El Tercer Sistema del Arte

3 Trabajo de Fin de Grado Grado en Bellas Artes, Universidad de Sevilla 2020/2021 EL TERCER SISTEMA DEL ARTE Autora: Paula Acosta Santiago Tutora: Anabelle Kriznar SUMARIO 5 1. Introducción 7 2. El Tercer Sistema del Arte 9 2.1. Origen. Arte, ciencia y humanidades 9 2.2. Transdisciplinaridad. El Tercer Sistema del Arte 14 2.2.1. Educación. La propulsión del cambio 18 3. Arte y educación 23 3.1. El arte en la actualidad. Contextualización 23 3.2. El sistema educativo español 25 3.3. Encuesta. Creatividad y educación 28 3.3.1. Análisis de los datos obtenidos 29 4.Mi producción artística 33 4.1. ¿Qué es la creatividad? 33 4.2. Multidisciplinaridad. La base de mi creación artística 35 4.2.1. Creación 1 36 4.2.2. Creación 2 38 4.2.3. Creación 3 40 4.2.4. Creación 4 42 4.2.5. Creación 5 46 4.2.6. Creación 6 y 7 48 5. Conclusión 52 6. Índice de ilustraciones 54 7. Bibliografía 58 8. Anexos 64 7 1. Introducción 1 Es la última de las grandes obras teóricas de Sigmund Freud; médico neurólogo austriaco de origen judío, padre del psicoanálisis y una de las mayores figuras intelectuales del siglo XX. Freud desarrolla aquí un modelo revolucionario de la psique y de su funcionamiento, conocido como «modelo estructural del aparato psíquico», en el que la vida psíquica en su conjunto se define por las relaciones entre tres entidades o instancias diferenciadas: el Ello, el Yo y el Superyó”. (Wikipedia, 2020. Consulta: 24 de mayo de 2021. Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/El_yo_y_el_ello ). “Mi arte es como un batido de frutas, variado, dulce y fresquito”. El arte está presente en todos los aspectos de mi vida. Considero que el proceso creativo es un elemento común en todas las ramas; ciencia, arte y humanidades necesitan del desarrollo de la creatividad para la obtención de resultados innovadores y conseguir así el enriquecimiento y avance de la sociedad. Es por eso que valoro tanto la presencia de una buena educación artística. Desde mi punto de vista, hay una necesidad real de renovación en todo el sistema educativo, pero sobre todo en aquellas asignaturas que enseñan a ser algo más allá que “robots sociales”. Como decía Picasso: “Todos los niños nacen artistas”, y creo que es esa “programación social” la que arrebata a la mayoría toda inquietud artística. Mi objetivo principal es trabajar en el ámbito de la educación artística ayudando a otras personas a desarrollar y valorar el arte más allá de ser “un cuadro en la pared”. Al mismo tiempo, y por el mismo motivo, pretendo experimentar y desarrollarme como artista en todos los campos posibles, desde los más tradicionales o los más valorados, como pueden ser la pintura, la escultura o la fotografía, hasta los menos convencionales o los menos reconocidos artísticamente, como la cocina y el deporte. Para mí, es esencial tener esa versatilidad tanto temática como técnica y poder transmitir un contenido más rico. Disfruto del proceso creativo sin un motivo concreto; dejarme llevar explorando el punto más extremo de la creatividad y del subconsciente –Teoría de la Personalidad, Sigmund Freud: consciente, inconsciente, Yo, Superyó y Ello1-. Estética y estilísticamente mi producción artística puede definirse o caracterizarse por la arbitrariedad y diversidad de contenido. Podríamos destacar mi tendencia por las obras de colores vibrantes, una paleta con predominación del magenta, el equilibrio entre el realismo y la abstracción y, por último, la presencia de un mensaje que provoca en el espectador sensaciones y emociones positivas. Con esta investigación pretendo reflejar los aspectos teóricos que influyen en mi visión y producción artística. Constatar la situación actual del arte en la sociedad, analizando su evolución a través de la historia, así como documentar las bases que se están sentado en el panorama artístico y social, de cara a un nuevo sistema del arte. 9 2. El Tercer Sistema del Arte En este primer apartado teórico estudio la evolución del concepto “arte” y su separación de la ciencia, apoyándome en los análisis de otros autores, además de sostener la idea de que la sociedad actual se basa en la transdisciplinaridad. 1 La tékne, técne’ o téchne, en griego antiguo: τέχνη. Designa la “producción” o la “fabricación material”. Diferenciaban entre la ciencia relacionada con la tékne y la ciencia relacionada con la episteme; esta última se encargaba del por qué, del conocimiento, mientras que la tékne se encargaba de la técnica, las destrezas. (Wikipedia, 2021. Tékne. (Consulta: 15 de marzo de 2021. Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Tekn%C3%A9 ). El estudio de este apartado teórico se centra en el aspecto técnico de las ramas sociales, es decir en la tékne de las artes, las ciencias y las humanidades; no se hará referencia a la episteme. 2.1. Origen. Arte, ciencia y humanidades Tal y como declara Cristina R. Salgado, la historia de las artes y las ciencias evolucionaron de forma conjunta convergiendo en varios aspectos. Las diferencias sociales, económicas y políticas de las distintas épocas históricas influyeron en la determinación de qué debía ser considerado arte, estableciéndose así diferentes sistemas del arte a lo largo de la historia (Salgado, 2017: 19). Desde mi punto de vista, la separación social entre arte, ciencia y humanidades no es más que un daño colateral de la creación del moderno sistema del arte establecido durante el siglo XVIII; sistema de arte actual. Para entender cómo y por qué surgió este sistema, nos remontamos más atrás en el tiempo, concretamente a la época clásica. De acuerdo con el análisis sobre el origen del término “arte” de Larry Shiner -La invención del artela cultura griega carecía de una palabra para definir “arte”, en su sentido actual. Menciona a Eric Havelock: ni “arte” ni “artista” tal como hoy usamos estas palabras son traducibles al griego arcaico o clásico (Shiner, 2001: 48; Havelock, 1963: 33). Por consiguiente, establece que el término griego más cercano a lo que hoy denominamos arte, es tékne1. Wladislaw Tatarkiewicz comparte opinión con Shiner; en su obra Historia de las Seis Ideas recalca que este término difiere mucho del concepto actual de arte (Tatarkiewicz, 1987: 39). Tras un análisis pormenorizado de ambas obras, he establecido como punto de partida este término griego en mi estudio sobre la situación actual, en vista de que es la evolución y la transformación de este concepto, el que dio lugar a nuestro moderno sistema del arte. Larry Shiner expone que tékne era usado para referir desde la medicina hasta la estrategia militar, así como la alfarería o la pintura (Shiner, 2001: 50-51). Alude a personajes históricos como San Agustín (siglo V) o Santo Tomás (siglo XIII) que acoplaban la pintura, la escultura y la arquitectura junto a la cocina, la navegación, la hípica, la manufactura o la juglaría (Shiner, 2001: 57). Entiende que es la falta de conceptos modernos como creatividad u