Imagen-Spam_dida. Creación En-Red_Dada

1 Imagen-Spam_dida / Creación En-Red_Dada Trabajo de Fin de Máster para optar al Título de Máster Oficial en Arte: Idea y Producción, por la Universidad de Sevilla Autor/a Helena Hernández Acuaviva Firma del alumno/a: Tutor/a: Áurea Muñoz del Amo Vº. Bº. del/a Tutor/a: Sevilla, diciembre de 2018 2 3 RESUMEN Vivimos en un mundo líquido en el que las imágenes navegan a gran velocidad por Internet, con mucha información y poco tiempo para reflexionar. Estamos regidos por el poder de la pantalla que nos ciega y nos aliena. La investigación que aquí se plantea analiza de qué modo ha cambiado la naturaleza de nuestros hábitos, las nuevas formas de creación y la esencia de nuestra sociedad por mediación de las redes sociales e Internet. Cuestionaremos la veracidad de las imágenes, por lo general pobres en resolución, dañadas por el glitch y otras fallas técnicas y nos adentraremos en la idea de posverdad en relación a la creación visual contemporánea. Somos parte del juego, desde el momento en el que entramos a navegar en esa marea de códigos y algoritmos que son las redes sociales, nos prestamos voluntariamente a cuantificar y objetualizar nuestra propia identidad. PALABRAS CLAVE: Redes sociales, posverdad, algoritmos, voyeurismo, avatares, imagen contemporánea, ocularcentrismo. ABSTRACT We live in a liquid world in which images travel at high speed over Internet, with a lot of information and only a bit of time in order to reflect. We are reigned by the power of the screens, which blind and alienate us. The research presented here analyzes how the nature of our habits, the new ways of creation and the essence of our society have changed through social networks and the Internet. We will question image's veracity, generally poor in resolution, damaged by the glitch effect and other technical flaws and we will enter the post-truth get into the idea of post-truth in relation to contemporary visual creation. We are part of the game, from the moment in which we start navegating that codes and algorithms' tide which social networks are; we lend ourselves voluntariary to quantificate and objectualizate our own identity. KEYWORDS: Social network, post-truth, algorithms, voyeurism, avatars, contemporary image, ocularcentrism. 4 ÍNDICE INTRODUCCIÓN…………………………………………………………..……….…..…..[6] I. Justificación……………………………………………………………….…..…..[6] II. Hipótesis ….……………………………………………...……………………..…[7] III. Límites de investigación……………………...………..……………………..…[8] IV. Objetivos.………………………………………………………………………......[9] Objetivo general ……………………………...…………………………….……...[9] Objetivos específico……………………..………………………………….…...…[9] V. Metodología………………………………………………………………….…...[11] Metodologías aportaciones artísticas…………..………..……………….….....[11] Metodologías argumentaciones teóricas…………………...……………….....[11] VI. Antecedentes…...……………………………………………………….…….....[12] VII. Referentes……………………………………………………………….………..[14] VIII. Grado de innovación……………………………………….…………….….…[15] 1. PRIMERA PARTE: APORTACIONES ARTÍSTICAS…………………..….....[19] 1.1. Aportación 1: #Filtradas………………………….…………………….....[20] 1.1.1. Aportación 1: Catalogación de la obra. …..………………...…..[20] 1.1.2. Aportación 1: Proceso de creación-producción.…………...…..[23] 1.2. Aportación 2: Cut and Paste…………...……………...…...………...…..[26] 1.2.1. Aportación 1: Catalogación de la obra. ………..…………....…..[26] 1.2.2. Aportación 1: Proceso de creación-producción.…………...…...[29] 1.3. Aportación 3: Guapa, guapa y guapa. …………...………..…………....[32] 1.3.1. Aportación 1: Catalogación de la obra…………...……...……....[32] 1.3.2. Aportación 1: Proceso de creación-producción.…………....…..[34] 1.4. Aportación 4: Performance frente a una pantalla. ………….….….....[38] 1.4.1. Aportación 1: Catalogación de la obra..,………...…………...….[38] 1.4.2. Aportación 1: Proceso de creación-producción. ………...….….[41] 1.5. Aportación 5: Mujeres modelo cristalizadas..…………...…….……....[44] 1.5.1. Aportación 1: Catalogación de la obra. …………...………….....[44] 1.5.2. Aportación 1: Proceso de creación-producción..….………........[47] 2. SEGUNDA PARTE: ARGUMENTACIONES TEÓRICAS……………………..[49] 2.1. El poder de las imágenes en la red: Estereotipos y posverdad………………………………………………[50] 5 2.2. Nuevos modos de vida virtuales, las nuevas formas de hacer de la creación………… ………….………………………………….....[58] 2.3. La apropiación por sistema: saturación y agotamiento…….…....[70] 2.4. El hábitat virtual: modos de observar y ser observado………......[83] CONCLUSIONES………………………….…………………………………………..…...[95] FUENTES DOCUMENTALES……………………...……………………………………..[97] Fuentes principales……………………......………...………………………………...…...[97] Fuentes secundarias…………….…...……………...……………………………………..[98] Índice de figuras…………………...………...…..…...…………………………………...[101] 6 INTRODUCCIÓN Con la expansión de Internet ha ido nuestros hábitos de vida se han visto sustancialmente modificados, especialmente a raíz de cómo esta ha cambiado nuestra forma de comunicarnos. Lo que inicialmente era una propuesta para crear una comunicación directa entre ordenadores ubicados entre la Universidad de California y la de Standford, allá por los años 60, pronto hizo posible una comunicación universal entre usuarios desde su casa y en cualquier parte del mundo. No en vano, la primera reseña sobre las interacciones sociales las encontramos en una serie de breves escritos del año 1962 por Joseph Carl Robnett Licklider, del Massachusetts Institute of Technology, donde explicaba lo que él llamaba Galactic Network (Red Galáctica). Era el avance de la idea de networking o trabajo en red. A lo largo de las siguientes páginas, nos adentraremos en cómo los avances que ha traído consigo Internet han repercutido en la conformación de la imagen, en la forma de mirar y, concretamente, en la creación visual contemporánea. I. Justificación Esta investigación se centra en el análisis, desde el ámbito del arte, de la imagen que navega por internet y sus usos, si bien profundizaremos especialmente en su empleo en el marco de las redes sociales. La elección del tema en cuestión responde, como no podría ser de otra forma, a mis propias preocupaciones como artista, y su interés encuentra respaldo en la relevancia y actualidad de la propuesta. La sociedad contemporánea está sujeta al dictamen de los aparatos electrónicos; webs, aplicaciones, programas… que nos guían, auxilian y entretienen en nuestro día a día, pero cuyo uso también implica asumir el riesgo de estar siendo manipulados. Mi afán por lo social y el empleo de Internet como medio de comunicación viene de siempre. Me parece sumamente interesante la observación de la tremenda evolución que ha experimentado el ser humano a raíz de la aparición de las (ya no tan nuevas) tecnologías. Los aparatos y medios digitales nos han ayudado a agilizar y rentabilizar el trabajo, pero al mismo tiempo, esa celeridad se ha convertido en una forma de esclavitud. No obstante, bajo el paraguas del tema propuesto también pueden tratarse asuntos vinculados con los medios de comunicación y las distintas formas de relacionarnos con otras personas a través de los canales sociales. Asuntos como el mal uso o uso delictivo de las imágenes en la red -donde entrarían cuestiones como el cibersexismo-; la 7 vertiginosa velocidad con la que se suceden las tendencias y las nuevas modas, a veces absurdas; la publicidad, cuyas estrategias para vender sus productos y servicios de forma personalizada pasan por la introducción -no siempre conscientemente consentidade cookies; o el mismo capitalismo, en la medida en que este se nutre del sistema y de la información que volcamos en Internet. Pertenezco a la franja generacional ubicada entre dos sectores de la población bien conocidos, los llamados millennials y los hiperconectados post-millenials. Se trata de una generación caracterizada por haber demostrado tener un dominio natural de las nuevas tecnologías y sobradas herramientas para la búsqueda de información, lo que ha revertido en cierto grado de inconformismo y un frecuente posicionamiento crítico. No en vano, esa necesidad de inmediatez que nos caracteriza y que nos permite estar chateando en diversas conversaciones a la vez, también lleva aparejado el inconveniente de una notable incapacidad para conservar la atención sobre cuestiones que no presenten una solución inmediata, además de otras carencias relativas a la expresión escrita u oral. II. Hipótesis Las imágenes son el producto que más rápidamente consumimos. En esta época abundan las publicaciones digitales con pocos caracteres, los mensajes directos y, sobre todo, las imágenes, porque a través de ellas es posible ofrecer conclusiones más o menos cerradas sobre ideas breves, sin tener que pararnos a leer; basta con echar un vistazo rápido al Facebook, Twitter o Instagram y seguimos con otras cosas. Partimos por lo tanto de la base de que la imagen contemporánea se ve indefectiblemente influida por la situación descrita. Hablamos de un tipo de imagen que podríamos calificar como pobre (tomando el término de Hito Steyerl), en la medida en la que no solo es pobre en su naturaleza inmaterial -poca resolución, mala calidad-; también es pobre en lo que afecta a su capacidad de impacto y de retención de la mirada, pues se amontonan en archivos virtuales repletos de miles de ellas, o son clasificadas en muchas ocasiones como imágenes-spam. Se trata de imágenes invisibles – construidas por aparatos digitales, reiteradas por bots y capturadas por filtrosque se mueven por las redes sin que nadie se detenga a observarlas. A este respecto, nos parece interesante detenernos a reflexionar sobre este tipo de imágenes, los mensajes que pudieran esconder detrás, cómo afecta su uso a nuestra intimidad y privacidad, qué tipo de relación se establece entre el que mira y el que es 8 observado, cómo son nuestros nuevos hábitos digitales y cómo todo esto afecta a las nuevas formas de trabajar en el arte. Nuestra hipótesis, por tanto, es que la creación artística contemporánea se ha visto irremediablemente influida por la imagen que habita en la red y la forma de mirar propia del espacio virtual. Para evidenciar este hecho, estudiaremos las posibilidades comunicativas que ofrece Internet, concretamente a través de las redes sociales, así como el modo en el que sus requerimientos de rapidez en la comunicación afectan a la construcción visual de la imagen internauta y como todo ello está siendo analizado y digerido por los propios artistas. Cabe decir, no obstante, que este Trabajo de Fin de Máster es una indagación más depurada y reflexiva que mi anterior Trabajo de Fin de Grado, titulado enREDada en los cánones SOCIALes, presentado en el curso 2016/2017 bajo la dirección de la misma tutora. Continuar con la misma temática -centrándome más ahora en la imagen de este mundo líquido e hiperconectado que en la mujer en las redes socialesme ha facilitado abrir campos de expresión y formas de creación más meditadas. Aquí