completo para crear prendas sobre un maniquí. Barcelona: Blume, 2015 KNOX, K. Alexander McQueen, genius of a generation. London: A&C Black, 2010 LINDQVIST, R. Kinetic garment construction. Remarks on the foundation of pattern cutting. University of Borás (Ph.D. thesis): Lars Hallnas, 2015 MARTIN, R. Costura sin patrones. Barcelona, Gustavo Gili, 2016 MATÍA MARTÍN. Procedimientos y materiales en la obra escultórica. Akal, 2009 MIDGLEY, B. Guía completa de escultura, modelado y cerámica. Barcelona: Hermann Blume, 2015 MITANI, J. Curved-folding origami design. London-New York: CRC Press (Taylor & Francis Group), 2019 NAKAMICHI, T. Pattern Magic: la magia del patronaje. Barcelona: Gustavo Gili, 2012 NAKAMICHI, T. Pattern Magic 2: la magia del patronaje. Barcelona: Gustavo Gili, 2011 NAKAMICHI, T. Pattern Magic 3: Tejidos elsticos. Barcelona: Gustavo Gili, 2013 RISSANEN, T.; McQUILLAN, H. Zero Waste fashion Design. London. New York: Bloomsbury, 2016 ROBERS, J. Free cutting. UK, 2016 SALTZMAN, A. El cuerpo diseñado sobre la forma de la vestimenta. Buenos Aires: Paidós, 2005 SATO, H. Drapeados. El arte de modelar prendas de vestir. Barcelona: GG moda, 2013 SATO, S. Transformational Reconstruction. California: Center for Pattern Desing, 2011 SEIVEWRIGHT, S. Diseo e investigacin. Barcelona: Editorial Gustavo Gili, 2013 SINCLAIR, C. Vogue on Christian Dior. New York, Abrams: 2016 SINGER, R. Costura creativa. 150 técnicas de manipulación de tejidos. Barcelona: Promopress, 2014 SOBEL, S. Draping Period Costumes: Classical Greek to Victorian. The Focal Press Costume Topic Series, Taylor and Francis Group, 2013 TREBBI, MISRAHI VALLÈS, A., Cos Pinto, J. de, Misrahi Vallès, A., & Cos Pinto, J. de. El arte del plegado: formas creativas en diseño y arquitectura. Promopress, 2012 WILLIAMS, G. Fashion China. Londres, U.K.: Thames & Hudson, 2015 WOLF, C. The art of manipulating fabric. Wisconsin: Krause Publications,1996 67 ZANON, Mº JOSE; VILLA MOSCARDO; D, GÓMEZ DE ALBACETE, J.F.; MENGUAL PÉREZ, I.: Fundición a la cera perdida con molde de cascarilla cerámica. Universidad de Elche, 2019. TESIS DOCTORALES ISZORO, E. Métodos directos de patronaje creativo. Didáctica y experimentación. Tesis doctoral, Universidad Politécnica de Madrid. 2016. WEBGRAFIA SCHIAPARELLI, Elsa, about, (en línea). 2022 (consulta: 10 de septiembre de 2022). Disponible en: https://www.schiaparelli.com SKULPTUR-PROJEKTE, (en línea). 2017 (consulta: 23 de septiembre de 2022). Disponible en: https://www.skulptur-projekte-archiv.de/en-us/2017/ TINE DE RUYSSER, (en línea). (consulta: 3 de agosto de 2022). Disponible en: http://www.tinederuysser.com/Site/Home.html GABRIEL OROZCO, (en línea). (consulta: 23 de agosto de 2022). Disponible en: https://www.tate.org.uk BAU, Centro Universitario de Artes y Diseño de Barcelona. Universidad de Vic. baued.es (en línea). 