originalidad, lo que daba lugar a un sistema 16 ciencias sociales, como la filosofía o la gramática. Sin embargo, podemos observar que dicha taxonomía no es más que una concepción difusa de la realidad, pues arte y ciencia nunca se separaron, evolucionaron a la par, retroalimentándose constantemente e incluso desarrollando obras científico-artísticas. Es a mediados del siglo XIX, cuando dicha unión se vuelve más fuerte, pues los artistas toman como referencia las novedades científicas; el estudio del color y de su percepción por ojo humano y la invención de nuevos pigmentos, fueron algunas de ellas. José Iraides Belandria recoge en Arte y Ciencia. Aproximaciones, una colección de ensayos que exponen y analizan la conexión entre estas categorías sociales. La publicación dispone de nueve apartados- en cada uno se hace referencia a un descubrimiento científico significativo en la evolución del ser humano, revelando lo que acontece al mismo tiempo en el panorama artístico-. Mientras que Einstein desarrollaba la teoría de la relatividad, la pintura cubista y el arte cinético, incluían rasgos relativistas (Iraides, 2007: 11-12). Las señoritas de Avignon (figura 2), marca el comienzo y las características del cubismo, casi al mismo momento de la publicación de la primera parte de la teoría de la relatividad. Las leyes de la termodinámica y sus opiniones sobre la percepción de la realidad, contribuyeron al surgimiento de obras sobre el destino, el sentido de la vida, la eternidad, el caos... La litografía Cascadas (figura 3) representa una alteración de la primera ley de la termodinámica (Iraides, 2007: 23-29). Los estudios del átomo, la luz y la materia -desarrollo de la mecánica cuántica-, influyeron significativamente en el arte (Iraides, 2007: 31-47). Artistas como Kandinsky y Dalí realizaron obras empleando las visiones del átomo o la energía nuclear, entre otras (figura 4). Las teorías de la luz y el impresionismo se desarrollaron a la par y su relación es más que evidente (Iraides, 2007: 49-56). Es más interesante hacer referencia al rayo láser y a la holografía -descubrimientos científicos que han alcanzado su máximo esplendor en el mundo del arte (figura 5)-. La física del caos y el descubrimiento del fractal3, dieron lugar a 3 Un fractal es un objeto geométrico cuya estructura básica, fragmentada o aparentemente irregular, se repite a diferentes escalas. El término fue propuesto por el matemático Benoît Mandelbrot en 1975 y deriva del latín fractus, que significa quebrado o fracturado. Muchas estructuras naturales son de tipo fractal (Wikipedia, 2021. Fractal. Consulta: 12 de abril de 2021. Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Fractal ). Figura 2. Las señoritas de Avignon. (Pablo Picasso, 1907) Figura 3. Cascadas. (Maurits Escher, 1961) 17 hermosas representaciones pictóricas como puede ser La curva de Koch (figura 6) (Iraides, 2007: 57-65). El cosmos y su inmensidad (astronomía), han sido desde tiempos inmemorables un tema de interés recurrente tanto para los científicos como para los artistas (Iraides, 2007: 67-78). Un intento por comprender sus enigmas y su belleza. La noche estrellada (figura 7) de Van Gogh es una clara representación de dicha inquietud artística. La geometría y las matemáticas participaron en el desarrollo de la cibernética y los ordenadores, aportando grandes avances y nuevas oportunidades no solo en el campo de la ciencia, sino que también en el arte (Iraides, 2007: 97-111). Recientemente el Caixa Fórum de Sevilla acogió una exposición sobre Pixar donde se podía ver la evolución del modelado 3D y otras técnicas de edición digital, junto al proceso de creación de los clásicos creados Figura 4. Galatea de las Esferas. (Salvador Dalí, 1952) Figura 5. Cristal del planeta arcoíris. (Rubén Núñez, 1974) Figura 6. Curva de Koch. (Helge Koch, 1904) Figura 7. La noche estrellada. (Vicent Van Gogh, 1889) 18 por dicha empresa: Monstruos SA, Ratatouille, Del Revés, Coco.... (Figura 8). ¿No es por lo tanto evidente que, a pesar del empeño del ser humano por clasificar en grupos homogéneos y aislados arte y ciencia, estas categorías nunca han dejado de ser lo que los griegos llamaban tékne? A diferencia de algunos de los autores mencionados en el apartado anterior, no considero que el concepto de arte se esté expandiendo hacia nuevas fronteras en la actualidad, más bien está recuperando el terreno perdido durante la Ilustración y los últimos 200 años. Así pues, opino que el concepto actual de arte cada vez se acerca más al tékne. El mundo se vuelve cada vez más un todo (Morin, 1999: 34). Son más frecuentes los proyectos colaborativos (interdisciplinarios), tanto a nivel profesional como a nivel formativo, sin embargo, a pesar de que la reflexión sobre ciencia y arte ha cobrado fuerza, aún no se ha concluido nada que permita eliminar la dicotomía entre estas disciplinas (Sánchez-Usón, 2016: 105). Tal y como aclaraba Larry Shiner, es difícil, por no decir imposible, volver al antiguo sistema del arte (Shiner, 2001: 413). Ahora bien, esto no significa que el sistema moderno del arte no pueda evolucionar. “Una tercera cultura está llegando” (Snow, 1988: 132). La posibilidad de progreso es incierta y depende de la voluntad individual, la toma de consciencia y la suerte entre otras cosas (Morin,1999: 39), por eso, de acuerdo con Marisel Oliva Clavo, es tan urgente reformar el pensamiento educativo (Ros y Dietz, 2012: 3). Se requiere unir y articular los saberes, es decir profundizar en el enfoque cooperativo de la enseñanza (Rivera, 2010: 5). 2.2.1. Educación. La propulsión del cambio “¿Qué está pasando en la Educación? (...), si de adultos nos tienen que enseñar valores y educación, ¿qué ha pasado en la educación inicial (primaria y secundaria) para que no los hayamos aprendido? (...)”, (Rivera, 2010: 5). Edgar Morin hablaba del debilitamiento de la percepción global como consecuencia de los sistemas educativos demasiado especializados, que conducen al debilitamiento de la responsabilidad y de la Figura 8. Pixar. Construyendo personajes. (Caixa Fórum Sevilla, 2020-2021) 19 solidaridad (Morin, 1999: 18). Nos han enseñado a separar, compartimentar y aislar, en vez de a enlazar los conocimientos; nuestra inteligencia es una inteligencia parcelada. “Destruye desde el óvulo las posibilidades de comprensión y de reflexión, reduce las oportunidades de un juicio correctivo o de una visión a largo plazo” (Morin,1999: 19). Mi pregunta es, ¿cuándo vamos a pasar a la acción? Existe una relación entre las emociones y nuestro estado de ánimo, y entre nuestro estado de ánimo y el arte; el arte ayuda en el proceso de aprendizaje del manejo de las emociones, por lo que no prestarle la atención necesaria dentro del sistema educativo puede ser perjudicial para el desarrollo humano (María Mercedes Acosta Martín, licenciada en psicología, comunicación personal, 18 de marzo de 2021). Los siete saberes necesarios para la educación del futuro