se aunan los conceptos y referentes ya adquiridos con otros nuevos, recomendados por el profesorado del Máster Universitario en Arte: Idea y Producción en el curso 2017/2018. Esto me ha sido muy útil para la elaboración de nuevas ideas y desarrollos discursivos en lo tocante a mi obra. III. Límites de la investigación En esta investigación se va a trabajar con lo sucedido en torno a la imagen raíz de la democratización de Internet, centrándonos en la última década y más concretamente en estos últimos tiempos. Se hará una reflexión sobre medios de comunicación actuales, refiriéndonos especialmente a las redes sociales y a los artistas que trabajan con las imágenes extraídas de este entorno y de Internet, siempre teniendo muy presente nuestra propia experiencia como usuaria. No en vano, en relación a los límites del presente trabajo, cabe decir que algunos de ellos son puramente circunstanciales, teniendo en cuenta: - El cambio continuo de modas, que tienen una duración escasa, pasando de tendencia en tendencia muy rápido. En este sentido, cabe decir que el tipo de imágenes de las que hablaremos ahora probablemente no tengan nada que ver con la clase de imágenes de las que hablaríamos dentro de unos años. 15 a citarla aquí para no repetir información. Introducimos aquí a aquellos autores cuya influencia, además de la de Zafra, ha sido clave: Byung-Chul Han, es otro de los escritores fundamentales en este trabajo, porque plantea, de forma sencilla y desde un posicionamiento crítico, ideas muy potentes sobre cuestiones de actualidad relacionadas con el capitalismo, la tecnología, la hipertransparencia y la sociedad del trabajo. Mencionaría su ensayo En el enjambre. Zygmunt Bauman también ha sido esencial en este trabajo, concretamente en lo tocante a su concepción de arte líquido, pues nos ha hecho reflexionar sobre cómo se está comportando el arte en esta época, caracterizada por una innegable aceleración de la experiencia. A señalar, su libro Arte, ¿líquido? Hito Steyerl es autora de escritos y conferencias que han sido esenciales a la hora de indagar en el arte de esta sociedad hipermediatizada. Condenados de la pantalla (STEYERL, 2018) recoge distintos ensayos de la videoartista que dan claves fundamentales para comprender el poder de la imagen virtual. Juan Martín Prada, por su parte, estudia minuciosamente las estrategias que utilizan los artistas cuya producción se encuentra vinculada a las redes sociales. Su libro Prácticas Artísticas e Internet en la Época e las Redes Sociales ahonda en la relación existente entre las prácticas artísticas actuales e Internet, recalando en producciones de artistas cuyo trabajo se centra en lo digital y en el empleo de las redes sociales, incluso en aquellas que pasan por la performance. En lo referido a los referentes artísticos, destacamos a: Mika Rottengber, quien trata la problemática del exceso de consumo y fabricación, incidiendo en los elevados ritmos de producción y venta. Para ello acude a conceptos relativos a las implicaciones laborales, a las relaciones sociales, al cuerpo y su apariencia física, así como a la ficción. Una de sus obras Squeeze, por ejemplo, muestra a las mujeres como objetos de deseo y explotación, presentándolas en rituales de higiene complejos. Otro caso, sería Rosemarie Trockel cuyo mensaje toma forma a través de la ironía y la desvaloración del signo. Sus obras están planteadas desde una profunda perspectiva crítica que le lleva a trabajar sobre temas como la sexualidad, el consumismo o la producción en serie. Así, su obra trata cuestiones que afectan a la mujer, como la reacción contra el dictado de la moda. Una de sus piezas más conocidas es Untitled, donde la artista reproduce, en lana virgen tejida, de forma repetitiva el logotipo del 16 conejo de Playboy, yuxtaponiendo así relaciones cruzadas entre feminidad y masculinidad, lo idealizado y lo insustancial. Otro de nuestros referentes fundamentales ha sido Corinne Vionnet, pionera en la explotación y reutilización de imágenes que se encuentran en la red. En su trabajo investiga sobre el archivo y creación de imágenes a partir de la apropiación de material público y la construcción de collages. Nos interesan proyectos como Photo Oportunities, a través del cual Vionnet produce imágenes que están compuestas por la superposición de centenares de fotografías de sitios turísticos que se encuentran en Google. De esta forma, la artista ofrece una lectura diferente de la imagen, haciéndonos reflexionar sobre ella. Otro caso de apropiación de imágenes procedentes de la red es Penélope Umbrico quien hace una reinterpretación visual de lo que consumimos todos los días. Trabaja dentro del mundo virtual de las redes sociales y el marketing. Recoge momentos de catálogos de pedidos y de espacios en línea como Flickr. Asimismo, la obra de Hasan Elahi, tiene una estrecha relación estética con algunas de las obras presentadas en este Trabajo Fin de Máster, por cuanto Elahi acude con frecuencia a la agrupación de imágenes similares. En su obra examina la relación entre ubicación, repetición, tecnología y vigilancia en la era de los medios de comunicación, incidiendo directamente en cómo nos controlan desde los medios y las imágenes que se producen por estos canales. Por otro lado, Jeff Koons, es un ejemplo de exhibición desmedida. El artista ha llegado a aparecer en obras como Made in Haven teniendo sexo con su esposa. Su intención es provocar una actitud voyerista en el espectador; una forma de mirar sobre la que hablaremos y sobre la que también reflexionamos a través de las propuestas artísticas. Podríamos continuar enumerando una extensa lista de artistas que trabajan con estas temáticas. Exponemos aquí los que para nosotros han resultado referentes determinantes, si bien a lo largo del trabajo nos referiremos a muchos más. Lo que sí podemos avanzar, es que entre ellos existe un eje común en torno a la imagen de consumo, la publicidad y los mass-media que a su vez remite inevitablemente al arte pop. 17 VI. Grado de innovación En relación al grado de innovación de esta investigación distinguiríamos entre la innovación referente a las aportaciones artísticas y aquella realizada a través de las reflexiones teóricas. En lo que afecta a la producción artística presentada en este Trabajo Fin de Máster, creemos que la innovación reside en el modo de afrontar la imagen, en cómo estas se nutren del análisis que hemos realizado sobre las propiedades de las imágenes que circulan por Internet y en la contemporaneidad del lenguaje visual empleado. Hemos hecho un estudio minucioso de qué es lo que aportan las imágenes de las redes sociales y cómo podemos manejarlas, sacarlas de su espacio y retirarlas del lugar donde habitan. En consecuencia, se ha estudiado cuestiones como el uso de los filtros que estas aplicaciones poseen, de los hashtag y otras novedades que se van incluyendo en las redes sociales -como las historias de Instagram, que conforman una especie de collage virtual efímero-. Ello nos ha llevado a reflexionar sobre los nuevos modos de ver y cómo los cambios que han tenido lugar en la forma de mirar a raíz de nuestra actividad en la red han revertido en aquellas prácticas artísticas relacionadas. En el plano teórico, creemos que el grado de innovación reside en el punto de vista desde el que hemos llevado a cabo la investigación, pues nos hemos posicionado no solo como investigadora, sino como artista y usuaria de las redes. Nuestra intención aquí ha sido entender y expresar qué está pasando con el consumo inmediato de las imágenes, los símbolos e ideas en el campo social. Mediante el diálogo como piedra metodológica angular, hemos procurado profundizar en la problemática de la mirada a través de la pantalla y en la naturaleza de las imágenes procedentes de la red, con intención de comprender y abordar la actualidad última de la creación contemporánea y abrir puertas a nuevos modos de hacer, de mirar y de pensar. 18 19 PRIMERA PARTE APORTACIONES ARTÍSTICAS 20 1.1. APORTACIÓN 1: #FILTRADAS 1.1.1 Aportación 1: Catalogación de la obra Título: #Filtradas. Dimensiones: 9 x 16 x 13 cm Técnica: Móvil: Código QR encapsulado en resina y funda de móvil. - Soporte: vaciado de escayola. - GIF enlazado: imágenes impresas y serigrafiadas, escaneadas y montadas digitalmente como GIF dinámico. Año: 2018. 21 22 23 1.1.2. Aportación 1: Proceso de creación-producción Tal y como alude su título, #Filtradas es el resultado de una reflexión en torno a los filtros fotográficos que poseen las aplicaciones de nuestros móviles y a cómo su uso afecta a la apariencia estética de las imágenes que se cuelgan en la red. La pieza, se compone de una recreación ficticia de un móvil empleando resina, dentro de la cual se encapsulan colores y un código QR, que da acceso a un GIF en movimiento ubicado en la red. El móvil se presenta soportado por una mano de escayola que lo ofrece al espectador. Así, el GIF da lugar en un segundo momento dentro de la obra, dado que para completar su lectura es necesario acceder a él a través de Internet y de un móvil real. El GIF está conformado por 37 fotogramas en bucle de imágenes de rostros con los ojos ocultos por planos geométricos de colores muy intensos. No obstante, tras esos planos se entrevén algunas facciones, lo que permite a la imaginación que componga las figuras que se presentan. La intención es que esos planos actúen como píxeles ampliados, ocupando todo el rostro. Bajo cada rostro aparece, además, un número que hace referencia al número de me gusta que hubiera podido recibir cada imagen. El proceso de creación del GIF parte de la apropiación de imágenes que, en origen, fueron creadas para ser consumidas. Las imágenes de partida que se han seleccionado poseen una estética muy parecida y, en ese sentido, carecen de veracidad y poética. Algo similar es lo que pasa ahora con las fotografías que realizamos con nuestros móviles, pues todos recurrimos a las mismas aplicaciones, con los mismos filtros e incluso a las mismas poses frente a la cámara. Las personas representadas se convierten así en una suerte de objeto, una representación continua de iguales con filtros distintos y cambiantes, que acaban unificando a las tres personas representadas. Por otro lado, el blog donde se aloja el GIF es, simplemente, un espacio donde almacenar y hospedar la pieza de forma gratuita. Imágenes que residen en un lugar que, para poder ser habitado, necesita datos e información reales. Además, cualquier usuario para acceder a ver el blog, necesita aceptar el uso de cookies de Google. Mediante las cookies el buscador recaba datos y elabora estadísticas de uso aplicando unas métricas de rendimiento y seguridad determinadas. Esto hace que nos paremos un momento a pensar en la vigilancia y las consecuencias que puede tener el aceptar esos términos para poder ver la obra en línea. Como referente conceptual y estético en #Filtradas tenemos a Richard Prince. Este artista, se apropia de fotografías, que hace suyas mediante intervenciones y modificaciones de. Por ejemplo, en su trabajo New Portraits hace capturas de pantallas 24 de la red social y la aplicación Instagram, haciendo un comentario sobre ellas y presentándolas a gran escala. Su trabajo ha tenido gran influencia en la creación de #Filtradas, ya que las imágenes de base que se han utilizado están extraídas de redes sociales y plataformas, y la estética visual del GIF se aproxima a la de la aplicación Instagram, lo que hace que reflexionemos sobre las imágenes y los datos que se encuentran en la red. 31 32 1.3. APORTACIÓN 3: GUAPA, GUAPA Y GUAPA. 