Encuentros fotográficos entre arquitectura y moda: análisis en cuatro tiempos

Escuela Técnica Superior de Arquitectura Grado en Fundamentos de la Arquitectura TRABAJO FINAL DE GRADO SEPTIEMBRE 2021 Encuentros fotográficos entre arquitectura y moda: análisis en cuatro tiempos AUTORA Cristina Fernández Valer TUTORA Noelia Galván Desvaux 6 7 resumen/abstract Arquitectura y moda son dos disciplinas afines con numerosos paralelismos, sobre todo cuando las planteamos desde su capacidad para envolver al hombre y darle cobijo. Este trabajo investiga esta relación entre ambas, desde el punto de vista de la fotografía, indagando en la capacidad de esta para mostrar y vender un modelo, bien sea arquitectónico o de moda. De esta manera abordaremos esa promoción de la arquitectura a través de ejemplos como el de las casas californianas o el de la casa del futuro de los Smithson, donde el modelo será la vivienda, y la moda y las personas que la portan, será el elemento fundamental que contextualizará esas imágenes para acercarlas al público. Por otro lado, se tratará la capacidad de la arquitectura para ser telón de fondo de campañas publicitarias, eventos o películas,como el Pabellón de Barcelona o la Casa Malaparte. Ambas líneas, basadas en el concepto de fondo y figura, se trabajan aquí desde el análisis gráfico,generando un discurso continuo propio, que aborda la capacidad del dibujo para reflexionar sobre la arquitectura y la moda. Architecture and fashion are two related disciplines with numerous points con common, especially when we consider them from their capacity to envelop man and give him shelter. This work investigates this relationship between the two, from the point of view of photography, investigating its ability to show and sell a model, be it architectural or fashion. In this way we will approach this promotion of architecture through examples such as Californian houses or the Smithsons’ house of the future, where the model will be the house, and fashion and the people who carry it, will be the element. fundamental that will contextualize those images to bring them closer to the public. On the other hand, the capacity of architecture to be a backdrop for advertising campaigns, events or films, such as the Barcelona Pavilion or the Casa Malaparte, will be discussed. Both lines, based on the concept of background and figure, are worked on here from graphic analysis, generating their own continuous discourse, which addresses the ability of drawing to reflect on architecture and fashion. 89 ínín didi ce:ce: 1. 1. arquitectura y modelo arquitectura y modelo 1. Introducción 12 1.0 Estado de la cuestión 13 1.1 Metodología 14 1.2 Objetivos 16 2. 2. la imagen como nexo la imagen como nexo entre arquitectura y modaentre arquitectura y moda 3. 3. fotografía y modafotografía y moda 3.0. Introducción 26 3.1 Evolución moda/fotografía 28 3.2 Revistas de moda 50 3.3 Deborah Turvebille 52 3.4 Helmut Newton 56 3.5 Annie Leibovitz 58 3.6 Mario Testino 59 4.1 la arquitectura como modelo 4.1.0 Introducción 64 4.1.1 Arquitectura y publicidad en EE.UU 67 4.1.2 Julius Shulman 68 4.1.3 Arquitectura y publicidad en Europa 72 4.1.4 Alison Smithson 72 4.2 la arquitectura como telón de fondo 4.2.0 Introducción 78 4.2.1 Pabellón de Barcelona de Mies van der Rohe y Lilly Reich 80 4.2.2 Casa Malaparte de Adalberto Libera 88 4.3 simbiosis 4.3.0 Introducción 96 4.3.1 Archigram y Superstudio (Cushicle y Suitaloon) 98 4.3.2 Toyo Ito (Chica Nómada) 104 4.3.3 Hussein Chalayan (mobiliario que es moda) 106 4.3.4 Angela Luna (ropa para refugiados) 107 5. 5. modelo, fondo y figuramodelo, fondo y figura 5.0. Introducción 110 5.1 Study House #22 Stalh House 114 5.2 House of The Future 124 5.3 Pabellón Alemán para la exposición 134 Internacional de Barcelona 5.4 Casa Malaparte 144 4. 4. fotografía y arquitecturafotografía y arquitectura 20 11 10 ‘’la belleza ‘’la belleza perece en la perece en la vida pero es vida pero es inmortal en inmortal en el arte’’el arte’’ Leonardo Da Vinci 1. 1. introducciónintroducción Imagen 1. Dibujo proporciones humanas de Leonardo Da Vinci 12 13 1.0 estado de la cuestión Este trabajo de fin de grado aúna temas como son moda, arquitectura y fotografía, y las relaciones que se dan entre ellos para conseguir su objetivo final: la comunicación y en última instancia la publicidad. En este aspecto es cuando cobra relevancia la escala humana, utilizada como modelo o figura representativa que aparece en las imágenes interactuando con el espacio y con las prendas que porta. Todas estas disciplinas no han tenido un desarrollo histórico aislado, si no que se han producido encuentros y desencuentros hasta llegar al panorama actual en el que no se pueden comprender de forma autónoma. Para entender esta evolución y la importancia de las aportaciones de cada una de estas disciplinas, se realizará un primer acercamiento entre moda y arquitectura y sus relaciones a lo largo de la historia. En segundo lugar, se realizará un análisis más detallado del desarrollo paralelo entre moda y fotografía. La investigación en el tema de la fotografía arquitectónica, llevó a establecer dos puntos de estudio: la arquitectura como modelo y la arquitectura como telón de fondo. Se ejemplificarán cada una de estas categorías analíticas a través de distintos proyectos. Como final a este tercer punto, se realizará un estudio centrado en la simbiosis, es decir, en proyectos que debido a su doble funcionalidad son arquitectura y son moda. En la parte final del trabajo, se realizará un estudio más detallado de fotografías relativas a proyectos estudiados y de la importancia por tanto,del modelo y de la forma en la que este aparece en la imagen. En este aspecto, la moda tiene un papel fundamental ya que en muchas ocasiones contextualiza o por el contrario, descontextualiza la obra. A lo largo de la historia, arquitectura y moda han intercambiado opiniones y muchas veces se han apoyado la una en la otra ya que ambas están destinadas a una finalidad común, envolver al usuario. La arquitectura lo ha hecho a través de construcciones de mayor escala, que apoyada por materiales pesados