cuando menciona “el futuro” hace referencia al siglo XXI, vamos camino al cuarto del siglo y los cambios no es que sean muy evidentes. Morin establece que la educación del futuro debe promover una “inteligencia general” (Morin,1999: 17), aludiendo a lo que hoy conocemos como transdisciplinaridad4. De acuerdo con Julio Castellano, si la finalidad de la educación es estimular el pensamiento y la capacidad de resolver problemas, la aplicación de las artes abre nuevas posibilidades de debate y razonamiento (Castellano,2011: 2). Añade, que, a pesar de lo expuesto anteriormente, la Educación Artística, ocupa un lugar periférico en relación a otras áreas que son consideradas centrales; consecuencia de la visión del hombre y la sociedad a partir de la Modernidad, cuando emerge la actitud cientificista por encima de la creativa. Generalmente se las consideran entretenimiento o asignaturas de apoyo a otras “relevantes” (Castellano,2011: 2). No hay un estado superior de la razón que domine la emoción, existe sino un bucle - intellect-affect5- (Morin,1999: 6), por lo tanto, habría de establecerse un equilibrio entre las disciplinas impartidas en todos los niveles de enseñanza. Un best seller de la década pasada, Divergente6 retrata a través de la ficción una sociedad dividida en facciones claramente diferenciadas. Si no encajas en una de ellas, estás condenado a vivir en la miseria el resto de tu vida. El destino de este sistema es el fracaso, pues tal y como podemos apreciar a lo largo de la historia, cada vez son más las personas incapaces de encajar en el sistema. ¿La solución? Eliminar las facciones como base de la clasificación social; las llamadas divergentes, personas capaces de encajar en todas las facciones, ellas son el futuro. “El sistema educativo escolar de Occidente favorece al niño de inteligencia no creativa (el convergente) en detrimento del niño creativo. El niño creativo puede tener una personalidad no del todo <deseable>; es fácil que resulte tímido, reservado, poco inclinado a creer en todo momento en la 4 La transdisciplinaridad connota una estrategia de investigación que atraviesa límites disciplinarios para crear un enfoque holístico. Se aplica a los esfuerzos de investigación centrados en problemas que cruzan los límites de dos o más disciplinas (Wikipedia, 2021. Transdisciplinaridad. Consulta: 24 de marzo de 2021. Disponible en: https://es.wikipedia. org/wiki/Transdisciplinariedad ). 5 Traducción del inglés: intelecto-afecto. 6 Divergent (en español: Divergente) es una trilogía para jóvenes-adultos de aventura y ciencia ficción, escrita por Veronica Roth. La trilogía se compone de Divergente, Insurgente y Leal (Wikipedia, 2021. Divergente (trilogía). Consulta en 11 de abril de 2021. Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Divergente_(trilog%C3%ADa) ). 20 palabra del profesor, prefiriendo seguir sus propias inclinaciones antes que atenerse a las limitaciones del programa de estudios. Por el contrario, el convergente es, por definición, una persona que se adecua con facilidad al tipo de trabajo que exige el aparato académico, sin poner en tela de juicio su orientación intelectual y pedagógica. Esta división entre el divergente creativo y el convergente de mente convencional no es, de todos modos, absoluta. Individuos convergentes a los que se pide que respondan a los test como si fueran divergentes, es decir como imaginan que los contestaría un artista anti-convencional, pueden dar respuestas muy parecidas a las de los divergentes <genuinos>. Esto indica, que, si bien pueden existir diferencias innatas e inalterables en los individuos en cuanto a su creatividad, la forma de pensar de los conformistas se debe no tanto a una incapacidad para el pensamiento original, como al temor de la posibilidad de parecer una persona extraña o rara, al miedo a perder la aprobación de la sociedad, o una resistencia a fiarse de la intuición antes que de la razón. Un componente importante de la creatividad es la independencia respecto a las opiniones de los demás”, (Algovi, 2010: 49-50). Por lo tanto, la situación no se resuelve simplemente creando grupos interdisciplinares con especialistas en diferentes áreas, de este modo solo obtenemos visiones diferenciadas de cada una de las disciplinas (Max-Neef, 1), en vez de una visión global como mencionaba Morin. Es fácil constatar que no existen ni colegios, ni institutos, ni mucho menos universidades transdisciplinarias. “En el mejor de los casos se realizan algunos esfuerzos interdisciplinarios, pero generalmente como experiencias marginales no integradas propiamente a la estructura de la Universidad (...)” (Max-Neef, 1). Aun así, considero que este es el primer paso hacia la transdisciplinaridad, que desde mi punto de vista no tiene por qué conllevar una abolición radical y total del sistema educativo actual, más bien una reforma. Igualar las horas impartidas de cada una de las asignaturas sería un buen comienzo; luego modificar el enfoque con el que se imparten, hacia uno que desarrolle la capacidad por resolver problemas globales y no específicos. “Einstein (...) decía que no entendía cómo el sistema normal de enseñanza no había acabado con la creatividad por completo, pues para poder crear hacía falta una libertad de pensamiento difícil de conseguir con tan apretados planes de estudio. (...) Nos encontramos con una paradoja, pues Einstein, el científico más admirado dentro del mundo de la física, no gustaba de los métodos de enseñanza ortodoxos. Decía que había dos tipos de científicos: el científico mecánico de laboratorio que desarrollaba las ideas concebidas por otros, y el científico o artista empírico-lógico que era capaz de imaginar las Leyes de la Naturaleza”, (Castellano, 2011: 2). Tal y como señalo Snow, las reformas en la educación no van a producir milagros. “(...) podemos reparar las comunicaciones hasta cierto punto, (...) sin embargo, podemos educar una gran proporción de nuestras mejores mentes a fin de que no ignoren la experiencia imaginativa, tanto en las artes como en la ciencia (...)” (Snow, 1988: 158). “No hay excusas para dejar que otra generación sea tan enormemente ignorante o tan vacía de entendimiento y comprensión como la nuestra” (Snow,1988: 124). Creo que la generación de Snow fracasó, ahora bien, sentaron las bases necesarias para que tomemos las riendas y continuemos con su legado. La tercera cultura o el tercer sistema del arte hacen 21 referencia a la misma idea, el crecimiento de una propuesta de organización social que recupera parte del sistema antiguo (actividades humanas entendidas como una unidad, partes de un todo) y lo une al moderno sistema del arte, para acabar con el exceso de especialización del trabajo; una especie de simbiosis entre ambos sistemas para dar lugar a uno nuevo más equilibrado y justo. 