1.3.1. Aportación 3: Catalogación de la obra. Título: Guapa, guapa y guapa. Técnica: Ready-Made fotográfico impreso sobre papel mate. Dimensiones: 105,5x 158,5 cm Año: 2018. 33 34 35 1.3.2. Aportación 3: Proceso de creación-producción. La saturación que produce un flujo de imágenes permanente en la web y las redes sociales modela cuerpos y con ello identidades. La performance frente a la cámara repite estereotipos, los actualiza y reafirma, creando un vínculo entre tradición y técnica. Partiendo de la preocupación por la situación de la mujer en una época voyeurista y exhibicionista a un tiempo, se han recogido imágenes de la Feria de Abril de Sevilla en las redes sociales para crear un catálogo que organiza los intentos de individualización de las mujeres fotografiadas (con vestidos diferentes, poses exageradas); un catálogo que, sin embargo, al final, tan solo acaba evidenciando la existencia de un patrón visual (con vestidos que siguen la misma moda y con poses igualmente extremas). La pieza Guapa, guapa y guapa agrupa una serie de imágenes en un formato 105,5 x 158,5 cm. Las imágenes, nuevamente apropiadas de la red social Instagram, se estructuran por hileras horizontales, con imágenes de poses repetitivas. Las poses son copias unas de otras, manteniendo cierta una igualdad estética. Aquí los estereotipos se repiten igual que sucede en las redes sociales. Ya no existe la pose tradicional y característica de las flamencas que lucen sus trajes, ahora son reproducciones de las poses de moda en las redes. Sin pararnos a pensar, estamos atados a modelos gestuales y a comportamientos sociales que cambian de moda muy rápido y que se actualizan para seguir contentando y distrayendo a la gente. Como, por ejemplo, el gesto de hacerse fotos colocando el móvil desde arriba para obtener una visión picada. Estas fotografías, tomadas por los propios usuarios, están hechas sin pensar y su objetivo no es otro que realizar efímeros documentales personales. El resultado son imágenes que van sin deriva ni rumbo por Internet, que se archivan y se guardan en almacenes digitales, sin saber muy bien dónde. Por otro lado, se encuentra la palabra guapa, en repetición constante, infiltrada, letras individuales que tapan los rostros de las fotografías. El significado de la reiteración de la palabra “guapa” es un guiño a la exaltación de la mujer, como son los gritos de alabanza que se lanzan al paso de la Esperanza Macarena de Sevilla o canciones como Tres veces guapa de Jorge Sepulveda. Guapa, guapa y guapa se puede asociar estéticamente con la obra de Martina Bacigalupo. Como ejemplo, mencionaremos su libro Gulu Real Art Studio, en el que se reproducen numerosos retratos encontrados en el basurero. Estas imágenes proceden del estudio fotográfico más antiguo de Gulu, en el norte Uganda. Son fotografías analógicas de personas individuales de clientes que no tienen dinero suficiente para comprar la foto completa, por lo que recortan el rostro y desechan lo sobrante de la 36 imagen, el cuerpo, se tira. Esta serie de Bacigalupo mantiene en común con la aportación presentada que en ambos casos el rostro desaparece, enfocando la atención en las posturas y vestimentas de los sujetos, como si se realizara un muestreo tipológico de un lugar. No en vano, también encontramos cierta relación con la obra de Eric William Carroll, concretamente con la pieza titulada Punctum. En ella, el artista acumula un gran número de imágenes rescatadas de la basura que fue recopilando a lo largo de un año. Carroll las fue categorizando según su tema de forma para más tarde destruir los contenidos con perforaciones, momento en el que se producía la acción sobre la imagen. El título juega con el término “punctum” de Roland Barthes y la punción física de la impresión que el propio artista realiza, ya que en cada una de las fotografías recorta un círculo de 35 mm. 37 38 1.4. APORTACIÓN 4: Performance frente a una pantalla. 1.4.1. Aportación 4: Catalogación de la obra. Título: Acción frente a una pantalla. Técnica: Imágenes subidas a la red social Instagram de obras plásticas manuales y digitales, historias efímeras archivadas en el perfil privado del usuario. Acceso buscando el usuario @h.aquaviva. Dimensiones: Pantalla de un dispositivo digital, adaptable. Año: 2017- en curso. 39 40 47 1.5.2. Aportación 5: Proceso de creación-producción. Mujeres modelo cristalizadas indaga en el uso de la belleza idealizada, que abunda en las redes. Aquí se vuelve a jugar con la idea de filtro, pero en esta ocasión creando una especie de velo conformado por pixeles cristalizados sobre los rostros, aunque se dejan liberados los ojos y los labios, para así dar acceso a la cautivadora expresión de las mujeres fotografiadas. La pieza, consiste en un conjunto de imágenes que se exponen en forma de mosaico. La impresión inicial es llamativa, por la saturación de colores, el contraste y la repetición de algunas modelos de base. Las imágenes de las que se partió para construir la obra fueron tomadas de la plataforma Pinterest. Se trataba de imágenes creadas por otros usuarios que escogimos por ser todas ellas fotografías de mujeres posando y por tener características formales comunes como el encuadre o la expresión de las caras. Lo que se deja ver tras las máscaras creadas por los filtros geométricos es un rostro seductor y atrayente, si bien la imposibilidad de no ver la figura en su totalidad incita a la reflexión y a que la imaginación complete la imagen. La boca y los ojos suelen ser los elementos de la cara que más se exageran y remarcan cuando se edita digitalmente una imagen, lo que sudece con frecuencia entre las fotografías que circulan por la red. En el caso de esta aportación artística, las mujeres son modelos cuyo rastro se ha perdido a base de multiplicarse la fotografía tablero tras tablero de Pinterest. Las imágenes originales tienen una estetica y un cuidado profesional, pero, al igual que el resto de imágenes que nos rodean, no nos paramos a pensar en ellas. Todas tienen cualidades parecidas, desde el encuadre, siempre centrado en el retrato, hasta el empleo de fondos unitonales, lo que anula la posibilidad de dar contexto a la imagen. Durante la construcción de esta serie de imágenes se ha tenido como referente estético a Miles Aldridge. Su trabajo nos interesa en la medida en que crea ambientes con mujeres modelos de apariencia glamurosa, pero que no son perfectas como aparentan, si no que más bien viven momentos psicodélicos. En Mujeres modelo cristalizadas el uso de imágenes de mujeres que se encuentran en la red, nos hace pensar el por qué de sus parecidos, cómo hoy nos identificamos con ellas y por qué reproducimos sus poses cuando nos ponemos delante de una cámara. Otro referente aquí es Hans Eijkelboom. A través de sus fotografías Eijkelboom pone de manifiesto la reiteración en la vestimenta de las personas. Mujeres modelo cristalizadas reproduce imágenes y poses muy parecidas. En ambos casos, la estrategia es similar, pues se emplea la agrupación de fotografías como mecanismo para recalcar la existencia de patrones comunes. 48 Por otro lado, podemos enlazar Mujeres modelo cristalizadas con una obra que llevé a cabo a la par: Mujeres redes sociales filtradas ( Figura 1) Ésta otra serie está conformada por 12 fotografías. En esta obra, se presenta el error como herramienta cognitiva. Son imágenes estereotipadas, que llaman la atención por su grado de sensualidad que consiguen el mayor número de me gusta, que demuestran que es más fácil comunicar con lo afectivo que con lo informativo. Figura 1. Serie Mujeres redes sociales filtradas. (Helena Hernández, 2017) 49 SEGUNDA PARTE ARGUMENTACIONES TEÓRICAS 50 2.1. El poder de las imágenes en la red: Estereotipos y posverdad. “Bello es lo que los medios de comunicación dicen que es bello. Solo eso.” (MUROLO, 2009: 3) La comunicación es una necesidad básica en el ser humano y, por ello, muchos de los mayores avances tecnológicos de los últimos siglos y, más concretamente, de las últimas décadas, han ido dirigidos a mejorar la manera de salvar las distancias físicas y facilitar dicha comunicación. De hecho, en los últimos años hemos asistido a una evolución sorprendente en el ámbito digital, con aplicaciones, entornos sociales y foros sociales nuevos. Además, la imagen ha venido a formar parte habitual de los mensajes y actualmente es muy frecuente el uso de combinado de símbolos, imágenes, sonido, video y texto en los diferentes chats a los que nos conectamos todos los días a través de nuestros ordenadores y dispositivos móviles. Las vías de comunicación con más fuerza hoy por hoy, especialmente entre las generaciones más jóvenes, son las redes sociales. Gracias a ellas, los usuarios intercambian contenido multimedia e información íntima de forma interactiva con otras personas a través de las comunidades de amigos virtuales. Las redes sociales han crecido de forma descomunal en la segunda década del siglo XXI. Su origen es difuso y su evolución acelerada, pero sus inicios fueron mucho antes de lo que podemos pensar. Además, evolucionan con rapidez por las actualizaciones constantes, especialmente gracias a los datos y propuestas de mejora que las propias aplicaciones recaban de sus usuarios. Hagamos un repaso general de la historia de estos espacios virtuales para extraer alguna conclusión al respecto: - En 1971 se envía el primer e-mail entre dos ordenadores (estando el uno junto al otro). - En 1994 nace Geocities. Un servidor gratuito para páginas web que representaba una especie de ciudad dividida en distintos barrios. El usuario, entendido como un vecino dentro de una comunidad, usaba una función temática para alojar y definir su web, sin rebasar los 5 MB de tamaño. Desapareció en 2009. - En 1995 se creó The Globe, un espacio de intercambio donde los usuarios tenían la opción de crear sus experiencias on-line personalizadas, con su propio contenido y conectando con otros de intereses parecidos. Ese mismo año, se 51 creó Classmates una red social destinada a contactar antiguos compañeros de clase, germen del actual Facebook. - En 1997 aparece Sixdegrees, que permitía crear un perfil social y una lista de amigos, características muy parecidas al concepto