y robustos ha construido hogares y edificios. La moda en cambio, se ha regido por materiales más ligeros y flexibles para aportar comodidad y protección a quien las lleva. En el panorama actual, cuando se dice que se han intercambiado los papeles se debe a que la arquitectura ya no está tan centrada en realizar construcciones eternas y pesadas si no que está evolucionando hacia otras formas de habitar, empleando elementos más ligeros. Sin embargo la moda, muchas veces quiere hacer arquitectura, o prendas eternas que dan identidad a la marca. A pesar de todos los posibles apoyos mutuos en lo relevante a aspectos formales, lo que es innegable es que ambas convergen en un mismo punto, la fotografía. Esto se debe a que es la forma más fácil, rápida y entendible por parte del consumidor. En un mundo en el que las redes sociales y la publicidad tanto digital como física están a la orden del día, la fotografía se convierte en un modo de expresión. En este aspecto, la forma de ejemplificar al futuro consumidor pasa por la introducción de la escala humana en la fotografía, es decir,el modelo. La posición corporal o la forma de relacionarse con la arquitectura marca el entendimiento de la imagen por parte del público y por tanto del producto. El tema moda y arquitectura ha sido analizado en numerosas ocasiones con anterioridad. Tesis como la de Maria Llerena ‘‘Envolver el cuerpo. Una aproximación a miradas cruzadas entre arquitectura y moda’’, han recogido los encuentros y desencuentros de estas disciplinas a lo largo de la historia, hasta llegar al marco actual. Una exposición relevante en este aspecto fue Skin+Bones: Parallel practices in Fashion and Architecture, que estableció, en 2008, paralelismos entre estos dos artes. También, siguiendo esta misma línea, tienen relevancia los textos de Mark Wigley recogidos en su libro White Walls, Designer Dresses. The Fashioning of Modern Architecture. En el ámbito de la fotografía, existen también trabajos que se centran en el desarrollo de la misma pasando por los distintos estilos que se han instaurado a lo largo del tiempo. Aunque las revistas de moda como Vogue o Vanity Fair, son las que más han indagado en cuanto a la relación de moda y fotografía, haciendo alusión en numerosas ocasiones a la arquitectura. Las fotografías de las campañas de las propias firmas de moda, marcan la importancia de la arquitectura para conseguir la instantánea perfecta. Sin embargo, no se ha encontrado ningún estudio en referencia a la relación del modelo con la arquitectura y la moda, siendo la publicidad su objetivo final. Como en este trabajo se tratan numerosos temas centrados en varios proyectos,ha sido necesario también, la revisión de estudios y trabajos que se centran en el análisis de cada uno de estos proyectos. Para el último punto, centrado en el análisis de imágenes, se ha tomado como referencia la metodología del Grupo de Investigación ITACA-UJI de la Universidad Jaime I y su banco de datos. Imagen 2. Portada del libro White Walls, Designer Dresses Imagen 3. Portada Vogue Imagen 4. Tesis doctoral de María Llerena Imagen 5. Exposición Skin+Bones 14 15 1.1 metodología Con la finalidad de poder establecer las relaciones entre las distintas materias que se van a tratar, el primer apartado de la investigación está centrado en el marco teórico. En él, se ha estudiado todo lo relativo a la evolución histórica y los acercamientos que se han producido en este proceso. Así mismo,esta evolución viene apoyada en otros avances en las disciplinas relativas a la tecnología y a los cambios sociales y culturales. Posteriormente a este primer acercamiento, se elegirán dos proyectos en cada apartado para explicar como la arquitectura interactúa con la fotografía, que al final es cómo se presentan al público. Dentro del estudio de la fotografía arquitectónica,se ha establecido dos apartados según la relación de estas con la imagen. En el primer punto se analizan las fotografías en las que la arquitectura es la protagonista mientras que en el segundo es precisamente la arquitectura la que crea el escenario para que se fotografíen campañas o bien para que se filmen películas. Con todos estos conocimientos puestos en la mesa, se desarrollará la última parte del trabajo. En él, se realizará un estudio detallado, mediante el dibujo y la expresión gráfica, apoyado en análisis de fotografías ya realizados. En él, se establecerán una serie de puntos relativos a las distintas características y aspectos que posee la imagen fotográfica. Este análisis constará de tres niveles: análisis contextual, análisis morfológico,análisis compositivo y análisis interpretativo. En este último punto es en el que tiene relevancia la moda y la actitud del modelo con la arquitectura. El empleo del dibujo como herramienta de análisis, al igual que la fotografía, permite transmitir las ideas de una forma más clara y visible. Los dibujos están realizados a mano mediante una tableta gráfica con la finalidad de describir los distintos puntos de la imagen. Esto además permite centrar el foco en cada uno de los aspectos que si únicamente fuesen descritos mediante palabras, sería más difícil su comprensión. Todos los dibujos tienen una intencionalidad, la cuál pasa por marcar los aspectos a estudiar para que la idea analizada sea entendida por el lector. En los cuatro análisis que se realizan, aparece al final un resumen sobre las distintas vertientes de las imágenes, sobre las cuales se destacan los elementos más relevantes de las mismas. Se consigue así, crear un discurso narrativo por medio de fotografías con su correspondiente análisis. El empleo de dibujos y sistemas gráficos para realizar este tipo de estudios, al igual que la arquitectura, es la base del pensamiento y de la reflexión, punto de partida de cualquier creación. Imagen 6. Sistema de dibujo empleado 16 17 1.2 objetivos El objetivo principal de este trabajo de fin de grado es el estudio de las distintas relaciones entre arquitectura y moda, y en particular en cuanto a la imagen como nexo común. Este objetivo principal se llevará a cabo mediante el estudio del contexto de esas imágenes