23 3. Arte y educación 3.1. El arte en la actualidad. Contextualización “En un mundo fragmentado, un mundo plagado de encasillamientos y de cámaras de eco, Star Wars ofrece el indispensable tejido para la conectividad. Puede que seas joven o viejo, demócrata o republicano, el caso es que siempre podrás tener una buena discusión sobre si Han disparó primero, o sobre si las precuelas están infravaloradas, o sobre cuáles son las auténticas motivaciones de Rey y Kylo”, (Sustein, 2017: 226). Así como manifiesta Cass R. Sustein, Star Wars une a las personas. No importa de dónde seas, siempre podrás mantener una conversación acerca de Darth Vader (Sustein, 2017: 19), y es que el arte transciende las fronteras; el arte es un medio de comunicación universal entre los seres humanos (Algovi, 2010: 120). Existe una relación (bucle) entre individuo-sociedad-especie. La interacción entre los individuos construye la sociedad, la cual lleva consigo el nacimiento de la cultura, que al mismo tiempo tiene un efecto retroactivo en los individuos (Morin, 1999: 26). El arte forma parte de la cultura, por lo tanto, forma parte de la sociedad; es una manifestación de esas interacciones humanas, que tal y como plantea Sustein, conforman nuestra sociedad, una sociedad global. Marx hablaba de la “superestructura” cultural para referirse al arte. Esta estaba determinada, entre otras cosas, por las condiciones sociales del ser humano. Consideraba el fenómeno artístico uno de los factores integradores de la dinámica social. Para los marxistas el arte es el reflejo de la sociedad, puesto que este tiende a representar la realidad social (Sermeño, 4-5). Si enumeramos algunas de las problemáticas sociales que definen el siglo XXI, -crisis ambientales, violencia, terrorismo, destrucción de tejidos sociales...-, es fácil concluir que el sistema de las disciplinas individuales específicas no puede abordarlo adecuadamente; es necesario abordarlo desde la transdisciplinaridad, puesto que son retos transdisciplinarios (Max-Neef, 1). Establecer el tercer sistema del arte se vuelve indispensable para la evolución de la sociedad. Tal y como se mencionaba en el apartado anterior, los beneficios que puede conllevar un mayor equilibrio dentro del sistema educativo son muchos, y el cambio para alcanzar la transdisciplinaridad deben comenzar en dicho sistema. Ramón Blanco Barrera denomina la nueva cultura -tercera culturacomo Cultura Digital, donde son los nuevos dispositivos los encargados de crear fisuras culturales y dar pie a la transdisciplinaridad (Blanco, 2020: 252; Valente y Adler, 2014: 36), insistiendo en el papel fundamental del arte en ella y por ende, en su posible contribución a la mejora de la sociedad “a través de la concienciación y la formación de ciudadanos dispuestos a cambiar todo aquello que no funciona en su alrededor (...)” (Blanco Barrera, 2020: 476). Promover la inclusión de las nuevas tecnologías como herramienta 24 recurrente dentro de los proyectos docentes, podría sumarse como propuesta en vista a la mejora de la enseñanza, tanto en las asignaturas artísticas como en el resto de disciplinas. Pero, ¿cuál es la situación actual del arte? ¿Se le valora realmente de forma adecuada, teniendo en cuenta su importancia y relación directa con la sociedad? Tal y como señala Jesús Algovi, la historia nos ha demostrado que el arte puede ser una fuente de conocimiento, de reflexión e incluso instrumento de progreso y revolución (Algovi, 2010: 7), por lo que el arte debe ser estudiado como un área capaz de ayudarnos en la comprensión de la sociedad (Blanco Barrera, 2020: 468; Solano, 2014: 51). La sociología es la disciplina encargada del estudio de la sociedad, dentro de la cual existen diferentes subcategorías, según se encarguen de analizar unos aspectos sociales u otros. “La sociología del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia el arte desde un planteamiento metodológico basado en la sociología. (...) El principal interés de esta disciplina es explicar el hecho artístico en base a los factores que lo generan, contextualizando obra y artista dentro de la sociedad y evidenciando las relaciones intrínsecas entre ambos”, (Sermeño, 1). De acuerdo con Shiner, la educación ha sido siempre una de las funciones principales del arte (Shiner, 2001: 411), así como las funciones sociales mencionadas anteriormente. Sin embargo, los estudios más importantes sobre la sociología del arte1, se focalizan en los aspectos económicos -la obra de arte como producto del mercado capitalista-, y los Mass Media2. ¿No debería esta disciplina mover su foco de atención hacia las posibles aportaciones del arte a la sociedad más allá de lo económico? Es más que evidente la carencia de datos sobre la ubicación actual del arte, por lo tanto, ¿porque no se realizan más estudios acerca de este tema? Si continuamos sin prestar atención a la situación actual del arte, ¿cómo vamos a continuar el legado de Snow y romper con los límites disciplinarios del sistema actual para llegar a instaurar una sociedad basada en la transdisciplinaridad? La respuesta es fácil, no se puede. La sociedad no es consciente del poder de cambio que reside en el arte. Tal es su ignorancia que a pesar de su participación en diversas actividades artísticas -festivales, exposiciones, talleres...-, mantienen su actitud conformista respecto a los recortes presupuestales en arte y cultura, y sobre el poco interés de los líderes del gobierno por mejorar la preparación artística de los docentes y alumnos, así como de los proyectos docentes correspondientes. Ahora bien, teniendo en cuenta que lo más valorado a nivel general sobre el arte es su aspecto económico, y apoyándonos en la idea de que “el negocio del arte es un mercado profundo y de gran envergadura globalmente, que además está en continuo crecimiento económico” (Blanco Barrera, 2017: 920; 2020: 212-213), ¿por qué es tan limitada la inversión en arte y cultura? ¿No debería existir una cantidad mayor de capital destinado a las prácticas artísticas, dentro y fuera de los centros escolares, teniendo en cuenta la importancia social de su valor económico y el 1 Arte y vida social, de Georgi Plejánov (1912); Arte y revolución industrial, de Francis Klingender (1947); La pintura florentina y su ambiente social, de Friedrich Antal (1948); Historia social de la literatura y el arte, de Arnold Hauser (1951); Historia del arte y lucha de clases (1973) de Nikos Hadjinikolaou; entre otros. 2 Traducción del inglés: Medios de comunicación de masas. 