de red social actual. La denominación de red social está relacionada con la teoría de los seis grados de separación. Según esta teoría -basaba en el cuento, del escritor húngaro Frigyes Karinthy, llamado Chains (cadenas en inglés)- dos usuarios de cualquier parte del mundo están separados por un máximo de cinco intermediarios (conectándolos a ambos mediante un máximo de seis enlaces). O lo que es lo mismo, según dicha teoría es posible acceder a cualquier persona del planeta Tierra sólo con seis saltos. El concepto base sobre el que se desarrolla esta teoría fue difundido por el sociólogo Duncan Watts, profesor de sociología en la Universidad de Columbia y actual responsable del departamento de investigación en Dinámica Social Humana de Yahoo! Research. - En 1998 se lanza Google -el buscador más usado en la actualidad-. - Con el cambio de milenio, la web 2.0 supone una transformación radical de Internet, los usuarios ya no son simples sujetos pasivos, si no que se convierten en protagonistas, en creadores de contenido. Así, en el año 2000, surge DevianArt, una agrupación mundial para compartir arte, donde artistas procedentes de todos los países podían publicar sus obras y socializar entre ellos. - En 2003, nace Linkedin -una red de negocios profesional- y MySpace -red comunitaria conocida por ofrecer alojamiento a páginas de grupos de música e información sobre su actividad artística-. MySpace fue el mayor espacio virtual de este tipo en el mundo de 2005 hasta 2009. - En 2004 se produce el auge del Messenger de Microsoft y Mark Zuckerberg funda Facebook, el sitio web que marcó un antes y un después en la historia de las redes sociales. La idea era fácil, interactuar con amigos compartiendo momentos del día a día con fotografías en la que poder etiquetar o poner comentarios, en tu muro o en el de otros. Hoy en día Zuckerberg es propietario del holding empresarial formado por Facebook, Messenger, Instagram y WhatsApp. - A partir de este momento las redes sociales se dividen en tres grandes tipos, en función de su temática. En 2005, aparece Youtube, plataforma donde se comparten videos. En 2006 nace Twitter, como red de microbloggling. En 2009, ve la luz Pinterest, plataforma donde se comparten imágenes insertadas en tableros personales temáticos. Y, por último, en 2010, se crea Instagram, que 52 incorporó en agosto de 2016 las Instagram Stories (publicaciones de corta duración con distintos formatos como el boomerang o el superzoom) y la opción de poner filtros y stickers. En enero de 2018, se fusionó Giphy con Instagram para poder introducir el GIF (Graphics Interchange Format) y, además, en este último año, ha aparecido la función de emitir videos en vivo con IGTV (Instagram TV). Del histórico que acabamos de hacer, se observa que la imagen, progresivamente, ha ido tomando un papel preponderante frente a otro tipo de publicaciones en la red. La imagen, no en vano, nos rodea en infinidad de formas y canales -físicos o virtuales-: carteles en la calle, televisión, redes sociales, webs, periódicos en papel o virtuales… Las imágenes compiten con muchas otras, por lo tanto, cada vez se les exige más creatividad y ser más llamativas, para así sobresalir de entre tantas que habitan en la industria visual. Nosotros, como usuarios, de una forma casi inconsciente mientras vemos la televisión o navegamos por Internet, asumimos ideas, asimilamos conceptos, observamos otras formas de ser o vivir, etc., que influyen en nuestro día a día. Como público, tomamos de referencia las nuevas tendencias y modas lo que, normalmente, revierte en Internet a través -especialmente- de las redes sociales, que son los medios más rápidos y accesibles para todos. En las redes expresamos nuestros deseos e ideas, nuestras creencias y sentimientos y publicamos imágenes, aunque con ello nos vemos sobreexpuestos. Se trata de intervenciones que creemos originales y que nos hacen sentir libres de pensamiento; nada más lejos de la realidad. Figura 2. Fragmento del libro Photo Notes. (Hans Eijkelboom, 1995) 53 Sin embargo, no podemos obviar que somos objeto de un bombardeo continuado de mensajes consumistas, de ventas subliminales y de imposición modas y tendencias de toda clase (incluso políticas), por mucho que nos hagan creer lo contrario. En esta acometida, los medios de comunicación han hecho de las imágenes sus aliadas. Las imágenes que muchos medios difunden desatan deseos imitativos y hacen que las personas ansíen metamorfosearse en los modelos que nos proponen y adquirir los productos a los que éstos representan. Aquí coincidimos plenamente con las palabras de Byung-Chul Han, quien en su libro En el enjambre dice: “hoy las imágenes no solo son copias, sino también modelos. Huimos hacia las imágenes para ser mejores, más bellos, más vivos. Sin duda no solo nos servimos de la técnica, sino también de las imágenes para llevar adelante la evolución”. (Byng-Chul:49) En este sentido, es necesario ser consciente de que las imágenes que se publican, aquellas que seguimos o las que utilizamos como referencia de actualidad, no nos muestran la realidad tal como es. Sólo vemos lo que sucede dentro del encuadre, lo que se quiere enseñar y del modo en el que se quiere mostrar. Ello supone que muchas veces, este tipo de imágenes -especialmente en el caso de las fotografías-, presentan manipulaciones, que pueden ir desde una leve distorsión a una edición digital invasiva, que puede llegar a modificar sustancialmente su contenido. Figura 3. Beijing Opera Facial Designs n° 5 (Orlan, 2014) Debemos tener en cuenta que las imágenes no muestran la verdad absoluta y que la mentira, probablemente, ha estado presente de forma natural a lo largo de nuestras vidas. Por lo que, actualmente la imagen fotográfica, cuya concepción pre-digital estuvo 54 siempre asociada a la idea de credibilidad (por cuanto reproducía fielmente un suceso), se ha convertido ahora en una herramienta de engaño. En estos tiempos las imágenes que habitan en estos espacios virtuales viajan revestidas de mentiras, expandiendo el embuste peligrosamente rápido. Esta noción de imagen como algo engañoso incardina con un concepto que en los últimos años está teniendo cierta repercusión. Nos referimos a la posverdad. Remedios Zafra en su ensayo recogido dentro de En la era de la posverdad. 14 ensayos, entiende que la posverdad, opina que la posverdad es un hecho que se da en una época caracterizada por la velocidad y el exceso, puesto que considera que "es la impresión y ya no la concentración la que sujeta la vida en la red. Conectados, pesa más la imagen y el vistazo frente a la lectura y la reflexión pausada." (ZAFRA, 2017:184) A consecuencia de la celeridad en la que estamos envueltos, muchas veces actuamos por inercia cuando nos conectamos a las redes sociales. Eso nos lleva a reproducir o respaldar ideas previamente elaboradas sin reflexionar sobre su validez o veracidad, por simple impulso. Lo que a su vez viene facilitado por el propio entorno aplicativo, que permite reaccionar con rapidez recurriendo a un simple emoticono, a un me gusta o a un no me gusta. Las redes sociales son espacios donde se forman grupos de personas con pensamientos semejantes que se retroalimentan. Y esas relaciones, las formas de moverse de los usuarios a través de la red y todos los datos que se derivan son, además, sometidos a seguimiento y explotadas comercial e ideológicamente. Algoritmos y estadísticas que se transfieren sin apenas control, y que los distintos países y empresas utilizan de forma global para trazar sus estrategias de control y encauzar sus intereses económicos. En consecuencia, nos bombardean con imágenes diseñadas y adaptadas a nuestros gustos, para que caigamos en la trampa al clicar sobre ellas y así, haciéndonos creer que somos nosotros quienes escogemos, abrimos la puerta a que aún conozcan más nuestras preferencias. Rapidez y exceso se vuelven aliados en el mantenimiento simbólico de prototipos de consumo. Hoy día el flujo de información es inabarcable; fluye sin pausa y no hay tiempo para reflexionar sobre sobre datos que nos llegan. Tampoco es posible asimilar todos los conceptos que se mueven a diario. De ahí que habitualmente nos limitemos a reproducir aquello que ya conocemos, nociones simples o ideas simplificadas en extremo. Un auténtico profeta y visionario de la posverdad fue George Orwell. En 1949 publicaba su famoso 1984, que anticipaba la pesadilla del ojo que todo lo ve del Gran Hermano, con una fuerza para crear tendencias de opinión que probablemente va más lejos que 55 cualquier mecanismo que los gobiernos puedan articular. Orwell tenía miedo de que nos arrebataran la libertad de pensamiento y que nos prohibieran la lectura de libros. Tal vez estemos en ese futuro distópico -ahora hecho realidadque imaginaba Orwell, porque ya pocos leen libros, la inmediatez ha hecho que no tengamos tiempo para reflexionar y cultivar el conocimiento desde la calma. Formamos parte de una sociedad prisionera del placer, deleitada en la imagen y profundamente distraída de lo realmente importante. El pasatiempo del Gran Hermano nos ha hecho llegar relegar a un segundo plano nuestra capacidad crítica. Figura 4. Fragmento de la instalación Photography in Abundance (Erik Kessels, 2011) En conclusión, vivimos en tiempos veloces y excedentarios donde solo vale el ahora. La posverdad es un hecho presente. Estamos en una época en la que las mentiras nos rodean sin que muchas veces seamos conscientes de ellas. Una época en la que la urgencia del día a día nos lleva a tomar decisiones sin detenimiento. Respondemos por impulso. Por tanto, no es de extrañar que la imagen digital sea el vehículo perfecto para difundir la posverdad, ya que es directa y capaz de trasladar ideas poco fehacientes camufladas como verdades. Los canales de comunicación virtuales están abarrotados con cientos de imágenes de este tipo. Además, creemos que las imágenes son efímeras, que caducan con rapidez, y aunque procuremos razonar ante ellas el cúmulo de datos es tal que no damos abasto para absorver tanta información. De este empacho visual se valen las estrategias ideológicas y publicitarias que, aprovechando la falta de reflexión crítica generalizada, tratan de convencer y seducir. La idea de posverdad enlaza directamente con la de poscensura. Al conectar estos conceptos, nos viene a la mente la conferencia que recientemente, en abril de 2018, daba en abierto, a través de TEDxVitoriaGasteiz, Juan Soto, joven periodista y escritor, titulada Poscensura: la nueva censura propia de la red social. En ella, Soto incidía sobre 56 los puntos clave de la situación actual en la libertad de expresión en las redes sociales. Éste empezaba señalando cómo en sus inicios Internet daba la posibilidad de exponer nuestros pensamientos de forma libre, empleando imágenes o publicaciones escritas, pero sin apenas obstáculos. De aquí surgieron así figuras imposibles