así como el análisis de algunas obras referentes, sus relaciones y proyectos. También, es necesario el conocimiento de la imagen demarca de algunas firmas de moda y su evolución en el tiempo. De esta forma se establecerán los vínculos entre arquitectura y moda así como la simbiosis entre ambas que dio lugar a las imágenes que se presentan, Otro de los objetivos principales pasa por el análisis e las diversas estrategias de imagen que se producen entre arquitectura y modelo. Así, se procederá a la recopilación de diversas imágenes paradigmáticas sobre las que se realizará un estudio gráfico de los distintos aspectos marcados. Para este análisis previamente se han establecido unas pautas en relación al concepto fondofigura. El último objetivo, que corresponde a la parte más práctica de este trabajo, es el análisis de cuatro ejemplos singulares de arquitectura donde se producen estas relaciones. Este último punto se realizará mediante un estudio que sigue varias pautas. En primer lugar, se realizará el análisis y la correspondiente descripción de las imágenes seleccionadas. Después se catalogarán según la metodología de análisis impuesta. Con esto, se procederá a describir y detallar así mismo, los procedimientos utilizados en ellas. Gracias a estos puntos de estudio, se podrá realizar una valoración de estas imágenes sobre el impacto que las mismas tuvieron en su contexto histórico cercano así como en la evolución del espacio arquitectónico expositivo. Un objetivo secundario de este último, es el conocimiento de la evolución histórica de estos modelos de estudio a través de la valoración de la influencia posterior de estos ejemplos en otros contextos, así como l.a detección de las acciones que en ellas se dieron como invariantes y que podrían, en consecuencia, servir como metodología para otros análisis futuros. 30 31 19201920 modamoda Como todo periodo de posguerra, surge una revolución en todos los ámbitos artísticos, este periodo se caracteriza por un periodo de prosperidad, de alegría donde ya no se ve todo negro, donde el pensamiento de la época cambia, ya no es todo un valle de lágrimas, donde la vida está para disfrutarla y todo ello se ve reflejado en la moda. Esta se caracteriza por prendas más divertidas y libres, cargadas de complementos que no habían podido lucir antes, como collares largos, bolsos, plumas, lentejuelas, flores, diademas…. Los años 20 fueron un periodo revolucionario y por ello, en consecuencia los vestidos se acortaron y variaron: comenzó a verse vestidos sin mangas, eso si, con estola para cubrir los brazos de la mujer; los zapatos comenzaron a llevar un leve tacón. Los tejidos variaron, los vestidos se caracterizaban por su vuelo, el corte evasée, escotes en v, bordados, seda, raso, abrigos de piel…. Surgen icónicos diseñadores como: Nina Ricci, Elsa Schiaparelly, Coco Chanel o Guccio Gucci.15 15. Bellver, Elena. 2020. “Moda De Los Años 20 - Tendenzias.Com”. Tendenzias. Com. https://tendenzias.com/moda/moda-de-los-anos-20/. foto foto El modernismo en fotografía, fue un movimiento artístico que se caracteriza por su profundo carácter libertario que ensalza la creatividad de sus artistas.16 La fotografía se fue instaurando en mayor medida en la sociedad que la década que le precedía. Comienza a ser una herramienta de trabajo y un medio de expresión que, además, permitía captar la realidad social que estaban viviendo en esa confusa época. En el ámbito de la moda, también tuvo una intención rompedora con lo anterior. Resaltó a la figura femenina sin dejar de lado la perspectiva formal y funcional. 17 Buscó desligarse de la pintura, centrando su visión en la nitidez fotográfica y en la búsqueda de líneas bien definidas. En este sentido, está claro las aspiraciones comerciales de la fotografía de moda. Rompieron con las imágenes borrosas y poco nítidas del pictoralismo para crear otras con mayor claridad, donde se pueda apreciar el producto que se quiere comercializar. La relación fondo-figura prácticamente desaparece. 18 Steichen, fotógrafo que sucedió en Voque a Meyer, destacó en esta época por capturas en las que juega con siluetas y sombras, dejando claro su dominio de luces y contrastes. 17 16. “El Modernismo En La Fotografía”. 2012. L’énigme De Man Ray. https:// enigmedemanray.wordpress.com/2012/11/12/el-modernismo-en-la-fotografia/. 17. “Fotografía De Moda, Sus Inicios Y Vinculación Al Arte”. 2021. Workshop Experience. https://www.workshopexperience.com/fotografia-moda-inicios/. 18. Mancebo, Natalia; Parejo, Nekane. 2007. “El modernismo, el realismo y el surrealismo en la fotografía de moda en el siglo XX”. Universidad Carlos III de Madrid. modernismomodernismo Imagen 17. Moda 1920 Imagen 18. Ejemplo de fotografía modernista. 32 33 19301930 modamoda La Europa de los años 30, marcada por la crisis económica, la Gran depresión y la Segunda Guerra Mundial dio un cambio a la dirección de la moda. Los hombres salían de la casa familiar para hacer frente a la guerra, dejando a su familia en casa. Por ello, gran parte de las mujeres de la época, se vieron obligadas a hacerse cargo de la casa y hacerse cargo de la familia. Este hecho fue un punto de inflexión en el transcurso de la historia de la moda puesto que las mujeres, por estas nuevas necesidades, comenzaron a llevar prendas masculinas adecuadas a ello, los pantalones. Fue una época gris y austera, que se plasmó en la ropa. 19 La indumentaria de esta época se caracteriza por el uso de pantalones para la mujer trabajadora, el uso de hombreras en chaquetas, telas más sobrias y oscuras; el uso del traje formado por una falda más corta que en años anteriores, dejando ver tobillos y pantorrilla y una chaqueta con hombreras. La moda femenina tomó un aire más masculino. 20 Ésto contrasta con el periodo que se vivió en Estados Unidos, con el glamour de Hollywood, dejando a un lado la moda icónica de París debido a que la gran pantalla fue, en aquella época el mayor escaparate de moda y por ello emblemáticos diseñadores emigraron a EEUU con la finalidad de diseñar vestidos para las actrices de Hollywood. 19. Hotbook, Redacción. 