2022 [consulta: 21 noviembre 2022]. Disponible en: https://www.baued.es/profesores/rickard-lindqvist THE TRUE COST, 2016 (documental). (consulta: 20 de agosto de 2022). Documental dirigido por Andrew Morgan. Estados Unidos: Life Is My Movie Entertainment Company / Untold Creative. ÍNDICE DE FIGURAS Figura 1. Sofía Clari Rodríguez. El vacío interior 2018. Figura 2. Sofía Clari Rodríguez. Bastidor y estilismo I. Técnica mixta: fotografía, rotuladores, acrílico y bordados. Infografía de montaje con todas las piezas en pared. Medidas: 150 cm x 200 cm Figura 3. Sofia Clari Rodríguez. La vuelta de la infancia. Ensamble e impresión vinílica, 2019. Infografías en sala expositiva. Figura 4. Shiaparelli, 2022 / Loewe, 2022 /Jeff koons, Balloon Dog, 2016. Disponible en: https://www.pinterest.co.uk/pin/352758583321294476/, https://www.elle.com/fashion/trendreports/a41463245/loewe-spring-summer-2023-collection/, https://www.vogue.es/moda/articulos/zapatos-surrealistas-otono-invierno-2022-elsa- schiaparelli-loewe, https://mymodernmet.com/es/jeff-koons-esculturas/ Figura 5. Craig Green – Moncler, 2022. Disponible en: https://www.neo2.com/5-moncler- craig-green-2021/ 68 Figura 6. Francis Upritchard, Wetwang Slack, 2018 y Paula Ulargui para Loewe, 2022 Disponible en: http://josephscissorhands.blogspot.com/2019/01/frances-upritchard-wetwang- slack.html, https://sites.barbican.org.uk/wetwangslack/, https://www.vistazo.com/hogar/moda/el-dia-que-loewe-hizo-crecer-hierba-en-los-zapatos- HB2065238 Figura 7. Karina kaikkonen, Forwards, 2009, Hanaholmen, fundición y Solitude estudio, metal corsage, 2022. Disponible en: https://kaarinakaikkonen.fi,https://www.instagram.com/solitude.studios/?hl=es Figura 8. Boltanki, le juif errant, 2001 y Anicka Yi, Hunday 2020 award, Tate Modern. Disponible en: https://www.esbaluard.org/obras/le-juif-errant- 34/,https://www.nytimes.com/2021/10/11/arts/design/anicka-yi-tate.html Figura 9. Rebecca Horn, Mechanical Body Fan, 1972-74 y The Feathered Prison Fan, 1978. Disponible en: https://elephant.art/iotd/rebecca-horn-mechanical-body-fan-1972-74/, https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/tate-film-pioneers-rebecca-horn-films-1970- 2016. Figura 10. Gabriel Orozco. Lintels, 2001 y Aitor Saraiba, crisálidas (fieltro manual con jabón natural), 2020. Disponible en: https://arrestedmotion.com/2011/04/showing-gabriel-orozco- tate-modern/ y www.aitorsariba.com Figura 11. Nick Cave, Speak Louder, 2011. Collection Museum of Contemporary Art Chicago, y Still from Drive-By, 2010, New York. Figura 11. Sofía Clari Rodríguez. Roots: vida simple o recuperar las buenas costumbres, 2022, instalación Figura 12. Sofía Clari Rodríguez. Roots: vida simple o recuperar las buenas costumbres, 2022, instalación Figura 13. Sofía Clari Rodríguez. Proceso obra, 2022. Musgos trepadores, instalación. Figura 14. Sofía Clari Rodríguez. Proceso obra, 2022. Secado al sol. Figura 15. Sofía Clari Rodríguez. Mi segunda piel: conexión-protección. Duro y blando, fundición Figura 16. Sofía Clari Rodríguez. Proceso obra, 2022. Figura 17. Sofía Clari Rodríguez. Proceso obra, 2022. Figura 18. Sofía Clari Rodríguez. Detalles. Figura 19. Sofía Clari Rodríguez. Detalles. Figura 20. Sofía Clari Rodríguez. Detalles. Figura 21. Sofía Clari Rodríguez. Detalles de la obra y proceso. Figura 22. Sofía Clari Rodríguez. conexión tierra y pisada en el corazón y conexión tierra y pisada en las vueltas de la vida, 2022, escultura textil. 