de pensar antes, como la de los escritores que estaban en la sombra y empezaron a publicar sus libros en blogs gratuitos. Sin embargo, como bien expresaba Soto, esa sensación de libertad poco a poco fue desvaneciéndose, para acabar en el lado justamente opuesto, en el que nos encontramos actualmente: el del control de datos y la censura de opiniones alternativas y, lo que es peor, el de la autocensura, producto de nuestros propios miedos. Este último sería el caso de la poscensura. Ahora no vivimos con el temor a que nos vayan a multar las autoridades, sino de nosotros mismos y de que nuestros actos se malinterpreten. Somos conscientes de que hay linchamientos digitales, no queremos ser el hazme reír de las redes, ni salir en los titulares de prensa o ser despedidos del trabajo por una publicación. Un caso de poscensura real, es el que tuvo lugar el verano de 2016 y que fue causado por la publicación del libro infantil 75 consejos para sobrevivir en el colegio de María Frisa. Esta escritora fue acusada de fomentar el acoso escolar a través de su libro, lo que derivó en un auténtico escándalo. Sin embargo, todo había sido producto de una tergiversación de la realidad, pues tan solo se habían difundido imágenes sueltas del libro. En consecuencia, quienes se quejaron lo hicieron a falta de contexto y sin haberse leído el libro completo. Esto hizo que crearan campañas en contra de la escritora, se hizo tendencia el suceso en las redes y llegó a ser titular en la televisión, sin que le dieran derecho ni siquiera a responder frente a tal acusación. Esta es tan solo una muestra de la falta de reflexión crítica que inunda las redes sociales. Un ejemplo de poscensura en el arte, linchamientos hacia los artistas o instituciones por la indignación de personas de cualquier índole, sería la polémica que tuvo lugar en 2017 en Málaga. Un artista urbano de nacionalidad francesa llamado Invader, famoso por sus mosaicos pixelados de imágenes procedentes de videojuegos de los años 80, intervino sobre las paredes de 29 edificios y espacios históricos de la ciudad. Muchos entonces creyeron ver en esas intervenciones un atentado contra el Patrimonio Histórico de Málaga. Por otro lado, cabe decir que no son pocos los artistas que se valen del poder de las imágenes y de la idea de posverdad para hacernos pensar. Un ejemplo es Damien Hirst, quien nos hizo dudar sobre qué es verdad y qué es mentira en su exposición Tesoros del naufragio ‘Increible’ expuesta hasta diciembre de 2017, en el Palacio Grassi de Venecia. El espectador que visitaba la muestra no estaba seguro de si las cerca de 200 piezas que allí se exhibían eran un tesoro auténtico rescatado de un naufragio de hace 63 que sin embargo acabó expuesta en lugares tan relevantes como la Tate Modern de Londres, en 2016. K8 Hardy siempre ha estado creando fotografías y videos de sí misma -cargadas de humor-, mucho antes de que Instagram existiera. No obstante, rápidamente asumió las posibilidades que ofrecía esta red social, aprovechando para exponer su trabajo en ella. Arvida Byström ha creado numerosas controversias en Instagram. Esta artista reta a la censura con las imágenes que sube mostrando su cuerpo. El telón de fondo de su trabajo es la crítica sobre la representación figura femenina, pues encuentra que aún existen muchos impedimentos para exponer el cuerpo con normalidad -sin filtros ni añadidos-. Está inmersa en varios proyectos y ha editado un libro llamado Pics Or It Didn´t Happen (BYSTRÖM, 2017) junto a otra artista feminista, Molly Soda, con quien comparte un guión de trabajo asentado en el ciberfeminismo, el feminismo contemporáneo, los mass-media y la reflexión tecnológica sobre nosotros mismo. Figura 11. Publicación en Instagram de @aiww (Ai Weiwie, @aiww, 2018) Figura 12. Publicación en Instagram de @amaliaulman (Amalia Ulman, @amaliaulman, 2014) 64 Figura 13. Publicación en Instagram de @k8hardball (K8 Hardy, @k8hardball, 2018) Figura 14. Publicación en Instagram de @arvidabystrom (Arbida Byström, @arvidabystrom, 2018) 65 Figura 15. Publicación en Instagram de @bloatedandalone4evr1993 (Molly Soda, @bloatedandalone4evr1993, 2018) Una realidad que, según observamos, últimamente se asocia a un concepto que apareció en los sesenta de la mano de Dwight MacDonald y que parece haberse recuperado: midcult (MACDONALD, 1960). La midcult se encuentra a medio camino entre la denominada alta cultura (highcult) y baja cultura o cultura de masas (masscult). La alta cultura y la cultura de masas se distinguían en que la primera es aquella generada por las Bellas Artes y sus desarrollos académicos/intelectuales para el disfrute de las altas esferas sociales y solo al alcance de ellas; en cambio, la segunda procede de estratos de la creación populares y está destinada al pueblo o el vulgo. Precisamente la midcult viene a posicionarse entre las dos. Tal como dice María Jesús Godoy Domínguez en su artículo “Midcult y el arte de masas en la sociedad contemporánea” en la revista Daimon: “la midcult era y es la cultura media surgida del encuentro entre la alta y baja cultura de masas.” (GODOY, 2017: 119). Las nuevas generaciones de intelectuales y creadores con estudios universitarios, con más posibilidades de acercamiento a las distintas ramas del conocimiento, han ido contribuyendo a la consolidación de este espacio cultural intermedio, originalmente descrito por MacDonald. Lo que antes se consideraba alta cultura, ahora es accesible a un público más genérico –hoy por hoy cualquiera puede acceder, por ejemplo, al museo o al teatro, aunque siguen existiendo parcelas exclusivas reservadas a quien posee suficiente poder económico-. Y lo que hace tiempo era la cultura de masas -lo que se ha considerado como arte menor o sin categoría - se ha posicionado al nivel de los tradicionales campos de creación; eso ha sucedido, por ejemplo, con el diseño gráfico o el cómic. Hoy por hoy, la alta cultura serían las obras creadas para un pequeño sector aristócrata, por ejemplo, eventos exclusivos con invitación para personas selectas. Y, la 66 cultura de masas seguiría siendo aquellas creaciones más vulgares, las más recurrentes para el pueblo, por ejemplo, los reality shows. A este respecto, podríamos considerar que la midcult ha dado nombre a un grado intermedio entre ellas. Lo que parece indudable es que estamos en un momento en el que el arte contemporáneo se halla en continuo cambio. A nuestro juicio, la idea que Zygmunt Bauman introdujese en el 2007 sobre el arte líquido (obviamente relacionada con aquella de la modernidad líquida) permanece aún plenamente vigente. Somos devoradores de imágenes. Vivimos en un mundo falto de cohesión e inconsistente. Nos encontramos en un estado de movimiento constante, fluyendo. La lógica ya no es relevante. En palabras de Bauman “la idea de un estado fijo, inmóvil, final, permanente nos parece tan extraña y absurda como la imagen de un viento que no sopla, un río que no fluye, una lluvia que no cae… En la vida feliz en la posmodernidad, cada uno de sus momentos dura sólo un rato hasta que llegue el próximo; y ningún umbral debería quedar cerrado una vez cruzado.” (BAUMAN, 2015: 19-20) Desde otro punto de vista, Yves Michaud, el teórico más importante del arte contemporáneo según Bauman, en su tesis principal -El arte en estado gaseosocompara el arte con una suerte de gas o vapor, relacionándolo con el modo en el que se construye la percepción hoy (MICHAUD, 2007). El éxito de la estetización a través, entre otras cosas, del diseño o la moda, se debe a la influencia de la velocidad de la sociedad, sin tener tiempo de reflexión y concentración sobre alguna cosa. No en vano, Michaud agrega que la supervivencia del arte depende en gran medida de los avances en la comunicación y formación. Acercamos las ideas de Bauman y Michaud a la actualidad mediante la reflexión tomada de la crítica de arte española Elena Vozmediano, en su artículo “¿Se evapora el arte?” en Revista de Libros (VOZMEDIANO, 2009). En él, Vozmediano compara a ambos autores haciendo ver que sus posturas convergen a persa de partir desde propuestas muy distintas, pues en su opinión los dos finalmente concluyen que en la actualidad el arte ya no es inmortal, sino que circula, se reutiliza y cambia. Pues a la postre, ambos defienden que, frente al objeto, el espectador opta por el placer y la seducción que proporciona la experiencia directa y la interacción. Por otro lado, como indica Leo Steinberg en su artículo “Contemporary art and the plight of its public” en la revista Halper´s en 1962, el arte moderno “siempre se proyecta a sí mismo en una zona de crepúsculo donde no hay una valoración fija. Siempre nace de la ansiedad, al menos desde Cézanne.” (STEINBERG, 1962:39) En nuestra opinión, esta estimación inestable sigue sucediendo hoy día. La gente con mayor acceso a 67 espacios de arte ya sea por ocio o estudio, se expresa de forma desinteresada por las ideas propuestas. En nuestro país, por ejemplo, esto es consecuencia de la carencia de una enseñanza artística que nos facilite interpretar el arte contemporáneo. Existen muchos tipos de ocio con el que pasar nuestro tiempo libre, sin embargo el arte no posee esa capacidad de atracción. El poco conocimiento que se recibe en los colegios e institutos se resume en bloques, sin que los estudiantes lleguen a comprender realmente a los artistas. A consecuencia de esto, los espectadores observan de forma rápida las obras y hacen crítica sin entrar en una comprensión profunda que sustente sus opiniones. Esto desemboca en una inevitable desvinculación -e incluso rechazohacia el arte contemporáneo. Hay que señalar que Internet ha abierto un abanico de posibilidades para la difusión de imágenes que, en cierto sentido, ha afectado negativamente al creador. Ahora, como comenta Remedios Zafra en El entusiasmo (ZAFRA, 2017), todo lo que sucede en la red se traduce en números, como si fuera una nueva forma de pago. Esos números no son canjeables por nada material o vitalmente necesario, pero que sí por visibilidad, afecto, experiencia, seguidores, likes, influencia o autoestima. Quienes viven en las redes se enriquecen al ver como el flujo de números sube en sus cuentas virtuales. En ellas el poder adquisitivo no es relevante; lo que cuenta es el número de contactos que se posean. Sin embargo, también hay quien saca rentabilidad a su actividad en redes sociales; como sucede en Instagram, donde el número de seguidores puede llegar a ser reclamo de grandes marcas que, interesadas por la imagen que proyecta un determinado instagramer, pueden llegar a regalarle objetos para promocionarlos o incluso, a pagarle por ello. Y lo mismo sucede con otros sitios web tipo Youtube, a través del cual puede llegarse a ganar dinero directo. Todos producimos para todos, no obstante los creativos tenemos que diferenciarnos, para que nuestras propuestas se mantengan actualizadas y tengan la