2021. “Evolución De La Moda A Través De Los Años”. Hotbook. http://hotbook.mx/evolucion-de-la-moda-traves-de-los-anos/. 20. ”Año 1930-1939”. 2021. DECADAS DE MODA. https://decadasdemoda.tumblr. com/post/71436036036/a%C3%B1o-1930-1939. fotofoto realismo/surrealismorealismo/surrealismo El interés estilístico de los consumidores, llevó a que la publicidad se afianciase en los medios y por tanto, a la consolidación de la fotografía. Esta nueva corriente presenta un estilo mucho más innovador que los anteriores, que se basa en la naturalidad de las modelos, es decir, busca plasmar en una imagen la realidad más pura acompañada del movimiento y la instantaneidad. 21 En esta década, cabe destacar las ilusiones ópticas y la creatividad de directores como Alexev Brodovitch, propietario de otra de las revistas de moda más importantes, Harper’s Bazaar. Una de sus sesiones de fotografía de la mano de Martin Munkacs, ha trascendido hasta día de hoy por su carácter profundamente libertario. 21. Mancebo, Natalia; Parejo, Nekane. 2007. “El modernismo, el realismo y el surrealismo en la fotografía de moda en el siglo XX”. Universidad Carlos III de Madrid. Crean obras que, de no ser por la existencia de cámaras fotográficas, serían imposibles de visualizar. Man Ray, fotógrafo de moda, logró incorporar este estilo creando composiciones llenas de erotismo. En una búsqueda de experimentación y de repulsa de la realidad, formaban mundos imaginarios, de ensueño, donde tenían cabida todo tipo de fotografías. En consecuencia, tomaban fotos irreales, que de desligaban por completo de lo cotidiano, buscando siempre causar una emoción (muchas veces negativa) en el público que las contemplaba. Aunque a priori parece que en el mundo de la moda no tiene cabida este tipo de fotografía, lo cierto es que triunfó en París, donde la alta sociedad reclamaba extravagantes formas de expresión. 22 22. IBID Imagen 19. Moda 1930 Imagen 20. Realismo, campaña Dior Imagen 21. Surrealismo Man Ray 34 35 19401940 modamoda La época afectada por la Segunda Guerra Mundial dio paso a un periodo de innovación en la moda, caracterizada por prendas prácticas para la mujer trabajadora, siendo el pantalón la prenda más recurrida. Continúan en auge el traje para la mujer, formado por falda y chaqueta con hombreras, con la diferencia de uso de calcetines en vez de medias, con el fin de ser una vestimenta práctica. Los complementos fueron también un punto clave en la indumentaria de las mujeres de esta época: el uso de pañuelos para agarrar el pelo a la hora de trabajar, zapatos de tacón gruesos, cinturones…. 23 Tras la finalización del periodo de Guerras, por las necesidad de volver a portar prendas glamurosas por parte de las mujeres, comenzó una etapa de evolución artística, marcada por los colores vivos y el exceso de telas con inspiración royal. La necesidad de crear e innovar dio paso a las primeras creaciones de patrones más cortos, con el dobladillo por debajo de la rodilla. No se puede entender esta revolución sin mencionar a diseñadores como Dior o Balenciaga que buscaban liberar a la mujer con sus trajes amplios y desahogados.24 23. “New Look”. 2021. Vogue. https://www.vogue.es/moda/modapedia/hitos/ new-look/344. 24. ”Moda De Los Años 40: Descubre Cómo Era Y Qué Vuelve”. 2020. Delooks. Es. https://delooks.marie-claire.es/moda/articulo/moda-de-los-anos-40-descubrecomo-era-y-que-vuelve-261584715231 foto foto Existe una fuerte diferencia entre el desarrollo comercial de la fotografía de moda en Europa y la que se estaba produciendo al otro lado del Atlántico. Debido a las circustancias producidas por la Segunda Guerra Mundial, la fotografía de moda en el viejo continente se limitaba a ser funcional y poco creativa, mientras que en las grandes ciudades como Nueva York, las revistas seguían su funcionamiento ininterrupidamente. A medida que la sociedad se fue recuperando, surgió la necesidad de abandonar las prendas grises por otras que rompiesen con todo lo anterior. Esto se vió reflejado también en las portadas de revista, las cuales se centraban principalmente en la moda femenina. 25 Richard Avedon e Irving Penn, se adentraron en el mundo de la fotografía de moda apadrinados por Brodovitch y Munkacsi. Rompieron con la rigidez impuesta anteriormente a los modelos, apostando por posturas más naturales, sobrias. También destaca el enfoque únicamente en la ropa, desprendiéndose así, de todo accesorio que dificulte la visión de las prendas. Buscan así, un acercamiento a los consumidores.26 25 . Iglesias, Carla, Alba Mato, Irene Merlo, and Lucía Millán. 2021. “Fotografía De Moda De Los Años 40 A Los 60”. Fotografiademoda4060.Blogspot.Com. https:// fotografiademoda4060.blogspot.com/. 26. “Fotografía De Moda, Sus Inicios Y Vinculación Al Arte”. 2021. Workshop Experience. https://www.workshopexperience.com/fotografia-moda-inicios/. Imagen 22. Moda 1940 Imagen 23. Fotografía de moda 1940 36 37 19501950 modamoda Comienza el consumismo americano y el ‘’ready to wear’’27 . La feminidad y la rebeldía están muy presentes durante este periodo, comienzan a sacar su lado más sensual, para ello utilizan escotes, cuerpos ceñidos para dejar ver la silueta femenina de una manera más sensual nunca antes vista. A diferencia de otros periodos anteriores, en esta etapa comenzaron a usarse telas más caras, con más calidad como el cashmere o bordados de gran calidad y muy trabajados. Los complementos como bolsos, zapatos, guantes, carteras… siguieron siendo de gran importancia en la industria de la moda. Las prendas icónicas cargadas de colores vivos y pasteles como la falda midi de tubo, permitiendo mostrar las curvas de la mujer, símbolo de feminidad; se comenzaron a ver escotes y hombros al descubierto, como faldas de corte evasé o pantalones pirata que fue una prenda de lo más innovadora.28 Los diseñadores más icónicos de esta época fueron: la emblemática Coco Chanel, Cristóbal Balenciaga, Givenchy o Pierre Cardin, que vistieron a celebridades de la época como Marilyn Monroe o Brigitte Bardot. 27. “Fotografía De Moda, Sus Inicios Y Vinculación Al Arte”. 2021. Workshop Experience. https://www.workshopexperience.com/fotografia-moda-inicios/. 