69 Figura 23. Sofía Clari Rodríguez. conexión tierra y pisada en el corazón y conexión tierra y pisada en las vueltas de la vida, 2022. Figura 24. Sofía Clari Rodríguez. Detalles. Figura 25. Sofía Clari Rodríguez. Dressing the future through drifts, y Little corner, 2022. Figura 26. Sofía Clari Rodríguez. Infografía sala Luxemburgo. Figura 27. Ernesto Artillo, Pablo TheCuadro y Anton Y Anton Budenko Disponible en: https://thecuriousbrain.com/?p=61258, https://vein.es/recortando-pablo- thecuadro/pablothecuadro/,https://www.pinterest.ie/pin/272327108691823603/?amp_client_i d=CLIENT_ID%28_%29&mweb_unauth_id=&_url=https%3A%2F%2Fwww.pinterest.ie% 2Famp%2Fpin%2F272327108691823603%2F&_expand=true Figura 28. Fotografía de Sofía Clari de estilismo en estudio con modelo y captura de pantalla de google street view con una deriva aleatoria en Sydney Figura 29. Fotografía de Sofía Clari y collage de capturas de pantalla. Blusa y vestido con mortero. Figura 30. Obras de Sofía Clari realizadas con inteligencia artificial y Photoshop. Figura 31. Little corner y exposición en sala Laraña de Sevilla. Figura 32. Sofía Clari Rodríguez. Infografía retroiluminada sala Luxemburgo. Figura 33. Sofía Clari Rodríguez. Deriva en Sydney. Serie collage 1. Figura 34. Sofía Clari Rodríguez. New generation. Serie collage 2. Figura 35. Miriñaque (arriba) y Polisón (abajo) Disponible en: https://fashiongtonpost.com/es/guia-definitiva-de-faldas-de-marco/, https://www.entretelasvestuario.com/blog_es/el-polison-de-finales-del-siglo-xix/65, https://vestuarioescenico.wordpress.com/2012/06/12/semi-jaula-polison-o-bustle/ Figura 36. La ópera de Sydney y Victor and Rolf en 2010 Disponible en: https://www.elledecor.com/es/diseno/a21923599/arquitectura-moda-arte- diseno/ Figura 37. Diseño de Yohji Yamamoto Inspirado en el Walt Disney Concert Hall de Frank Ghery. Disponible en: https://co.pinterest.com/pin/389350330263633077/ Figura 38. Ankita Agrawal, 2022. Architecture is Just Fashion – slowed down and scaled up Disponible en: https://www.re-thinkingthefuture.com/rtf-fresh-perspectives/a495-architecture- is-just-fashion/ Figura 39. Exposición de esculturas en vidrio de Karen LaMonte instaladas entre obras de arte antiguas, Norfolk, Virginia, 2009. Disponible en: https://www.karenlamonte.com/Exhibitions-Museum-Solo/Chrysler-Museum-of-Art/ Figura 40. Yayoi Kusama y la firma de lujo francesa Louis Vuitton, 2013: las esculturas cermicas “infinity nets” con lunares. Disponible en: https://www.modernamuseet.se/stockholm/en/exhibitions/yayoi-kusama/art-and-fashion/ 70 Figura 41. Elsa Schiaparelli, 1937 y la columna vertebral de aluminio de Alexander McQueen, 1998. Disponible en: https://popartmiriam.wordpress.com/2016/02/10/elsaschiaparelli/, https://voguetiquette.tumblr.com/post/6744843533/alexander-mcqueen-spine- corset-1998-absolutely Figura 42. De Cleopatra a Delaunay y de esta a Schiaparelli, pecho esculpido; un largo recorrido en la historia. Disponible en: https://cianapullen.blogspot.com/2020/11/inktoberday-7-sonia-delaunay.html, https://www.schiaparelli.com/en/haute-couture/haute-couture-fall- winter-2021-22/collection Figura 43. Leandro Cano, 2021; Yohji Yamamoto, 1988 y Junya Watanabe 1999. Disponible en: https://www.leandrocano.com, https://twitter.com/thecuttingclass/status/683951980960722944, Future Beauty: 30 Years Of Japanese Fashion Figura 44. Fotos desfile Alexander McQueen primavera-verano 2013. Disponible en: https://www.revistavanityfair.es/lujo/moda/galerias/desfile-alexander-mc-queen-primavera- verano-paris/8798 