resonancia social perseguida. Aunque se produzca un efecto contrario a lo esperado o una reacción negativa a lo expuesto, debemos arriesgarnos. En el arte, como en tantas otras profesiones, las redes sociales se han convertido en una herramienta imprescindible. No basta con exponer y buscar galerías para ser expuestos. Hay que aprovechar las posibilidades de comunicación bidireccional que ofrecen las redes y hacerse eco de las opiniones de los usuarios que están al otro lado de la pantalla para enriquecer el trabajo. En el mundo 2.0 son muchos los nuevos tipos de audiencia y públicos, normalmente usuarios con mucha actividad en los eventos que se llevan a cabo on-line, ya que la comunicación está a la mano de todos y los espectadores son consumidores de novedades constantes. Esta clase de usuarios se presta a ser partícipe en las obras por 68 medio de la co-creación con profesionales y tienden a participar y contribuir cuando entienden que un proyecto resulta innovador. Podría decirse que estos acontecimientos son una especie de happenings virtuales. Esto no quiere decir que las redes sociales excluyan a los medios tradicionales, al contrario, se complementan y potencian mutuamente. El artista joven, precario e inestable, al no tener fuentes de ingresos que le den para comer y vivir, ha pasado de estar en su casa, creando a tiempo completo, a salir: a dar conferencias, promover espectáculos y eventos, actuar en directo, etc. Estos artistas no tienen más remedio que invertir horas de más trabajando en su proyección publicitaria. Produce contenido para las personas que siguen su trabajo y consumen sus imágenes día a día, además de atraer nuevos seguidores e incrementar su visualización. El artista joven, para poder tener un hueco en el mundo del arte y poder financiar su obra, debe estar al tanto de concursos, residencias artísticas o becas. Además, con frecuencia precisa de algún tipo de ingreso extra que le permita tener una vida digna, por lo que opta por trabajos fuera del campo artístico. Recapitulando, el artista hoy día está inevitablemente ligado a las redes sociales y, si no dispone de un estatus determinado, ha de trabajar de forma extraordinaria para encontrar un pequeño hueco y hacerse ver en este mundo invadido por las imágenes. Un caso real es el de la dibujante e ilustradora Raquel Riba Rossy, autora de la conocida novela gráfica Lola Vendetta. Más vale Lola que mal acompañada (RIBA, 2017). Se dio a conocer gracias a las redes sociales con la creación de su personaje, Lola Vendetta, cuyo discurso ponía de relevancia la invisibilidad que aún hoy sufre la mujeres en muchos ámbitos vitales, criticando la indiferencia social. Actualmente tiene más de 300.000 seguidores seguidores en Instagram. Esta reivindicación la han llegado a cabo junto a actual pareja, el también artista Cesar Biojo. Cesar usa diferentes canales virtuales para mostrar su trabajo e interaccionar con sus seguidores, promoviendo el arte. Son populares sus vídeos en Youtube, expresamente grabados para animar a seguir creando a los jóvenes artistas, y publicaciones en un grupo en Facebook llamado Si se puede vivir del arte, que suma más de 6.900 miembros 69 Figura 16. Perfil Lola Vendetta (Lola Vendetta, @lola.vendetta, 2018) 70 2.3. La apropiación por sistema: saturación y agotamiento. “La imagen pobre es una bastarda ilícita de quinta generación de una imagen original. Su genealogía es dudosa. Sus nombres están deliberadamente mal deletreados. Es un frecuente desafío al patrimonio, a la cultura nacional o, de hecho, al copyright” (STEYERL, 2018:34) Antiguamente, las enciclopedias en papel mostraban imágenes y textos que daban informaciones concisas de lo que se quería transmitir. Ahora tenemos tantas fuentes documentales virtuales que es difícil distinguir las que son fiables de las que contienen información basura. Hay tanta información que no sabemos dónde elegir, a lo que se suma el agotador bombardeo de llamadas de atención y notificaciones constantes. La consecuencia de ese exceso de información es el llamado IFS (Information Fatigue Syndrom), concepto dado en 1996 por David Lewis (LEWIS, 1996), es la enfermedad psíquica que se da por un abuso de información. Entre los distintos síntomas de este síndrome se encuentran señales tales como, por ejemplo, la intranquilidad a la hora de dormir o la imposibilidad de analizar la realidad y tener decisiones propias. Otra curiosa enfermedad vinculada en esta ocasión con la sobrealimentación de la retina a base de un tipo de imágenes muy concreto, es el síndrome de París. Este síndrome fue identificado por el psiquiatra japonés Hiroaki Ota hace poco más de veinte años y tiene relación directa con la capital francesa. Ota observó que cuando el turista - especialmente el viajero nipónvisitaba la ciudad parisina, creyendo que encontraría una ciudad bucólica como la que había visto en el cine, en postales y libros de viaje o en fotografías a través de Internet, y entraba en contacto con la realidad, sufría un severo schock cultural producto del fuerte contraste entre sus expectativas y la verdadera imagen parisina, lo que solía manifestarse en forma de una potente crisis nerviosa. Una aguda perturbación psíquica, que se caracteriza porque, entre otras cosas, los afectados manifiestan alucinaciones, despersonificación y diversos síntomas psicosomáticos. Teniendo en mano estos dos ejemplos, observamos que la repetición de las imágenes tiene un poder muy fuerte en la sociedad. A mi parecer, determinados usos de las imágenes pueden llegar a enfocar el sentido de la mirada en una dirección concreta. Así, las imágenes que venden lugares paradisiacos no cuentan la realidad de esos lugares, tan solo nos muestran artificiosos escaparates, diseñados para suscitar el deseo de acudir a esos sitios. Las imágenes atraen imágenes. Cuantas más imágenes que nos gustan vemos, más imágenes de la misma clase queremos ver, lo que ocasiona 71 un estrés continuo. Sin embargo, no es posible recordar todo lo que se ve porque nuestro entorno está sobrecargado de información. Realmente somos incapaces de asimilar todo el saber que nos rodea, ya que se presenta un flujo continuo de repetición y pase de imágenes. Guy Debord decía, allá por el año 1967, en La sociedad del espectáculo que lo verídico es un momento de lo falso y que: “El espectáculo es el capital en un grado tal de acumulación que se ha convertido en imagen” (DEBORD, 2015: 38). Hay tantas representaciones de nosotros mismos, moviéndose por las redes, que nuestra imagen ya no vale nada. Es tal la saturación, que la fotografía ha perdido el valor y el significado que poseía antiguamente. Se hacen fotografías de forma masiva sin un porqué, sin un motivo especial, “hacerse fotos por hacerse fotos”. A juicio del profesor Lev Manovich, especialista en cultura digital, “la compresión popular de los nuevos medios los identifica con el uso del ordenador para la distribución y la exhibición, más que con la producción” (MANOVICH, 2001:63). Hoy la opinión de Manovich sigue estando plenamente vigente e incluso sería extrapolable al uso de los smartphones, pues actualmente se encuentran todavía más presentes en nuestro día a día que los ordenadores. Por otro lado, cabe destacar que Manovich dio nombre a Generation Flash, denominación por la que se conoce a la segunda etapa de la creación artística en la red; a esa generación pertenence, por ejemplo, el movimiento artístico Neen, que unía la tecnología más puntera con el arte y la poesía. El movimiento Neen fue fundado por el artista Miltos Manetas en 2000 y presentado en la Galería Gagosian de Nueva York (MANETAS, 2000-2004). 72 Figura 17. 4535 covers of Time magazine (Lev Manovich y Jeremy Douglass,1923- 2009) Figura 18. Presentación de Neen en Gangosian Gallery en Nueva York (Neen, 2000) Archivamos gran cantidad de contenido, lo hacemos por inercia, siguiendo esa dinámica obsesiva propia de la cultura consumista, basada solo en el “tener”. Es incontable la cantidad de imágenes que hay en circulación en la red. Hoy las imágenes ya no son objeto de culto; es tal la tormenta visual que nos envuelve que cuesta hacer que alguna destaque. La imagen ha perdido su verdad y su libertad se ha visto delimitada; está dominada por patrones que marcan tendencias y, para que entre en el circuito iconográfico, debe seguir una serie de pautas. Las imágenes que se hacen para ser consumidas deshacen su poética y su semántica, son solamente un recuerdo efímero de lo real. Vivimos rodeados de imágenes fantasmas, de archivos y miniaturas que se esconden en la memoria de nuestros dispositivos electrónicos, de archivos que se comprimen y se descomprimen, se mezclan, se copian, que se reproducen a través de distintos canales de distribución, que se ripean… Sin embargo, aunque pensamos que viajan de forma gratuita, ese movimiento por la red tiene un coste. Imágenes que se copian unas a otras, que se transforman y que se multiplican sin control. Son imágenes que, al haber podido ser realizadas por cualquier usuario, normalmente presentan una calidad subestándar. Es por ello que Hito Steyerl las califica como pobres, ya que carecen de calidad. Se trata, por lo tanto, de un tipo de imagen que pierde su riqueza cuanto más se copia y que se estropea al acelerarla (STEYERL, 2018). Por otra parte, cabe destacar que la apropiación, como medio de expresión ha estado presente a lo largo de toda la historia de la humanidad. En nuestro día a día, refiriéndonos a las imágenes que se producen mediante los smartphones, hacemos capturas de pantalla, mandamos mensajes en forma de GIFs y JPGs sin saber su procedencia inicial y tomamos fotografías que subimos a las redes sociales. Lo hacemos 79 Figura 22. How Not to Be Seen: A Fucking Didactic Educational.MOV File (Hito Steyerl, 2013) Por otro lado, otra preocupación relacionada con nuestra protección de datos y la salvaguarda de la intimidad es la referida a los correos spam (e-mails masivos enviados con virus, con fines comerciales) y los correos phishing (método que emplean los ciberdelincuentes para engañarnos y conseguir información personal, como contraseñas y datos bancarios). Los correos Spam en formato HTML pueden contener scripts. Los scripts (literalmente significa guiones, como los del teatro) son archivos de texto que ejecutan órdenes; son archivos que pueden llegar a ser muy inseguros, porque pueden piratear nuestros datos a tiempo real al activarse un virus denominado hoaxes (bulos). En el net.art, son muchos los artistas que han trabajado con la idea del spam. Podemos citar al colectivo Jodi o www.jodi.org, que crea sus obras a través del reprocesamiento de texto y el arte ASCII (artes visuales basadas en texto), utilizando este formato de correo electrónico como vía de difusión de su obra. Figura 23. wwwwwwwww.jodi.org (Jodi, 1995). Esta cuestión de la vigilancia y el control sobre nosotros nos lleva a Michael