28. “Así Era La Moda De Los Años 50”. 2020. Delooks.Es. https://delooks.marieclaire.es/moda/articulo/asi-era-la-moda-de-los-anos-50-931584955647. fotofoto La fotografía experimenta un fuerte auge debido a la necesidad de promocionar los productos. Esto, acompañado de los aires de optimismo después del periodo vivido y los avances técnológicos, hicieron que este campo experimentase grandes cambios. Destaca la aparición de cámaras más ligeras a las cuales se les incorporaba el flash. Este hecho supuso un antes y después en la fotografía nocturna y en el hecho de capturar movimiento. El epicentro de este desarrollo fue Nueva York donde fotógrafos como Richard Avedon o Irving Penn, fueron tomando nombre propio. ‘’La moda la utilizaban para dar a conocer nuevos conocimientos e ideas acerca de la sociedad. Esto lo hacían a través de sus modelos, que eran siempre protagonistas, dotadas de personalidad. Sus escenografías eran elegantes pero excéntricas, parecido al mundo teatral’’. 29 Seguramente el ya histórico ‘‘New Look’’ lanzado por Christian Dior en 1947, no hubiese sido tan trascendente de no ser por la fotografía y en consecuencia, con la publicidad que logró gracias a aquellas imágenes. 30 29. Alegre García, Alejandro. 2017. “Evolución de la fotografía de moda, estudio teórico y propuesta fotográfica propia’’ TFG U. Extremadura 30^ Iglesias, Carla, Alba Mato, Irene Merlo, and Lucía Millán. 2021. “Fotografía De Moda De Los Años 40 A Los 60”. Fotografiademoda4060.Blogspot.Com. https:// fotografiademoda4060.blogspot.com/. Imagen 24. Moda 1950 Imagen 25. Ejemplo de fotografía pictoralista de Joan Vilatobá 38 39 19601960 modamoda Periodo de fuerte cambio social marcado por los movimientos feministas y ‘’flower power’’ que tuvieron su repercusión también en el mundo de la moda, naciendo la icónica minifalda acompañada de una explosión de colores. Los pantalones acampanados y las telas de algodón predominan en esta década. 31 Las prendas se confeccionan siguiendo patrones de originalidad y creatividad. La juventud comenzó a expresar sus sentimientos a través del cine, la moda o la música; por ende surgieron grupos musicales como “The Beatles”, un nuevo movimiento cineasta francés “nouvelle vague” y la llegada de nuevas prendas de vestir femeninas símbolo de una “nueva” sociedad diferente e innovadora, orientada hacia la mujer trabajadora; gracias al movimiento “prêt-à-porter”,la industria textil se consolidó y desarrolló en consecuencia de una producción de calidad tolerable y de bajos costes. Balenciaga comenzó incluyendo en sus diseños cortes y proporciones nunca antes vistos, así como colores vistosos, símbolo de la rebeldía y la libertad de caracteriza esta etapa. Coco Chanel, en cambio, siguió con el estilo clásico que tanto la caracteriza. 32 31. Hotbook, Redacción. 2021. “Evolución De La Moda A Través De Los Años”. Hotbook. http://hotbook.mx/evolucion-de-la-moda-traves-de-los-anos/. 32 . “Moda De Los 60: La Revolución Del Estilo”. 2017. Farfetch.Com. https://www. farfetch.com/es/style-guide/trends-subcultures/moda-de-los-60-la-revolucion-delestilo/. fotofoto En la fotografía de moda, empienza a tomar protagonismo la figura del fotógrafo como signo de innovación, de modernidad, de creatividad y de libertad social y sexual. Comienzan a tener nombre propio, y en muchas campañas se priorizaba al fotógrafo antes que al modelo. Dio comienzo la época dorada de este campo de la fotografía. Cambió el cánon de belleza del modelo ‘‘ideal’’. Se priorizaban los cuerpos delgados y jóvenes, promovidos por los movimientos sociales. Estas protestas comenzaron en las universidades, promovidas por un pensamiento joven y revolucionario. 33 La moda comenzó a ser ‘’para todos’’, es decir, más asequible, y en consecuencia, tomó gran importancia la publicidad. Los modelos que aparecían portando las prendas de las firmas más importantes, comenzaron a ser, para el consumidor, referentes estilísticos. David Bailey o Bert Stern, destacan en esta década con fotografías que han perdurado e incluso que han sido reinventadas con el paso de los años. 33 . Iglesias, Carla, Alba Mato, Irene Merlo, and Lucía Millán. 2021. “Fotografía De Moda De Los Años 40 A Los 60”. Fotografiademoda4060.Blogspot.Com. https:// fotografiademoda4060.blogspot.com/. Imagen 26. Moda 1960 Imagen 27. Fotografía 1960, portada VOGUE 40 41 19701970 modamoda fotofoto Los creadores de “prêt-à-porter” hacia el año 1973, al igual que alta costura, comenzaron a exponer sus colecciones varias veces al año en ciudades emblemáticas como París, Milán, Londres, Nueva York. El consumismo se instauró en la sociedad. Las prendas de moda comenzaron a ser mucho más accesibles y por tanto surgió la necesidad de publicitarlas. La fotografía de moda comenzó a tener mucho más peso tanto en las casas de las grandes firmas de costura como en las revistas. Los medios escritos triunfaban entre todo el público y esto conllevó que surgiesen nuevos estilos de fotografía, mucho más polémicos y creativos para satisfacer a todos sus lectores. Surgen así una serie de fotógrafos innovadores hasta el momento como Helmut Newton, Deborah Turbeville o Guy Bordin, los cuales se caracteriza por un estilo provocador e innovador, utilizando para ello imágenes plagadas de sentido de humor, surrealistas o cercanas; modelos con poses sensuales y exageradas, cargadas de colores muy intensos; utilizando piezas claves como la seducción, el erotismo o el dinero en ambientes cuestionables. 36 36. Guerrero González, Valerio, B. 2015. “La fotografía de moda y la puesta en escena a través de la obra de Deborah Turbeville” Index Comunicación, 5, 1, 1138. ISSN: 2174-1859 Durante la transición de los años sesenta a los setenta se produjo un cambio radical tanto social, político o textil; fue un periodo de cambios en todos los sentidos, donde la juventud comenzó a interesarse más por la moda y tendencias del momento, cargadas de colores vivos de estilo “hippie”, siguiendo el modelo de los años 60. Las prendas que caracterizan este periodo son los pantalones vaqueros de campana, dejando atrás el estilo elegante y sobrio de otros tiempos con el fin de expresar su deseo de libertad y estilo de vida renovado. Los zapatos de plataforma exagerados fueron un “must-have” en la época. Las mini faldas estuvieron muy presentes en este periodo, fueron una prenda de lo más revolucionaria, ya que nunca antes se había visto prenda de vestir femenina tan “sexy” o “provocadora”; en cuento a los complementos, las mujeres de la época comenzaron a utilizar bolsos pequeños pero útiles, que les permitieran llevar lo necesario e incluso algo de maquillaje. 