25 auge del mercado de este? Aunque no fuese el motivo principal, si con la intención de potenciar los beneficios económicos que genera el arte, se fomentaran las prácticas artísticas y la calidad de estas, la sociedad comenzaría a mostrar interés por obtener una mejor educación artística, pues, entrarían en juego las “cascadas informativas” (Sustein, 2017: 76); así como, las redes sociales o redes de información y la polarización de los grupos (Sustein, 2017: 169). Todos fenómenos sociales que explican la interacción entre individuo-sociedad-especie, que mencionaba anteriormente. “La posibilidad de progreso, restaura el principio de esperanza, pero sin certeza. Es una posibilidad incierta que depende mucho de la toma de conciencia, las voluntades, el ánimo, la suerte... (...). Por esto, las tomas de conciencia se han vuelto urgentes y primordiales” (Morin, 1999: 39). Un cambio en cualquiera de los sectores de la sociedad, repercute directamente en todos los demás (Blanco Barrera, 2020: 37; Rotger, 2003: 413), luego realizar un cambio de consciencia en la población más joven -estudiantes-, conllevaría la mejora y desarrollo de la sociedad, puesto que ellos son el futuro. Por consiguiente, ¿está el sistema educativo preparado para realizar dicho cambio? ¿Podemos confiar en los docentes preparados por este mismo sistema? 3.2. El sistema educativo español En los últimos diez años, el mundo ha cambiado más que en los anteriores cuarenta. Sin embargo, el sistema educativo sigue siendo el mismo (Klaric, 2017). “El sistema educativo se montó con la Revolución Industrial y seguimos exactamente igual, es decir, se enseñaba a la gente para que trabajara en fábricas. (...) Las fábricas y los coles se montaron al mismo tiempo y lo que se pretendía era que la gente no pensara o que pensara lo menos posible y sobre todo que no se equivocara, porque el error estaba castigado, estaba castigado en una fábrica” (Hidalgo, 2017). Por consiguiente, son numerosas las carencias que puede llegar a presentar este sistema, si tenemos en cuenta la velocidad de desarrollo y evolución de la sociedad actual; estamos dejando atrás un aspecto esencial de dicho desarrollo: la educación. Sin embargo, a nivel formativo, se insiste a los futuros docentes, sobre la evolución y los cambios producidos desde el origen del sistema educativo hasta la actualidad. Pero, si analizamos detalladamente esos cambios, son insignificantes, ya que en esencia la dinámica a la hora de dar clase sigue siendo la misma. “Por eso los profesores que innovan un poco destacan tanto. El cambio destaca mucho porque el método antiguo de enseñanza sigue siendo el tradicional” (Mercedes Sánchez Rojas, estudiante del Grado en Educación Primaria en la Universidad de Huelva, comunicación personal, 30 de abril de 2021). Estamos educando a futuros ciudadanos indiferentes respecto a las injusticias sociales, individuos maleables, manipulables y aislados (Piñuel, 2017). En definitiva, es incuestionable que la educación tecnocrática vigente, es una consecuencia del modelo social impuesto tras la Revolución Industrial, 33 4.Mi producción artística 4.1. ¿Qué es la creatividad? Según Wladislaw Tatarkiewicz, el término “creatividad” es usado para designar un proceso que tiene lugar en la mente del creador (Tatarkiewicz, 2001: 286). Sin embargo, estos conceptos no siempre estuvieron relacionados con el arte, si quiera con el ser humano. Como analiza dicho autor, para los griegos las artes (tékne) estaban sujetas a una serie de normas; el artista no crea, más bien imita basándose en unas leyes sin dar cabida a la libertad (Tatarkiewicz, 2001: 279). No fue hasta el siglo XVII que no aparece el concepto de creatividad, unido al concepto de imaginación, dentro de la teoría del arte (Tatarkiewicz, 2001: 283-284). Casi mil años acontecieron sin que existiera “creatividad” en la filosofía, la teología o el arte europeo. Posteriormente, emerge el concepto de creador, pero era usado única y exclusivamente en teología; creador era sinónimo de Dios. Este término mantuvo esta designación hasta la llegada de la Ilustración. Es en el siglo XIX cuando se incorpora al arte, pasando de ser sinónimo de Dios a sinónimo de artista. Ya en el siglo XX, empezó a aplicarse a toda la cultura humana. Se comienza a hablar de la creatividad en otros campos fuera del arte como la ciencia, la política o la tecnología (Tatarkiewicz, 2001: 286). Estudios demuestran que la inteligencia y la creatividad no consisten en ejercicios repetitivos ni mucho menos en conocimientos adquiridos, más bien se establecen como una tendencia de la mente humana, que a través de diferentes ejercicios podemos desarrollar (Carpio, 2007: 49). Es decir, la creatividad es una capacidad intrínseca de los seres humanos, la cual podemos desarrollar a través de actividades y ejercicios que exijan un proceso creativo. Dicho proceso ha sido sujeto de numerosos estudios, algunos de los cuáles se recogen en la tesis doctoral de Jesús Algovi. Destaca entre otros, los estudios realizados por Graham Wallas, -El arte del pensamiento (Wallas, 1926)-, basados en lo que este denominó "insights creativos" e "iluminaciones". El modelo Wallas se componía de 5 etapas: preparación, incubación, intimación e iluminación (Algovi, 2010: 50). Así pues, el ser humano es un ser lleno de imaginación capaz de reconocer lo real; somos seres racionales e irracionales, ambos aspectos constituyen nuestra mente (Morin, 1999: 29). Por lo tanto, la creatividad puede darse en todos los campos de la producción humana. Así como manifestó Tartarkiewicz: “(...) la creatividad se reconoce por la novedad de sus producciones, y la novedad no se da sólo en obras de arte, sino también en los trabajos de la ciencia y la tecnología” (Tatarkiewicz, 2001: 288). Además, añade: “(...) la creatividad no se da cada vez que se da la novedad. Toda creatividad implica novedad, pero no a la inversa” (Tatarkiewicz, 2001: 292). Hoy día, según el autor anteriormente mencionado, las personas ven la creatividad como un juicio muy positivo. A través de la creatividad se amplía el marco de nuestras vidas -nuevos inventos-, además sirve como manifestación del poder de la independencia de la mente humana -manifestación de su individualidad-; para muchos esto es una necesidad sin la que no pueden vivir. Van Gogh 34 escribió: “No puedo prescindir en mi vida y en mi pintura de algo que es más fuerte que yo, que es mi vida, de la capacidad de crear” (Tatarkiewicz, 2001: 294). “Existen muchos tópicos alrededor de lo que significa ser una persona creativa. Pero, por lo general, los individuos creativos tienden a ser enormemente intuitivos y a estar más interesados por el significado abstracto del mundo exterior que les conduce a transcender la simple percepción sensitiva. Este concepto no es exclusivo de los artistas. La creatividad se emplea en todos los campos de la experimentación. Desde los ámbitos del arte, las humanidades, el campo científico, o la simple rutina cotidiana. (...) Los grandes descubrimientos científicos han estado precedidos de estudios rigurosos, pero especialmente de planteamientos originales. La investigación, en cualquier ámbito, requiere de un alto grado de creatividad, que podríamos denominar inteligencia lateral1 (...)”, (Algovi, 2010: 49). En base a estos datos, podríamos afirmar que ser o no ser una persona creativa, no es una opción; si la creatividad es una capacidad de la mente humana, todos somos personas creativas, la diferencia entre unos y otros reside en