Foucault, quien en 1975, en Vigilar y Castigar (FOUCAULT, 2002) opinaba que la sociedad era una sociedad disciplinaria, con formas de vida estipuladas. En relación a esta idea de Foucault, Deleuze en cierto modo coincide, pues argumenta que en la actualidad vivimos en una sociedad de control (DELEUZE, 2006), si bien alerta sobre la tendencia individualista que implica el hecho de que cada vez estemos más informatizados. Según Deleuze, los ordenadores y, a través de ellos, las máquinas simples, se han convertido en sistemas de producción y control. No somos conscientes de cómo utilizan nuestra información en los medios digitales porque nuestros perfiles son automáticos, algoritmos 80 que están, aunque nadie los mire. Esos datos, no en vano, si se conservaran, podrían utilizarse para otros muchos usos futuros distintos a los actuales. Infravaloramos la multitud de información que generamos día a día, despreciando su valor y creyendo que el principal problema que tenemos es una agencia distante como la NSA (Agencia de Seguridad Nacional de Estados Unidos), que trabaja de forma secreta con la información que va recabando a través de Internet. Pero ya no hace falta ni que nos registren, porque lo tenemos todo expuesto, vivimos en casas de cristal virtuales. Internet se ha convertido en un sistema de control social. Esto provoca inevitablemente reflexionar ante las palabras del historiador y filósofo Michel de Certeau, quien opinaba que los usuarios están “condenados a la pasividad y a la disciplina” (DE CERTEAU, 2001). Trayéndonos esta reflexión al terreno de la cultura visual actual, diríamos que las imágenes se han visto empobrecidas, multiplicadas, sometidas a montajes, alineadas y seriadas. Ya sea por la imposición de aplicaciones u opciones que nos dan las redes sociales para editar nuestras imágenes, el hecho de poder hacer fotografías de nuestro día a día con facilidad y rapidez ha dado como resultado la acumulación de archivos. Se nos viene a la mente el artista Hasan Elahi quien, entre otros temas, trabaja sobre problemáticas derivadas de la vigilancia a la que estamos sometidos, relacionadas, inevitablemente, con la tecnología y la política. En una de sus obras, Tracking Transience, Elahi hace público casi todo lo que realiza en su vida desde 2002. Una obra que precisamente partió de una investigación llevada a cabo por el FBI por un aviso equivocado de las autoridades tras el atentado 11-S. Actualmente podemos saber dónde está y los sitios que ha frecuentado desde entonces, tan solo con entrar en su web: http://elahi.umd.edu/track/. Figura 24. Away v1 (Hasan Elahi, 2006) 81 La localización geoespacial permite que cualquiera pueda saber dónde estamos con tan solo conectar con nuestro teléfono. Existen compañías como Keyhole -comprada por Google en 2004- que nos escuchan gracias al reconocimiento de nuestras voces, tengamos o no abierto Internet, ya que estas compañías se mantienen en nuestros dispositivos que quedan guardadas y que más tarde se pueden activar para retransmitir nuestras conversaciones. No son pocas las compañías que usan este software para vigilarnos sin que lo sepamos. Usan esa información para desarrollar nuevas tecnologías de aprendizaje neuronal o para saber nuestros gustos y más tarde ofrecernos publicidad de productos relacionados. Referente a este tema, el artista británico Heath Bunting puso en marcha un proyecto que denominó BorderXing Guide, en el que trabajó desde 2001 a 2011 (MARTÍN, 2010). El proyecto documentaba de forma minuciosa el recorrido que hacían Burting junto a Kayle Brandon entre fronteras de multitud de países sin pasar por aduanas. Figura 25. BorderXing Guide (Heath Bunting, 2001 a 2011) Vivimos en la inseguridad porque lo saben todo sobre nosotros y porque las empresas y gobiernos que tienen nuestra información pueden utilizarla a su beneficio. Además de a través de nuestros móviles, nos vigilan empleando cámaras escondidas o mediante el uso de nuestras tarjetas de crédito. Es más, hasta la tarjeta de puntos de un supermercado recaba información sobre nosotros. Hace unos veinte años Walmart, una cadena de supermercados estadounidenses, tenía la base de datos personal más 82 grande del mundo. Un curioso proyecto artístico basado en el empleo de la geolocalización es el propuesto por Jon Rafman bajo el título The Nine Eyes of Google Street View. Rafman se detuvo a observar qué ocurría en lugares remotos gracias al Google Street View, y capturó detalles de momentos inesperados. Tras obtener estas imágenes se planteó el concepto y el fin que tenían estas imágenes y cómo se podía hacer un uso creativo de ellas. Los resultados fueron publicados en formato libro (RAFMAN, 2011) y también en su blog. Figura 26. The Nine Eyes of Google Street View (Jon Rafman, 2009) A lo largo de este apartado hemos intentado resaltar la importancia que tienen las imágenes en nuestra vida diaria y cómo pueden llegar a influir sobre nosotros. En el campo del arte, muchos creadores como los que hemos mencionado se han apoyado en las redes sociales e Internet para construir sus propuestas discursivas, poniendo de relieve cuestiones y problemáticas asociadas a Internet que para otras personas hubieran pasado desapercibidas. Ver este tipo de obras nos hace meditar sobre el modo en el que gestionamos nuestra intimidad y los peligros a los que nos exponemos cuando proporcionamos datos biográficos a través de Internet. Además, el arte despliega un enorme conjunto de herramientas con las que observar, reflexionar, producir y concluir nuevos conceptos, formas de expresión e ideas relacionadas con las nuevas tecnologías digitales. No en vano, Internet y los medios de comunicación on-line no solo ofrecen ventajas. La vasta extensión del mundo virtual y la saturación de imágenes que invaden la red, son en sí misma un obstáculo para el creador, cuyas propuestas visuales y creaciones deben competir con el ingente banco de imágenes que contiene Internet para hacerse ver. 83 2.4. El hábitat virtual: modos de observar y ser observado. "Cuando estoy en línea mi corporeidad desaparece: todo el peso y la ansiedad de mi cuerpo, la sangre, la grasa y las anomalías avergonzantes no importan" (PENNY, 2017:9) En nuestra era se han traspasado muchas de las fronteras de aquello que podemos ver. Hemos llegado a Marte y visto su superficie, pero también hemos podido fotografiar bacterias minúsculas, jamás vistas antes. Tal vez por ello parece que la mirada no tiene barreras, pero siguen existiendo casos de censura en la difusión de ciertas publicaciones y tabúes que aún permanecen en relación a la imagen, como el cuerpo desnudo. En una época distraída y saturada de reclamos visuales como la que vivimos, el ojo se ha entrenado para mirar cada vez a más velocidad. No somos capaces de concentrarnos visualmente en una misma cosa durante mucho tiempo; es más fácil mantener la mirada entretenida mediante el empleo de la imagen en movimiento y el uso de videos de poca duración. Quizás por eso el videoclip ha sido uno de los formatos visuales más relevantes y aceptados de las últimas décadas, pues normalmente no suelen durar más de cinco u ocho minutos. Mientras el video tenga una duración corta y posea el contenido necesario de lo que se quiera informar, atrae la atención entre los usuarios. Además, por su tamaño, se comparte con más facilidad, siendo soportado por webs y redes sociales. Por ejemplo, Instagram ofrecía grabar una publicación de sesenta segundos; Snapchat, daba la opción de empaquetar un video presionando un botón durante 10 segundos; las revistas virtuales ahora incluyen minivideos en sus páginas; y los creadores de contenidos para redes sociales recurren igualmente al video, como es el caso de Playground. La avalancha de imágenes, la enorme cantidad de información que recibimos, y la obligada retención de ideas rápidas procedentes de los diversos medios de comunicación ha hecho que hoy nuestra forma de relacionarnos con el mundo sea sustancialmente distinta a la de hace apenas unas décadas. La forma de vivir hoy ha tenido que cambiar, ya que la sociedad está sentenciada a las imágenes que fluyen en este mundo hiperconectado, más con la imposición brusca que ha tenido Internet y las redes sociales. En consecuencia de ello, ojo es dominante frente al resto de los sentidos, lo que ha provocado un empobrecimiento las relaciones corporales. Martin Jay utilizó el 84 Figura 27. Fragmento de revista digital ArtFutura: “PlayGround” (ArtFutura, 2016) término ocularcentrismo para reforzar la idea del dominio de la mirada en la cultura occidental, tanto en la arquitectura, las artes, la ciencia como en la tecnología. La vista es el sentido más recurrente cuando se trata de determinar, fijar, significar, categorizar o simbolizar lo que vemos. A través de la vista es más fácil comprender y explicar nuestro entorno, y más rápido que cuando oímos, olemos, tocamos o saboreamos. No entraremos a desarrollar la problemática de la visión y su centralidad, pero sí creemos necesario hacer una breve alusión a los textos de dos autores que consideramos referentes en relación a este concepto: por un lado Michel Foucault y, entre sus escritos, el texto titulado “El ojo de poder”; por otro lado, las reflexiones de Jeremias Bentham recogidas en el El Panóptico, ambos reunidos en un mismo libro (BENTHAM, 1989). Foucault comentaba sobre la idea de Bentham, la imposición de esta sociedad en la que estamos manipulados por nosotros mismos, esto se produce por “una mirada que vigile, y cada uno, sintiéndola pesar sobre sí, termine por interiorizarla hasta el punto de vigilarse a sí mismo; cada uno ejercerá esta vigilancia sobre y contra sí mismo. (BENTHAM, 1989:18). La autoridad de la mirada va de la mano con la percepción de las cosas que nos rodean, que también ha cambiado. Hito Steyerl, en su libro Condenados de la pantalla, opina que hemos sufrido una transformación radical en la orientación temporal y espacial en los últimos años como resultado de las nuevas tecnologías de monitoreo y vigilancia (STEYERL, 2018). Un indicio de este cambio es el incremento de imágenes con puntos 85 de vista tan excepcionales como el aéreo, ahora muy habitual gracias a geolocalizadores como Google Maps y a las imágenes por satélite que nos llegan desde el espacio. Un ejemplo de su empleo en el arte lo encontramos en el proyecto fotográfico emprendido por Pascual Sisto en 2008, titulado Remake of Ed Ruscha’s Thirtyfour Parking Lots using Google Maps, en el que reconstruye la idea que Ed Ruscha plasmase en su famosa serie fotográfica de aparcamientos vacíos en blanco y negro, llevada a cabo en 1967, en los Ángeles. Las fotografías de Sisto eran capturas de Google Maps, mientras que las tomas de Rusha habían sido realizadas por un profesional en fotografía aérea. Pero más allá de las distancias tecnológicas, lo curioso es que ninguno de los dos artistas se plantean cuestiones