34 conocida como ‘’disco’’, los jóvenes buscaban un lugar donde poder mostrar prendas más glamurosas y extrovertidas, cargadas de lycra, lentejuelas, pantalones de campana y brillos. 35 Los textiles utilizados en este periodo fueron más coloridos, predominaban los tonos chillones como naranjas, amarillos o azules. En cuanto a los estampados predominaban los psicodélicos, de flores o tye-die. 34. Blanca. 2018. “ MODA De Los AÑOS 70: Características, Peinados Y Tendencias - Modaellas.Com”. 2018. Modaellas.Com. https://modaellas.com/moda-de-losanos-70/. 35. ”Moda De Los Años 70 - Ropa Mujeres | Café Versátil”. 2021. Cafeversatil.Com. https://cafeversatil.com/moda-anos-70/. Imagen 28. Moda 1970 Imagen 29. Fotografía de Helmut Newton 1970 42 43 19801980 modamoda fotofoto La fotografía de moda, para los artistas de esta década, fue un campo de experimentación. Capturaron imágenes con perfectivas casi imposibles como la realizada para Harper’s Bazaar en 1986 (foto izquierda) . Hacían juegos tanto con la ubicación en la que se hacían las instantáneas, como con los encuadres, creando composiciones sorprendentes. Hay que tener en cuenta que hasta estos años, este campo de la moda, ya se había desarrollado en gran medida y por tanto, había muchas personas especializadas en fotografía de moda. Es por ello que buscaron la creación de imágenes innovadoras que resaltaran de las usuales. También era habitual plasmar los avances tecnológicos en este tipo de imágenes. Es por ello que en numerosas ocasiones aparecen automóviles junto al modelo. Con la pretensión de crear imágenes únicas y futuristas, muchas de las imágenes empleaban neones y efectos especiales. Este aspecto,que a día de hoy es de fácil ejecucción gracias a herramientas como Photoshop, tenía mucha más dificultad en esta época y no cualquiera estaba cualificado para este trabajo. Década caracterizada por la rebeldía en la moda, dejando atrás los convencionalismos vistos hasta entones. La industria de la moda comenzó un proceso revolucionario, inspirándose en tendencias de décadas anteriores. 37 En los emblemáticos años 80, se podían apreciar diversos estilos: desde el “hippie” hasta el más “rockero”. Las prendas de esta época pretendían demostrar “glamour” y riqueza, tanto con las prendas como con la forma de vivir; para ello utilizaban estampados y textiles brillantes, perlas y piedras preciosas en joyería y uso de accesorios para nada discretos. En este periodo, la moda se caracteriza por no tener normas, era válida toda combinación, el uso de volúmenes, prendas ceñidas, cortes… .Las prendas más emblemáticas de la época fueron: las minifaldas, siguiendo la tendencia de la anterior década con la diferencia de las tonalidades, donde primaron los colores flúor y telas de cuero, como símbolo de rebeldía. Las minifaldas, a menudo, eran relacionadas con las divertidas y llamativas medias de colores o calentadores, de todos los colores y estampados posibles. Las hombreras fueron también un complemento emblemático de los años 80, donde tuvieron gran relevancia los volúmenes, y fueron usadas en diversas prendas como camisetas, blusas o chaquetas. 38 39 37. Hotbook, Redacción. 2021. “Evolución De La Moda A Través De Los Años”. Hotbook. http://hotbook.mx/evolucion-de-la-moda-traves-de-los-anos/. 38. “ MODA AÑOS 80 (Fotos, Ropa, Peinados Y Complementos) - Blogmujeres. Com”. 2020. Blogmujeres.Com. https://blogmujeres.com/moda-anos-80/. 39. Lorena. 2021. “Toda La MODA De Los AÑOS 80 - Modaellas.Com”. 2021. Modaellas.Com. https://modaellas.com/moda-de-los-anos-80/. Imagen 30. Moda 1980 Imagen 31. Fotografía 1980 44 45 19901990 modamoda Siguiendo el estilo de la década anterior, la moda no está marcada por unos estándares específicos, cada uno seguía sus propias tendencias y gustos personales, consiguiendo así una sociedad más diversa, con infinitos estilos personales. No obstante la sociedad de la época se inspiró en grandes diseñadores como Prada; en figuras emblemáticas como Madonna o Britney Spears; en películas y series como “Clueless” o “Friends”.40 A diferencia de los años 80, esta etapa se caracteriza por un estilo más minimalista y práctico, donde primaban prendas como los pantalones vaqueros “mom fit”, combinado a menudo con otras prendas vaqueras que solían incluir rotos y desgastados, siguiendo la tendencia “grounge” de la época, la cual se inspiraba en grupos musicales como “Nirvana”, consistía en un look desenfadado y divertido, con un aire de rebeldía. Las prendas características de esta época fueron: las camisetas cortas o anudadas y los pantalones de tiro bajo, dejando ver al descubierto la ropa interior de los jóvenes, junto a esto, aparecieron los tatuajes y los piercings en ombligos y otras diversas partes del cuerpo de la juventud, como símbolo de rebeldía. Algunas de las tendencia que tuvieron gran auge en los años 90 fueron: el uso de pichis o petos vaqueros, los vestidos mini, los tops de tirantes encima de una camiseta básica. 41 42 40. “1990-1999 - Evolución De La Moda”. 2021. Sites.Google.Com. https://sites. google.com/site/modayepoca/su-evolucion/1890-1899. 41. Blanca. 2020. “Moda De Los AÑOS 90 ¡Así Era El VESTUARO De Los 90!- Modaellas. Com”. 2020. Modaellas.Com. https://modaellas.com/moda-de-los-anos-90/. 42. Godoy, Susana. 