Figura 45. Desfile de Sheila Pazos en Samsung Ego 2016, Vladimir karaleev 2012 y Vogue China 2011. Disponible en: https://fuckingyoung.es/sheila-pazos-fallwinter-2016/, https://www.vogue.it/galleries/gait6212, https://edithshead.tumblr.com/post/34097498554/, du-juan-by-trunk-xu-or-vogue-china-2011-styling Figura 46. Figura 46. Balmain primavera verano 2020 y Sol Lewit, Centro Pompidou-Metz, 2012. Disponible en: https://www.vogue.es/moda/articulos/estampado-geometrico-op-art- tendencia-primavera-verano-2020, https://www.elespanol.com/elcultural/arte/arte_internacional/20120316/puerta-entreabierta-sol-lewitt/18248625_0.html Figura 47. Antoni Tudisco, 2018 y Comme des Garcons, 2018. Disponible en: https://1806.agency/antoni-tudisco/#lg=1&slide=41, https://de.fashionnetwork.com/fotogalerien/photos/Comme-des-Garcons,31838.html Figura 48. Exposición en el Met de Rei Kawakubo, 2017. Disponible en: https://en.wikipedia.org/wiki/Rei_Kawakubo/Comme_des_Garçons_Art_of_the_In-Between Figura 49. Scapism, Iris Van Herpen, 2011. Disponible en: https://www.flickr.com/photos/de_buurman/7656778214 Figura 50. Antoni Tudisco 2018. Disponible en: https://1806.agency/antonitudisco/#lg=1&slide=41 Figura 51. Stéphanie Baechler, 2013; Issey Miyake 2011. Disponible en: https://www.trendhunter.com/trends/stphanie-baechler, https://www.vogue.com/fashionshows/fall-2011-ready-to-wear/issey-miyake Figura 52. Rudi Gernreich, fall 1971; Brigitte Bauer, 1966. El punto pequeño se aleja y el grande se acerca. Disponible en: http://mcarmenepv.blogspot.com/2014/04/diseno-y-color- de-las-obras-op-art.html Figura 53. Moodboard con Frotagge (2): Fashion & Textiles BTEC Chichester College. La textura crea más volumen visual (2y3), Central St Martins, 2022. Disponible en: https://www.pinterest.co.uk/pin/462041242991116150/ https://www.dazeddigital.com/fashion/article/2010/1/central-saint-martin-s-bright-young- things, https://1granary.com/designers-3/nong-rak-the-full-story-behind-the-knits-that- everybody-is-talking-about/#&gid=1&pid=1, 71 Figura 54. Louis Vuitton, spring 2023 ready-to-wear. El color blanco o claro engrosa la figura. Disponible en: https://www.vogue.com/fashion-shows/spring-2023-ready-to-wear/louisvuitton Figura 55. K I M H  K I M 2022, escala y volumen. Incrementando la escala se incrementa el volumen. Disponible en: https://kimhekim.com/shop/ Figura 56. Melique Street, 2022. La perspectiva influye en la volumetría visual. El plano contrapicado estiliza y estira. Disponible en: https://www.behance.net/gallery/118441725/1000- DREAMS-2021-capsule?tracking_source=project_owner_other_projects, @meliquestreet Figura 57. Valentino, otoño-invierno 2015, op art. Disponible en: https://www.spottedfashion.com/valentino-fallwinter-2015-ad-campaign-featuring- monochrome-stripes Figura 58. Yohji Yamamoto ,1991. Dirección hacia cintura. Disponible en: https://www.pinterest.co.uk/pin/466263367680532872/ Figura 59. Yuki Hagino’s BA final collection, Central Saint Martins, 2013. Disponible en: https://www.pinterest.es/pin/466263367679997221/ Figura 60. Porcentajes incremento vestibilidad, 2015. Disponible en: https://wwwrosedamasceno.blogspot.com/2015/02/ Figura 61. Bases perceptivo motrices del espacio en