relativas a la práctica fotográfica como tal, si no que ahondan en sus límites conceptuales siguiendo una estrategia similar, por cuanto ambos emplean sistemas de captura de imagen alternativos (MARTÍN, 2015:242-244). Figura 28. Remake of Ed Ruscha’s Thirtyfour Parking Lots using Google Maps (Pascual Sisto, 2008) 86 Figura 29. Parte de la serie Thirtyfour Parking Lots in Los Angeles (Ed Ruscha, 1967) Ya no nos guiamos por la perspectiva lineal, tenemos múltiples perspectivas y visiones de una misma cosa. Ejemplo de ello son tecnologías de animación 3D, diseñadas con el propósito de poder construir una imaginería volumétrica y multifocal, que nos permite manipular el objeto virtual para observarlo desde cualquier ángulo visual. Podríamos mencionar como referente el proyecto RMB City, ciudad virtual en el metaverso Second Life donde se exploran los nexos que existen en el espacio material y virtual. Esta propuesta artística fue planificada y creada por Cao Fei & Vitamin Creative Space e iniciada en 2007 y consistía en una representación de símbolos de China como referencia a la enferma explosión de la cultura y los diseños de ciudades de este país. Hay que agregar escuelas como Ars Virtual, que desde 2015 ha promovido el acercamiento al arte contemporáneo a través de entornos 3D multiusuario (no solo el de Second Life, sino de muchos otros como City of Heroes o Eve). También hay que citar a Cool 3D World, un proyecto llevado a cabo entre Brian Tessler y Jon Baken en 2015, consistente en la construcción 3D de pequeñas piezas audiovisuales de carácter narrativo y corte surrealistas; éstas eran publicadas después a través de redes sociales como Vine o Instagram. 87 Figura 30. RMB City (Cao Fei, 2007) No obstante, la tecnología avanza a pasos agigantados y lo que en estos momentos es solo ciencia ficción puede ser realidad mañana. Ahora mismo se utiliza de forma global el 2D, pero la realidad virtual está introduciéndose poco a poco en nuestros hogares. Llegará un momento en el que los dispositivos que llevemos encima prácticamente nos conviertan en máquinas pensantes - por ejemplo, las gafas con tecnología virtual integrada-. Podría suceder como en la película Her, donde el protagonista se enamora de un sistema operativo con inteligencia artificial, o en la película Yo robot donde los androides llegan a comportarse como humanos, siendo nosotros mismos la propia máquina en un futuro. El cine y las películas, como las mencionadas, no se alejan de lo que está por venir. A estas cuestiones de las que estamos hablando sobre la forma de observar y el predominio de lo visual en la sociedad, se une a la idea de espectáculo. El espectáculo entendido no solamente desde el punto de vista del que observa, sino también de quien participa. Esta concepción implicara una interactuación por parte del usuario. Podríamos distinguir dos maneras de habitar en las redes sociales, porque vivir en este espacio significa observar y ser observado constantemente. La distancia que existe entre la pantalla y los usuarios en el mundo material da la oportunidad de entrar en la intimidad de otros manteniendo el anonimato. Por esta razón, podemos hablar de la existencia de dos tipos de miradas, correspondientes a esas dos maneras de vivir en las redes sociales y la Web 2.0 que antes indicábamos, la del voyeur virtual -quien mira- y la del avatar -quien es objeto de observación-. 88 El voyeurismo se basa en la observación oculta de una dimensión no visible de la persona contemplada, frecuentemente por razón de desnudez o sexo, con la finalidad de lograr excitación o goce. La satisfacción voyeurista implica una falta de interacción con el individuo percibido, quien permanece ajeno al hecho de que está siendo observado. El voyeurismo virtual introduce una innovación en este ejercicio del disfrute. La mirada del voyeur se condensa en una intimidad binaria, en la que el placer descansa en la información, según el doctor argentino en filosofía Mariano Dagatti (DAGATTI, 2017:6). Por lo tanto, el observador es un curioso que puede mirar la intimidad de los demás, pero esto no resta que la moralidad de los pensamientos que ocurren puertas adentro pueda producir acciones éticas del disfrute. Es más, este hecho voyeurista se acrecienta en el momento que la sobresaturación de imágenes activa la fantasía de quien mira. A este respecto, es muy común y fácil de encontrar fotografías de chicas y chicos mostrando partes de su cuerpo en posturas sexuales o haciendo cosas que realmente no aportan nada. Esto es fruto de tener total libertad en la mostración de nuestra figura, lo que unido a la emulación de determinados estereotipos sociales, ha dado lugar a una sobreexposición del yo hacia fuera. Esta idea de voyeurismo enlaza con aquella de la sociedad del espectáculo referida por John Berger; una sociedad en la que “nadie juega y todos miran” (BERGER, 2004: 19), según el crítico. En mi opinión particular, hoy por hoy, en el plano virtual ocurre justamente lo contrario a aquello que aseguraba Berger. Creo que, aunque nos parezca no estar jugando, somos parte del juego, pues en la medida en la que estamos dentro de la red también participamos en ella. Figura 31. Detalle Intimidad (Leonardo Solaas, 2005) 95 CONCLUSIONES Como resultado de este estudio, vamos a cerrar esta investigación con las siguientes conclusiones: - Al inicio del Trabajo de Fin de Máster se propuso una hipótesis que se definió a partir de la consecución de una serie de objetivos destinados a abordar la naturaleza de la imagen que circula en la red desde el plano teórico y a concluir un acercamiento personal a su condición a través de la creación artística. A este respecto creemos que hemos realizado una aproximación ajustada a los citados objetivos, dando una respuesta fundamentada a la hipótesis inicialmente planteada. - Un punto imprescindible en el desarrollo de este trabajo ha sido la metodología, cuyo punto fuerte ha sido el intercambio de ideas y reflexiones con profesores, artistas y expertos pertenecientes al ámbito de estudio. Podemos decir que la información obtenida por esta vía y las consideraciones recabadas han resultado esenciales a la hora de construir nuestras propias opiniones. - Deducimos que esa imagen pobre de la que habla Hito Steyerl contiene los principios estéticos y formales que caracterizan a la imagen contemporánea, lo que creemos que ha quedado evidenciado a través de los diferentes ejemplos que hemos ido incluyendo a lo largo de esta investigación. - Las referencias artísticas y de pensamiento han sido claves a la hora de estructurar y desarrollar este trabajo de investigación, pues han puesto de relevancia que el tema de investigación propuesto es objeto de reflexión para muchos otros estudiosos y creadores, lo que en gran medida es reflejo de su grado de interés. - Concluimos que las aportaciones artísticas se encuentran alineadas con las inquietudes expresadas en el apartado teórico de este trabajo y que entre ambas partes se ha producido una retroalimentación que ha contribuido al enriquecimiento mútuo. - A través del estudio analítico que se presenta se ha conseguido hacer un desarrollo profundo y completo en torno a las imágenes que navegan por Internet y su almacenamiento acumulativo. - Esta investigación nos ha abierto valiosos horizontes, planteándonos nuevas cuestiones sobre las que continuar trabajando desde el plano artístico y haciéndonos reflexionar sobre quiénes somos y a dónde podemos llegar. 96 - Hemos procurado dar una perspectiva personal sobre la condición de la mirada contemporánea a raíz de la expansión de los dispositivos móviles y de los usos de Internet en vida diaria, planteando posibilidades que aún están por llegar. - Hemos encontrado ciertas dificultades en la búsqueda de información sobre el ámbito de estudio, dada la actualidad del tema y la existencia de pocas fuentes fiables. En concreto, una de las búsquedas más complejas ha sido el rastreo de artistas que trabajan con la Web 2.0 y las redes sociales, dada la cantidad de imágenes e información que reside en la nube. - Por otra parte, con esta investigación hemos experimentado un importante desarrollo personal experimental, creativo y reflexivo, al mismo tiempo que hemos adquirido valiosos conocimientos necesarios para el desarrollo de un trabajo académico serio y fundamentado. - Hemos empleado una amplia variedad de fuentes documentales, lo que sin duda a redundado en la riqueza de referentes utilizados: televisión, radio, redes sociales, páginas webs, blogs, periódicos, revistas, ensayos, libros, películas, documentales… - Se ha detectado una clara tendencia a la acumulación de imágenes como estrategia para la creación de impacto en la imagen artística. La curiosidad que suscita lo que sucede en ellas (efecto vouayer) hace que el espectador se pare a mirar imágenes que comúnmente están destinadas a pasar de forma veloz y sin reflexión. - Una de las conclusiones que consideramos más relevante en este estudio es el hecho de habernos detenido a observar qué hay detras del tipo de imágenes objeto de estudio: el contexto en el que surgen -bajo la urgencia del ritmo de Internet y las redes sociales- ; el modo en el que se contruyen -imágenes de baja resolución-; y el uso que se les da -multiplicación, reenvío, visualización efímera-. - Existen una serie de patrones visuales cuya estandarización a través de las redes sociales e Internet están afectando también al arte que, sensible a las nuevas formas de expresión y comunicación, se hace eco de ellos. - Opinamos que tras la pantalla de un ordenador, de un teléfono móvil, o de una pantalla táctil existe infinidad de posibilidades creativas, especialmente relacionadas con la compartición, la interactuación y el intercambio. - De nuestro estudio deducimos que Internet ofrece un amplísimo campo de estudio e investigación para las Bellas Artes, especialmente en lo concerniente a las redes sociales. Concluimos que este trabajo, por lo tanto, podrían derivar estudios de mayor envergadura. 97 FUENTES DOCUENTALES Fuentes Principales - BAUMAN Zygmunt, 2015. Arte, ¿líquido? Madrid: Ediciones sequitur. - BUYUNG-CHUL, Han, 2014. En el enjambre. Barcelona: Herder. - DEBORD, Guy, 2015. La sociedad del espectáculo. Barcelona: PRETEXTOS. - FONTCUBERTA J., 2016. La furia de las imágenes. Notas sobre la postfotografía. Barcelona: Gaxia sobre la postfotografía. - MARTÍN PRADA, Juan, 2015. Prácticas artísticas e Internet en la época de las redes sociales. Madrid: Ediciones Akal. - IBÁÑEZ FANÉS, Jordi, 2017. En la era de la posverdad. 14 ensayos. Barcelona: Calambur Editorial, SL. - ORWELL, George, 2012. 1984. Barcelona: Ediciones Destino, S.A. - PENNY LAURIE, 2017. Cibersexismo. Sexo, poder y género en internet. Madrid: Editorial Continta Me Tienes. - RIBALTA Jorge, 2004. Efecto real: debates posmodernos sobre fotografía. 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