2021. “Moda De Los Años 90 - Un Repaso Por La Década Más Especial”. Bezzia. https://www.bezzia.com/un-repaso-por-la-moda-de-los-anos-90/. fotofoto Tras los años ochenta la moda realiza un cambio radical, dejando atrás las grandes decoraciones y volúmenes en la ropa, centrándose en la naturalidad y en realzar la silueta, sin priorizar el decorado. Sucede igual con la fotografía y publicidad. Fue sin duda la década de las top model. Estas modelos no solo posaban para la cámara portando prendas de distintas marcas si no que ellas, en sí mismas, comenzaron a ser su propia marca. Eran el ideal de mujer perfecta, las cuales todas las firmas querían y además, eran su imagen visible ante un público, que en muchas ocasiones, les idolatraba. No se puede entender esta reelevancia sin mencionar a mujeres como Kate Moss o Claudia Schiffer. En muchas ocasiones era indiferente el lugar e incluso las prendas. Tal es así, que en algunas campañas publicitarias bastaba con retratar el rostro de la modelo para promocionar una marca. Destacan fotógrafas como Annie Leibovitz, la cual realizó campañas sofisticadas y menos recargadas para marcas emblemáticas como Louis Vuitton o Nike. Imagen 32. Moda 1990. Top models Imagen 33. Fotografía 1990. Claudia Schiffer para Guess 46 47 20002000 modamoda Para muchos, una de las peores épocas de la moda, influida por estrellas del pop y series de adolescentes. Se caracterizó por las faldas y pantalones ‘’low waist’’ dejando ver las curvas de los jóvenes; éstas a menudo solían ir acompañadas por crop-tops cargados de colores, estampados y purpurinas. 43 Siguiendo la tendencia de anteriores décadas, siguieron presentes los pantalones de campana, con la peculiaridad de que éstos dejaban al descubierto el ombligo. No obstante, frente a ésta tendencia se desarrolló otra inclinación por los pantalones anchos estilo militar, implantados por estrellas pop de la época. Las minifaldas, al igual que los vaqueros de campana siguieron presentes en ésta etapa, con la peculiaridad del uso de cinturones gruesos junto a éstas y las diversas telas utilizadas, como la vaquera, siguiendo la tendencia de los años 80. No olvidar los complementos, necesarios y útiles en cualquier etapa de la moda; en los años 90 sobresalieron las gorras, los cinturones en todas sus variantes: anchos, finos, utilizando un pañuelo para hacer su función, de cadena…; gargantillas, bolsos pequeños de hombro y sin olvidar los emblemáticos zapatos de punta con tacón. 44 43. González Cuadrado, Alba. 2018. “10 Tendencias Que Marcaron Los Años 2000 - Magazine De Moda”. Es.Inviptus.Com. https://es.inviptus.com/magazine/10tendencias-que-marcaron-los-anos-2000. 44^ . Phillips, Nuala. 2020. “8 Tendencias De Moda De Los 2000 Que Se Colarán En Tu Armario Esta Temporada”. Vogue España. https://www.vogue.es/moda/articulos/ tendencia-moda-anos-2000-otono-invierno-2020-2021. fotofoto En el siglo XXI, con la llegada de nuevas tecnologías, con programas de edición y postproducción, la fotografía de la moda se centra en la creatividad, motivando así a la aparición de nuevos fotógrafos. 45 La fotografía de moda comenzó a ser puramente publicitaria. Todas las semanas había un nuevo ejemplar de una revista de moda para las que se necesitaban fotografías. Cada vez había más fotógrafos y más modelos para cubrir todas las necesidades de los consumidores. Por la diversidad de personas, gustos y estilos, no existe ningún movimiento predominante en el campo de fotogrfía de moda. Dependiendo de la revista o el público al que se dirige se utiliza un estilo u otro. ‘‘La moda vende ilusiones y hace latir emociones’’ 46 Pero lo cierto es que los años 2000, demostraron el poder de la fotografía publicitaria ya que hasta entonces, únicamente se podían conocer las últimas tendencias a través de revistas físicas de moda. 45. Guerrero González, Valerio, B. 2015. “La fotografía de moda y la puesta en escena a través de la obra de Deborah Turbeville” Index Comunicación, 5, 1, 1138. ISSN: 2174-1859 46. Ceccato, Daniela. 2012. “Fotografía De Moda: Sus Inicios Y Su Desarrollo Hasta El Nuevo Milenio”. Crítica Arte Y Moda. https://criticaarteymoda.wordpress. com/2012/05/22/fotografia-de-moda-sus-inicios-y-su-desarrollo-hasta-el-nuevomilenio/. fotografía digitalfotografía digital Imagen 34. Rihanna y Christina Aguilera como ejemplo de moda de los 2000 Imagen 35. Fotografía años 2000, Kate Moss 48 49 20102010 modamoda Destaca por la mezcla de estilos y la gran cantidad de colecciones al año. Se ha instaurado en la sociedad el ‘’fast fahion’’ y la producción masiva donde tiene cabida cualquier moda. Existen marcas y estilos distintos encaminados a diferentes mercados. La mezcla cultural y social y las nuevas necesidades y formas de expresión, también se han trasladado al mundo de la moda. Por tanto, no existe una corriente ni estilo predominante. Las distintas firmas de moda, son las que se adaptan al público,no al contrario como sucedía anteriormente. En cuanto a la publicidad, se optaban por modelos con medidas’’perfectas’’muchas veces incluso irreales. Siguieron en auge las apuestas por ‘‘top models’’ o caras conocidas para crear la imagen pública de la marca. Si bien es verdad que esto ha evolucionado durante los últimos años hasta aproximarnos a 2021,en el que los cánones de belleza no existen, dando lugar a la cabida de todo tipo de cuerpos, sobre todo femeninos. Con el paso de los años, en la fotografía de la moda, gracias a fotógrafos como Steven Klein, Mario Testino, Solve Sundsbo….se puede observar un constante cambio en la industria de la moda, y, en consiguiente, del cine y de la fotografía, adaptándose a los gustos y tendencias de la época y evolucionando al ritmo de las nuevas tecnologías. 47 En esta década y hasta la actualidad, es el fotógrafo, y en consecuencia, la modelo y la fotografía, los que se tienen que adaptar a las características y personalidad de la marca, intentando reflejar su esencia. La fotografía de street style, fotografías de desfiles de moda, fotografía de Backstage, fotografía de editorial de moda, fotografía publicitaria de moda y fotografía de productos de moda, son algunos de las tendencias que existen en un panorama actual. 48 No se puede hablar de estos últimos años sin mencionar el poder de las redes sociales. En gran cantidad de ocasiones, las firmas, hacen fotografías exclusivamente en formato digital para colgarlas en estas plataformas ya que llegan a millones de personas al instante. 