primaria, 2010. Disponible en: https://www.efdeportes.com/efd146/las-bases-perceptivo-motrices-en-primaria.htm Figura 62. Lo que el viento se llevó, 1939 y pies de mujer china de principios de S XX. Disponible en: https://www.esquire.com/es/actualidad/cine/a32822209/lo-que-el-viento-se- llevo-hbo-censura-racismo/, https://rpp.pe/mundo/china/china-por-que-las-mujeres-chinas- se-vendaban-los-pies-la-tragica-historia-de-esta-costumbre-noticia-1185384 Figura 63. Andrea Saltzman, el cuerpo diseñado, 2005. Disponible en: Libro SALTZMAN, A. El cuerpo diseñado sobre la forma de la vestimenta. Buenos Aires: Paidos, 2005. Figura 64. LINDQVIST, R. Kinetic garment construction, 2015. Disponible en: LINDQVIST, R. Kinetic garment contruction. Remarks on the foundation of pattern cutting. University of Borás (Ph.D. thesis): Lars Hallnas, 2015. Figura 65. Julian Roberts, Free cutting, 2016. Disponible en: ROBERS, J. Free cutting. UK, 2016. Figura 66. Método Accidental Cutting, 2012. Disponible en: https://accidentalcutting.com/method/ Figura 67. Sofía Clari Rodríguez. Vistiendo el cuerpo con un arbol, 2022, fotografía. Figura 68. Neri Oxman, Prenda creada a base de microorganismos con crecimiento controlado, 2021. Disponible en: https://www.ted.com/talks/neri_oxman_design_at_the_intersection_of_technology_and_biolo gy?language=es Figura 69. Fina Miralles, Soy todas las que he sido, 2021. Disponible en: https://www.neo2.com/fina-miralles-soy-todas-las-que-he-sido/ 72 Figura 70. Hussein Chalayan, Aeroplane dress, A/W 1999. Disponible en: https://www.fashion-lifestyle.bg/designers_en_broi_7 Figura 71. Leandro Cano. Top con cerámica cosida a plástico de Leandro Cano, 2011. Disponible en: https://www.leandrocano.com/coleccion/anima-lookbook/?lang=en Figura 72. Leandro Cano: potencias de madera, 2011 y Schiaparelli 2022. Disponible en: https://www.elmundo.es/album/metropoli/otrosplanes/2019/02/04/5c583f25fc6c8368448b466f_4.html, https://www.designartmagazine.com/2021/01/schiaparelli-paris-haute-couture-ss21.html Figura 73. Hussein Chalayan, B-side en Londres, 2012 y desfile final escuela Central St Martins, Londres. Disponible en: https://www.livingly.com/runway/Hussein+Chalayan/Paris+Fashion+Week+Spring+2009/Det ails/b5jQrXXCkSx, https://www.pinterest.es/pin/466263367680541700/ Figura 74. Schiaparelli haute couture, 2022. Disponible en: https://therebelheart.net/schiaparelli-spring-2022-haute-couture/, Figura 75. JW. Termoformado industrial vs manual en J.W. Anderson para Loewe, 2021. Disponible en: https://resealsoluciones.com/resinas-de-vaciado/, https://www.elmundo.es/yodona/moda/2021/10/02/61574d39fc6c83295b8b45b2.htm Figura 76. Antoni Tudisco, 2019-202. Disponible en: https://www.instagram.com/antonitudisco/?hl=es Figura 77. Becomely, impresiones textiles en moda con fécula de maíz, 2020. Disponible en: https://www.3dnatives.com/es/becomely-impresion-3d-para-producir-accesorios-050220202/ Figura 78. Alexander McQqueen, body metalico con ensambles por Shaun Leane para Alexander McQueen, 1999. Disponible en: https://www.vam.ac.uk/articles/mcqueenscollaborators-shaun-leane, https://www.dezeen.com/2015/08/07/shaun-leane-exclusive- interview-alexander-mcqueen-fashion-jewellery-corsets/ Figura 79. Tine de Ruysser, PhD in Metalwork and