cuán desarrollada tengamos dicha capacidad. Así mismo, confirmamos que tener una alta capacidad creativa es extremadamente útil incluso para el transcurso del día a día. No es extraño que, como afirmaba Tatarkiewicz, la veneración por la creatividad este creciendo hoy día; el objetivo no sería conseguir más artistas, sino más personas imaginativas (Tatarkiewicz, 2001: 295). El mismo autor aclara que la creatividad es uno de los medios por el cuál completamos los datos que obtenemos del exterior a través de los sentidos y que esto sucede en cada actividad, es inevitable; el ser humano está condenado a la creatividad (Tatarkiewicz, 2001: 296). Como podemos observar en todos los argumentos expuestos hasta ahora, la creatividad es muy importante en el desarrollo del ser humano, pues esta nos ayuda a establecer nuestra individualidad, además de ayudarnos a tener una mayor flexibilidad mental (inteligencia lateral). En el sistema actual, desarrollar tu capacidad creativa hacia un alto nivel solo es posible escogiendo una rama de estudios relacionada con las artes. A pesar de valorarse dicha capacidad dentro del mundo laboral en muchas de las profesiones, las universidades siguen manteniendo los sistemas tradicionales de enseñanza que menosprecian el desarrollo de esta. Estos hechos influyeron en mi decisión de escoger las artes como medio a través del cual poder aportar algo en este proceso de transición hacia la nueva cultura basada en la transdisciplinaridad. 1 La inteligencia o pensamiento lateral es un método empleado para la resolución de problemas de manera imaginativa. Acuñado por Edward de Bono, en su libro New Think: The Use of Lateral thinking (1967), refiriéndose a la técnica que permite la resolución de problemas de forma indirecta y con un enfoque creativo. “El pensamiento lateral es una forma específica de organizar los procesos de pensamiento, que busca una solución mediante estrategias o algoritmos no ortodoxos, que normalmente serían ignorados por el pensamiento lógico”. (Wikipedia, 2021. Consulta: 10 de mayo de 2021. Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Pensamiento_lateral ). 35 4.2. Multidisciplinaridad. La base de mi creación artística La sensibilidad y el impulso creativo es algo que va creciendo a la par que el conocimiento, así pues, no soy consciente de cuando comencé a ser artista (Algovi, 2010: 48). Mi capacidad creativa se ha desarrollado significativamente en estos cuatro años de carrera, a la par que se desarrollaba mi agilidad mental a la hora de idear y elaborar proyectos. Según Cass R. Sustein, los mejores demiurgos intuyen cuál es el rumbo definitivo, “pero puede también que su propio trabajo los desvíe del rumbo previsto, algo por lo que estarán inmensamente agradecidos”, además añade, “se toparán con encrucijadas en el camino, y tendrán que elegir una dirección en lugar de otra. Así es como funciona la creatividad” (Sustein, 2017: 26). Luego, podemos concluir que el proceso creativo es una parte esencial del artista, y por ende, de la propia creación artística (Blanco Barrera, 2020: 292). Es por eso que valoro más el proceso creativo que el resultado final de la obra; disfrutar del proceso de materialización de una idea, que estando en mi mente solo es real para mí, pero que a través de mi proceso creativo puedo hacer llegar al resto del mundo. Respecto a la finalidad social de mi producción artística, podría resumirla con las palabras de George Lucas acerca de Star Wars: “(...) Esto es un cuento de hadas. La intención es que todo el mundo viva feliz para siempre y que no le pase nada malo a nadie... Lo más importante de la película, la emoción fundamental que pretendo transmitir al final, es que te anime tanto emocional como espiritualmente, y que te haga sentir extremadamente bien respecto a la vida. Eso es lo más grande que podríamos llegar a hacer algún día” (Sustein, 2017: 48). Es decir, tal y como mencionaba en el primer apartado, -introducción-, estimular al espectador con emociones y sensaciones positivas que le dejen un buen sabor de boca. Asimismo, partiendo de la idea de que las artes no conforman un bloque monolítico y homogéneo, si no que se compone de varias disciplinas, que al mismo tiempo se nutren de otras experiencias fuera del ámbito artístico (Sánchez-Usón, 2016: 97), señalo la multidisciplinaridad como característica principal de mi creación artística. En el proceso de elaboración de las obras incluidas en los siguientes apartados, he complementado los conocimientos artísticos con otras ramas del saber, como pueden ser la psicología, la historia o las matemáticas. Además, cabe mencionar, la presencia de los medios tecnológicos dentro de mi proceso creativo, ya sea de forma puntual o en su totalidad; reforzando así la idea de que la ciencia y el arte deben ser asimilados como parte integrante de la totalidad de nuestra experiencia mental (Snow, 2000: 87). A continuación, presento un conjunto de obras que manifiestan todas las características expuestas, así como otras particularidades relacionadas con esta investigación. 36 4.2.1. Creación 1 Título: Abuelo Serie: Abuelos Autora: Paula Acosta Técnica: grafito Soporte: papel Medida: 297 x 210 cm Datación: 2020 Figura 9. Abuelo. (Paula Acosta, 2020) Figura 10. Abuelo. (Paula Acosta, 2020) 37 Retrato realizado a partir de una fotografía (figura 10). Esta obra mantiene la función artística del antiguo sistema del arte, -imitación de la realidad-, pues el objetivo principal es trasladar la imagen fotográfica a una técnica analógica clásica: el dibujo. Se inmortaliza así a través de dos disciplinas dispares, una misma imagen; complementarias una de la otra, se amplía la riqueza de la imagen. Figura 11. Sin Lactosa, vista frontal. (Paula Acosta, 2020) Figura 12. Sin Lactosa, vista trasera. (Paula Acosta, 2020) Figura 13. Sin Lactosa, vista trasera. (Paula Acosta, 2020) 38 4.2.2. Creación 2 Título: Sin Lactosa Autor: Paula Acosta Materiales: madera, espuma de poliuretano, resina acrílica, fibra de vidrio, pintura acrílica Dimensiones: 100 x 100 x 45 cm Datación: 2021 Figura 14. Sin Lactosa, vista lateral. (Paula Acosta, 2020) 39 Creación artística basada en la unión de arte y artesanía; escultura, diseño y ebanistería. Integra ambos elementos, del mismo modo que las obras de Richard Artsschwager1, evidenciando la presencia de la artesanía como parte importante en las carreras artísticas. Por consiguiente, la obra presenta característica tanto funcionales como estéticas. Se trata de una pieza escultórica contemplativa, así como, un baúl/sillón funcional, además de un diseño de decoración interior o exterior. Su proceso creativo engloba tanto los planos para los cortes y construcción de la madera, como la propia preparación y montaje de esta, además de la aplicación del resto de materiales (espuma de poliuretano y resina acrílica) y la policromía –incluye las zonas de la madera cubiertas con masilla pintadas con carácter hiperrealista-. Se toma de referencia la repostería creativa para idear los aspectos estéticos de la pieza. Como podemos observar en las imágenes, estamos ante un sándwich de helado de fresa, cubierto de nata. Por otro lado, mencionar la relación de este mismo ámbito –comidacon el título de la obra: Sin Lactosa. Actualmente cada vez somos más personas las que desarrollamos intolerancia a este componente de la leche. Por consiguiente, formando parte de ese grupo de personas y teniendo en cuenta que entre los “ingredientes” incluidos no se encuentran ni la leche ni sus derivados, estamos ante una obra “Sin Lactosa”. 