Jewellery, Royal College of Art, London, 2013. Disponible en: https://irenebrination.typepad.com/irenebrination_notes_on_a/2010/04/pleats-and-folds- please-tine-de-ruysser.html https://irenebrination.typepad.com/irenebrination_notes_on_a/2010/04/pleats-and-folds- please-tine-de-ruysser.html Figura 80. Sandra Backlund pinzas de la ropa y Nido de abeja, Watanabe 2015. Disponible en: http://adamsmithfashion.blogspot.com/2011/01/sandra-bucklund-i.html, https://www.vogue.com/fashion-shows/fall-2015-ready-to-wear/junyawatanabe/slideshow/collection?epik=dj0yJnU9Q0tic0dNQTBGQ09sWXFaZXBONERJZ003T 0M3QWdVRlMmcD0wJm49Q2tkeVpvdGV1clJoOGtUQVRHUFZWdyZ0PUFBQUFBR043LW FV#21, https://www.livingly.com/runway/Couture+Spring+2020/Jean+Paul+Gaultier/Backstage/hgAD hep8np9 Figura 81. Sofía Clari fotografía para Move en 2016, publicación en Vogue Italia y pieza de Graham Tabor, Chinatsu Nobe, Fumiaki Nakagawa, Marta Berzkalna con foto de Miguel Villalobos, 2018. Disponible en: https://www.pinterest.es/pin/466263367679980811/, http://miguelvillalobos.blogspot.com/2010/04/graham-tabor-chinatsu-nobe-fumiaki.html 73 Figura 82. Susan Fang, de Central St Martins,2015; Baira Lagiga 2015 y Anastasia Ruiz Virus Collection 3D impreso en TPU por la empresa Sculpteo, 3D- croché, 2016. Disponible en: http://1granary.com/interviews/designers/susan-fang-is-desperately-seeking-beauty/, https://www.pinterest.es/pin/466263367679980792/ https://artsandculture.google.com/asset/anastasia-ruiz-virus-collection-3d-printed-in-tpu-by- sculpteo/YQEJK-ALjrmerA Figura 83. Dezeen bag, composición con bridas, The Chromat Hyperboloid Dress I, el vestido diseño 3D que parte de una fórmula matemática e Iris Van Herpen 2012. Disponible en: https://www.dezeen.com/2009/08/13/billboard-bags-by-artecnica/, https://www.etsy.com/es/listing/718986321/collar-de-espiga-negra- accesorio?ref=landingpage_similar_listing_top- 3&frs=1&epik=dj0yJnU9bzVFR3FMeDcyYlduRUVNZzkyYlpyZUpBT0I5eEZ2dXUmcD0wJm4 9VHZhMTQ3akN6TDV0Q2xJQ0JZRVRKZyZ0PUFBQUFBR043XzZz https://www.pinterest.es/pin/466263367679980837/, https://www.livingly.com/runway/Couture+Spring+2012/Iris+Van+Herpen/Details/dfWFrHSM WRR 80 Aportación artística anexo, 5 Catalogación de la obra 10 Autora: Sofía Clari Rodríguez Título: serie de dos estudios de significado estético, arruga, silueta y volumen textil. Técnica: pintura al óleo sobre papel Medidas y datación: A3, 2022 Formato: pintura Desarrollo de la obra Las obras buscan la libertad, de ahí algunos tonos negros que no responden a ninguna iluminación, destacando los elementos elegidos. Se escogen los colores justos y la atención está en los volúmenes, las siluetas, los puntos de atención, que tienden hacia arriba, sin género ni orden preestablecido. El estudio de la arruga, la textura y la caída de la tela de una forma visual de conjunto también es algo buscado. Figura 90. Sofía Clari Rodríguez, serie de dos estudios de significado estético, arruga, silueta y volumen textil, 2022, pintura: óleo sobre papel. 81 Aportación artística anexo, 6 Catalogación de la obra 11 Autora: Sofía Clari Rodríguez Título: Plusilú jugando Técnica: acrílico sobre lienzo Medidas y datación: 35 x 22 cm., 2022 Formato: pintura Desarrollo de la obra Serie de dos cuadros sobre el mundo de la moda y sus entresijos; el backstage y lo que pasa entre bambalinas en los momentos de montaje y antes de vestir a los o las maniquíes. A la vez supone un estudio de los volúmenes del cuerpo de un maniquí desnudo, algo que, tras haber pintado cuerpos y estatuas, se impone como novedoso. Un muñeco de trapo de la autora juega a sus anchas mientras la ciudad duerme, de ahí el color saturado del muñeco. Solo existe él y tiene toda una nave para jugar. La serie se cierra con la personificación imaginaria de los dos maniquíes que cobran vida. Figura 91. Sofía Clari Rodríguez, Plusilú jugando, pintura acrílica y Miriñaque, óleo sobre cartón,2022. 82 Aportación artística anexo, 7 Catalogación de la obra 12 Autora: Sofía Clari Rodríguez Título: Conexión tierra y pisada en los rincones de la vida Técnica: óleo, spray, ballenas y aprestos sobre lienzo Medidas y datación: 71 x 52 x 52 cm., 2022 Formato: pintura Desarrollo de la obra El Lienzo de lino es doble, cosidas las cuatro capas, y reforzado con entretela en cada una de las caras (tejido de urdimbre muy abierta con adhesivo termofijable), ballenas de plástico en los bordes y aprestado con cola de conejo y almidón de arroz. Se comienza con cola de conejo, pero el olor y el conocimiento de sus ingredientes de origen animal empujan a seguir aprestando con almidón de arroz, de olor mucho más agradable y origen vegetal. La estampación se realiza con plancha de serigrafía de 90 cm, en una sola tinta y se completa con plantilla y spray negro. Aunque tiene dos versiones, una para instalación y sesión de foto con modelo y otra expositiva, primero se desarrolla la versión instalativa sobre modelo y posteriormente se cierra el orificio del medio agregándole el cuadro central realizado a óleo y que representa una figura en una ventana, alguien que se asoma si se expone en formato vertical, aunque se elige el horizontal por resaltar más los elementos asociados a la moda para su formato expositivo en la sala Antiquarium de Sevilla. Figura 92. Sofía Clari Rodríguez, conexión tierra y pisada en los rincones de la vida, óleo sobre lienzo, spray sobre lienzo, ballenas y aprestos, medidas: 71 x 52 x 52 cm, 2022. 83 Aportación artística anexo, 8 Catalogación de la obra 13 Autora: Sofía Clari Rodríguez Título: explosión: el ciclo de la tierra Técnica: pintura digital realizada con inteligencia artificial y phs Medidas y datación: A3, 2022 Formato: digital Desarrollo de la obra Serie de dibujos y estampados digitales destinados a ir impresos en textiles. Han sido creados con AI (inteligencia artificial) y Photoshop. Explosiones de la tierra que no siguen más que sus ciclos cada miles y miles de años de forma repetida. Figura 93. Sofía Clari Rodríguez, explosión: el ciclo de la tierra, 2022, pintura digital: AI y phs. AGRADECIMIENTOS A lo largo de este periodo de intenso trabajo ha habido personas que me han facilitado el camino. En primer lugar, quiero agradecer a mi familia y en especial a mis padres Julián y Cristina por su apoyo incondicional. Agradecer también a los profesores del máster que han estado guiando y aconsejando. Y sobre todo a mi profesor y tutor José Antonio Aguilar por su disposición permanente, y gran ayuda. Y a los compañeros de camino que siempre lo hacen más grato cuando se rema en grupo. FIN