1 Artista que forjó un camino singular en el arte, desde principios de la década de 1950 hasta los inicios del siglo XX. Convirtió la asimilación visual del espacio y de los objetos cotidianos en algo extraño, desconocido. En su trabajo, pictórico y escultórico, una mesa o una silla son a la vez muebles, esculturas e imágenes. (Guggenheim Bilbao, 2021. Consulta 30 de mayo de 2021. Disponible en: https://www.guggenheim-bilbao.eus/exposiciones/richardartschwager#picture-anchor ). 40 Título: Apolo Autora: Paula Acosta Técnica: aguafuerte y aguatinta Soporte: papel 250 g Medida: 297 x 210 cm Datación: 2020 4.2.3. Creación 3 Figura 15: Apolo. (Paula Acosta, 2020) 41 Obra creada a partir de una fotografía (figura 16). Prevalece el proceso creativo por el estudio anatómico y gráfico realizado, así como por el análisis de las zonas de luz y oscuridad. Titulo esta obra Apolo, -dios griego-, por la similitud del cuerpo masculino representado con la interpretación de estas figuras en la cultura clásica. Figura 16: Apolo. (Paula Acosta, 2020) 48 4.2.6. Creación 6 y 7 Título: Petunio Autora: Paula Acosta Técnica: ilustración digital Soporte: digital Datación: 2020 Figura 20: Petunio. (Paula Acosta, 2020) Figura 21: Petunio. (Paula Acosta, 2020) 49 Título: Petunio Autora: Paula Acosta Técnica: modelado 3D Soporte: digital Datación: 2021 Título: Cosmos Autora: Paula Acosta Edición y producción musical: Paula Acosta Técnica: animación Soporte: vídeo Datación: 2021 Figura 22: Petunio. (Paula Acosta, 2021) Figura 23: Cosmos. (Paula Acosta, 2021) 50 Figura 24. Dimensión física, sociológica y psicológica del personaje (Paula Acosta, 2021) 51 Petunio es un personaje creado con la ayuda de varios programas, como pueden ser Procreate (figuras 20 y 21) o Blender (figura 22). Funciona como mascota de ConPdePauliis, marca en proceso de creación; dispone de págna web y tienda online1. Como parte de este proyecto, elaboro una animación (figura 23) destinada a la plataforma Wallpaper Engine2. En la obra podemos ver a Petunio en la galaxia, junto a dos mariposas. La imagen animada se acompaña de una pieza musical en bucle, que produzco específicamente para la obra. La unión de imagen y sonido pretende transportar al espectador a un mundo mágico y espiritual, donde poder relajarse. En el proceso de creación de la obra se usaron programas de edición de diversos: Affinity Designer, Adobe Photoshop, Procreate, Adobe Premiere, Adobe After Effects y Garage Band. 1 Disponible en: https://conpdepauliis.wixsite.com/website-1 2 Aplicación disponible para Windows, que permite colocar fondos de pantalla animados, propios o de otros usuarios. Disponible en: https://www.wallpaperengine.io/es 5. Conclusión CONCLUSIÓN 53 A lo largo de la historia, los artistas han sido los encargados de documentar los acontecimientos de tal forma que, gracias al arte, tenemos conocimiento de muchos de los sucesos que tuvieron lugar en el pasado. Es la sociedad pragmática, cientifista y capitalista la que relega el papel del arte a un segundo plano, olvidando una de sus funciones principales -la educaciónal establecer un sistema de superespecialización del saber donde la creatividad ocupa un papel menor. Tal y como plantea Ramón Blanco Barrera, “¿qué vuelco se daría en el panorama artístico si los profesionales de este campo fueran capaces de generar unas líneas autónomas de investigación en el arte que a su vez confluyan con su entorno cotidiano más próximo de una manera más integradora? ¿Qué grado de innovación y enriquecimiento podría alcanzar la sociedad?” (Blanco Barrera, 2020: 38). Desde mi experiencia personal, opino que ser artista es más que una profesión, es un estilo de vida, una forma de ser y de pensar. Así pues, no considero que ser artista implique solo crear obras de arte; ser artista es una forma de ver y analizar el mundo desde un punto de vista más amplio, respecto al resto de la sociedad. Por consiguiente, considero que, las líneas de investigación citadas anteriormente, forman parte de la producción artística de un artista. En la actualidad, a pesar de no haber roto con la dicotomía entre arte, ciencia y humanidades, son cada vez más los proyectos que surgen con ideas de remodelación social con un enfoque transdisciplinario. En el campo de la educación, La Asociación de Centros Educativos Waldorf 1o el Máster Universitario en Artes Visuales y Educación, Un Enfoque Constructivista2, son algunas de las propuestas actualmente vigentes en nuestro país, como una alternativa al sistema educativo tradicional o como un paso hacia delante en la ruptura de la parcelación del saber. Descubrir, apoyar y dar a conocer alternativas de este carácter, se hacen para mi indispensable, puesto que ¿cómo puedo ser artista en una sociedad donde no se sabe valorar el arte? ¿Cómo quedarme de brazos cruzados mientras el resto del mundo sigue pensando que ser artista es solo pintar cuadros? Para poder llamarme a mí misma artista, primero he de hacer algo para educar a la sociedad, romper con este sistema de clasificación que impide que el resto del mundo pueda disfrutar del arte, tal y como los artistas lo hacemos. “¿No es hora de empezar? El peligro es que se nos educó para creer que teníamos todo el tiempo del mundo. Y tenemos muy poco. Tan poco que no me atrevo ni a pensarlo”, (Snow, 2000: 59). 1 La didáctica de la Pedagogía Waldorf se basa en la creatividad del maestro y el objetivo máximo es el de respetar el proceso madurativo de cada alumno. Fomentar sus capacidades intelectivas, su sensibilidad artística y su fuerza de voluntad para conseguir una formación que le permita responder a los desafíos de la vida y aportar nuevas ideas e impulsos a la sociedad futura. (Asociación de Centros Educativos Waldorf, 2021. Consulta: 25 de mayo de 2021. Disponible en: https://www.colegioswaldorf.org/ ) 2 Postgrado interuniversitario cuyo objetivo es formar en una doble vertiente profesionalizante e investigadora, en lo relacionado con la pedagogía y didáctica de las artes visuales y su repercusión en ámbitos educativos formales y no formales. (Universidad de Granada, 2021. Consulta: 27 de mayo de 2021. Disponible en: https://bellasartes.ugr.es/pages/ posgrado/masters ) 6. Índice de ilustraciones ÍNDICE DE ILUSTRACIONES 55 Figuras Figura 1. Da Vinci, Leonardo, 1492. Hombre Vitruvio (plumín, pluma y tinta sobre papel). 34,4 x 25,5 cm. Galería de la Academia de Venecia, Venecia, Italia. (Consulta: 17 de mayo de 2021). Disponible en: https://medium.com/@proyectocreatublogudvg/el-hombre-de-vitruvio-d2843f05cd40 Figura 2: Picasso, Pablo, 1907. Las señoritas de Avignon (óleo sobre lienzo). 243,9 x 233,7 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York. (Consulta: 17 de mayo de 2021). Disponible en: https:// objetivocastillalamancha.es/contenidos/internacional/senoritas-avignon Figura 3: Escher, Maurits, 1961. Cascadas (litografía). 37,8 x 30 cm. (Consulta: 17 de mayo de 2021). Disponible en: https://historia-arte.com/obras/cascada Figura 4: Dalí, Salvador, 1952. Galatea de las Esferas (óleo sobre lienzo). 65 x 54 cm. Teatro-Museo Dalí, Figueras, España. (Consulta: 17 de mayo de 2021). Disponible en: https://historia-arte.com/ obras/galatea-de-las-esferas Figura 5: Núñez, Rubén, 1974. Cristal del planeta arcoíris (holografía). 20,5 x 25,4 x 0,5 cm. (Consulta: 17 de mayo de 2021). Disponible en: http://vereda.ula.ve/wiki_artevenezolano/index.php/ Archivo:Copia_de_cristal_del_planeta_arcoiris.JPG Figura 6: Koch, Helge, 1904. Curva de koch. (Consulta: 17 de mayo de 2021). Disponible en: https:// vicmat.com/la-dimension-fractal-la-curva-koch-la-longitud-las-costas-gran-bretana/ Figura 7: Van Gogh, Vicent, 1889. La noche estrellada (óleo sobre lienzo). 73,7 x 92,1 cm. Museo de Arte Moderno de Nueva York. (Consulta: 17 de mayo de 2021). Disponible en: https://historia-arte. com/obras/noche-estrellada-van-gogh Figura 8: Caixa Fórum Sevilla, 2020-2021. Pixar. Construyendo personajes (exposición). (Consulta: 17 de mayo de 2021). Disponible en: https://prensa.fundacionlacaixa.org/es/2020/11/25/caixaforumsevilla-se-llena-de-la-magia-de-pixar/ Figura 9: Acosta, Paula, 2020. Abuelo (dibujo). Fuente: Paula Acosta. Figura 10: Acosta, Paula, 2020. Abuelo (fotografía). Fuente: Paula Acosta. Figura 11. Acosta, Paula, 2021. Sin Lactosa (escultura, mueble, decoración), vista frontal. Fuente: Paula Acosta. Figura 12. Acosta, Paula, 2021. Sin Lactosa (escultura, mueble, decoración), vista trasera. Fuente: 56 Paula Acosta. Figura 13. Acosta, Paula, 2021. Sin Lactosa (escultura, mobiliario, diseño), vista trasera, puerta abierta. Fuente: Paula Acosta. Figura 14. Acosta, Paula, 2021. Sin Lactosa (escultura, mobiliario, diseño), vista lateral. Fuente: Paula Acosta. Figura 15: Acosta, Paula, 2020. Apolo (grabado). 25x 32 cm. Fuente: Paula Acosta. Figura 16: Acosta, Paula, 2020. Apolo (fotografía). Fuente: Paula Acosta. Figura 17: Acosta, Paula, 2021. Habitantes del planeta Arcoíris (maquillaje, fotografía y diseño). Fuente: Paula Acosta. Figura 18: Acosta, Paula; Pérez, Ana, 2020. A-99 (Pintura). Fuente: Paula Acosta. Figura 19: Acosta, Paula; Pérez, Ana, 2020. A-99 (Pintura). Fuente: Paula Acosta. Figura 20: Acosta, Paula, 2020. Petunio (Ilustración digital). Fuente: Paula Acosta. Figura 21: Acosta, Paula, 2020. Petunio (Ilustración digital). Fuente: Paula Acosta. Figura 22: Acosta, Paula, 2021. Petunio (modelado 3D). Fuente: Paula Acosta. Figura 23: Acosta, Paula, 2021. Cosmos (vídeo animado). Fuente: Paula Acosta. Figura 24. Acosta, Paula, 2021. Dimensión física, sociológica y psicológica del personaje (ilustración digital). Fuente: Paula Acosta. 8. Anexos ANEXOS 65 Anexo I: Encuesta de 9 a 12 años (6 encuestados) 1. ¿ Cuántas horas a la semana tienes de asignaturas artísticas? Incluye Educación Plástica y Música. 2. ¿Y de matemáticas? 66 3.Marca las asignaturas que consideres menos importantes 4. ¿Te han servido las cosas que has aprendido en las asignaturas de arte hasta ahora? Marca la puntuación teniendo en cuenta que 1 es nada y 10 mucho. 67 5. ¿Cambiarías el número de horas que tienes de las asignaturas artísticas? 6. ¿Cuánto has aprendido acerca de la historia del arte en el colegio? Marca la puntuación teniendo en cuenta que 1 es nada y 10 mucho. 68 7. ¿Algún artista local ha visitado tu centro escolar? 8. ¿Puedes identificar entre estas obras La Gioconda? 69 9. ¿Puedes identificar entre estas obras La Mona Lisa? 10. ¿Es esto una obra de arte? 70 Encuesta de 13 a 18 años (10 encuestados) 1. ¿Qué especialidad estudias o te gustaría estudiar? 2. ¿Cuántas horas semanales dedicas a asignaturas artísticas en el colegio/instituto? Incluye Educación Plástica y Música. 71 3. Marca las asignaturas que consideres menos importantes. 4. Marca las profesiones que consideres menos importantes. 72 5. ¿Has realizado algún trabajo interdisciplinario, es decir que implique dos o más asignaturas diferentes? 6. ¿Te consideras una persona creativa? 73 7. Marca la puntuación según lo útil que está siendo para ti lo que estas aprendiendo sobre arte en el instituto, siendo 1 nada útil y 10 muy útil. 8. ¿Cuánto has aprendido acerca de historia del arte en el instituto hasta ahora? Marca la puntuación teniendo en cuenta que 1 es nada y 10 mucho. 80 6. ¿Cambiarias el número de horas que recibiste de asignaturas artísticas? 7. ¿Cuánto has aprendido acerca de historia del arte en tus centros escolares? Marca la puntuación teniendo en cuenta que 1 es nada y 10 mucho. 81 8. ¿Cuál consideras que es el nivel de importancia que recibe la educación artística en los centros españoles? Marca la puntuación teniendo en cuenta que 1 es nada y 10 mucho. 9. ¿En relación al contenido, cuál era el nivel de conexión entre las asignaturas en el centro escolar donde cursaste la Educación Secundaria? Marca la puntuación teniendo en cuenta que 1 es nada y 10 mucho. 82 10. ¿Conoces los términos multidisciplinar, interdisciplinar y transdisciplinar? 11. Valora la enseñanza de la educación artística de todo tu periodo como estudiante. Marca la puntuación teniendo en cuenta que 1 es nada y 10 mucho. 83 12. ¿Crees que las artes son prácticas esenciales dentro del desarrollo humano? 13. ¿Puedes identificar entre estas obras La Gioconda? 84 14. ¿Puedes identificar entre estas obras La Mona Lisa? 15. ¿Es esto una obra de arte? 85 16. ¿Piensas que una persona que estudia alguna rama científica, tendrá las mismas oportunidades de inserción laboral que una que estudia artes? 17. ¿Te imaginas un mundo donde no exista el cine? 86 18. ¿Crees que el arte hay que entenderlo? 19. ¿Crees que es necesario invertir más en arte y cultura? 87 20. ¿Crees que la creatividad tiene alguna función fuera del mundo del arte? Encuesta de 22 a 65 años (86 encuestados) 1. ¿Estudias o trabajas? Especifica tus estudios o profesión. 88 2. Marca las profesiones que consideres menos importantes. 3. ¿Has realizado algún trabajo colaborativo con personas de otras especialidades? 89 4. ¿Te consideras una persona creativa? 5. ¿Te ha sido útil lo que has aprendido sobre arte en el colegio/instituto? Marca la puntuación teniendo en cuenta que 1 es nada y 10 mucho. 96 18. ¿Crees que el arte hay que entenderlo? 19. ¿Crees que es necesario invertir más en arte y cultura? 97 20. ¿Crees que la creatividad tiene alguna función fuera del mundo del arte?