47. Guerrero González, Valerio, B. 2015. “La fotografía de moda y la puesta en escena a través de la obra de Deborah Turbeville” Index Comunicación, 5, 1, 1138. ISSN: 2174-1859 48. Figueroa, Blanca. “¿Cuáles Son Los Tipos De Fotografía De Moda Que Existen?”. Últimas Noticias De La Actualidad - Noticias Virales MOTT. https://mott. pe/noticias/cuales-son-los-tipos-de-fotografia-de-moda-que-existen/. fotofoto estilo adaptadoestilo adaptado Imagen 36. Moda 2010, Blake Lively Imagen 37. Fotografía 2010, Kate Moss por Mario Testino 62 63 ‘‘la moda es ‘‘la moda es arquitectura, arquitectura, es cuestión de es cuestión de proporciones’’proporciones’’ Coco Chanel 49. Las colecciones de Viktoria Lytra y su semenja con la arquitectura 4.1 arquitectura 4.1 arquitectura como modelocomo modelo 64 65 Ninguna fotografía es tomada al azar. Cada imagen representa un lugar y un sentimiento que solo puede perdurar en el tiempo si se capta. No es difícil observar una fotografía de hace 100 años y poder imaginar la historia narrada en ella, como se vivía, así como poder observar los cambios morfológicos que se han producido en ese lugar. La cámara cuenta la verdad. No es algo subjetivo como puede llegar a ser una pintura. Las imágenes, aunque puedan estar planificadas, se ciñen a la realidad. El problema de la fotografía de arquitectura es la limitación del espacio que se captura. Así, resulta imposible trasladar un espacio como la Capilla Sixtina en una sola imagen sin que se produzcan distorsiones. La fotografía está limitada al plano, a las dos dimensiones. La fotografía es un arte y como tal, ha sufrido numerosas propuestas desde su invención hasta el día de hoy. En concreto, la fotografía arquitectónica tiene relevancia tanto en su ámbito artístico como en su poder de comunicación y su ineludible importancia a la hora de la investigación histórica. De esta forma, la fotografía posee un doble sentido, como medio de reproducción y como medio de expresión. 77 En numerosas ocasiones, se ha procedido a la reconstrucción o restauración de un edificio gracias a las imágenes que existían sobre él. Es por ello que la fotografía arquitectónica tiene una gran responsabilidad cultural y testimonial. Las imágenes capturadas por una cámara tienen el poder de fijar el tiempo fuera del tiempo. 78 No se puede comenzar a hablar de fotografía arquitectónica sin mencionar la primera imagen que captó Joseph Niépce, en 1826, desde su habitación en París. La imagen, que no ha sido conservada 77. Bergera, Iñaki. 2016. ‘’Cámara Y Modelo. Fotografía de maquetas de arquitectura en España.’’ Madrid: La Fábrica. 78. IBID en las mejores condiciones, inmortalizó las vistas que este tenía desde su ventana. El resultado de varias horas de exposición fue una visión aérea de las cubiertas de la ciudad parisina. Niépce, al igual que los primeros fotógrafos, optaron por una fotografía de realidad, con una puesta en escena cuidadosa, intentando respetar la obra en su contexto, convirtiéndolo así, en referencias visuales. Con el paso del tiempo, los fotógrafos junto con los avances tecnológicos en este ámbito, comenzaron a experimentar con la fotografía para crear imágenes únicas, con una perspectiva y un punto de vista que el ojo humano no puede captar. Esto es lo que Moholy-Nagy definió como ‘’La Nueva Visión’’ en 1926. 79 Desde la primera fotografía hasta esta afirmación de Nagy pasaron 100 años. Durante este tiempo, muchas personas inmortalizaron calles, edificios, retrataron personas, escenas cotidianas… Gracias a estas fotografías tenemos constancia a día de hoy del día a día y de cómo eran las ciudades durante esos años. El impulso que tuvo el constructivismo a comienzos del s. XX continuó con la comercialización de fotografías de arquitectura como referente de modernidad y publicidad de la misma. La fotografía conseguía de esta manera, la realidad de ajustar a una escala cotidiana algo de grandes dimensiones además de la posibilidad de dar a conocer nuevas obras arquitectónicas sin la necesidad de salir de casa. Pero esta disciplina no tuvo su desarrollo a partes iguales en el mundo. En Europa, tras la época de guerras que había 79. Suárez, Ana; Yuste, Juan Ramón. 1999. ‘’Arquitectura y fotografía. Premio Arquitectura y fotografía Exposición PHotoEspaña 99’’ pags. (3-7) 50. Vista exterior de la Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright 4.1.0 introducción 66 67 sufrido, se publicitaban viviendas sociales y edificios grises para su reconstrucción. Unas imágenes muy distintas eran capturadas en Estados Unidos donde destacaban las casa unifamiliares, grandes rascacielos livianos.. 80 En este país, destacan Edward Steichen y Alfred Stieglitz los cuales realizaron numerosos reportajes fotográficos del nacimiento de los nuevos puentes y los primeros rascacielos en Nueva York. En Europa, cabe destacar la escuela de la Bauhaus como entidad que desarrolló la fotografía en este continente. A pesar de que el paisaje era mucho más desolador que las nuevas y ligeras formas arquitectónicas de América, consiguieron elaborar nuevos planteamientos a través de encuadres y composiciones únicas. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la fotografía arquitectónica tuvo su importancia como método de registro gráfico. Seguramente a día de hoy, no podríamos tener constancia de la magnitud de este conflicto que desoló a todo un continente, de no ser por esta documentación visual. La fotografía arquitectónica comparte rasgos muy similares a la fotografía de moda vista anteriormente, puesto que ambas tienen la misma finalidad, la publicidad. En la actualidad, la fotografía de arquitectura es utilizada por los arquitectos como medio propagandístico pero también para tener una documentación del proyecto. Al final, con la imagen de un edificio se intenta captar el espacio delimitado que observamos in situ para que cualquier persona pueda tener una visión similar sin la necesidad de trasladarse al lugar. 80. Alcolea Rodríguez, Rubén. 2005. “Arquitectura, fotografía y el mito de la industria de J. Neutra”. Tesis, Universidad de Navarra. En el continente Americano, la Primera y Segunda Guerra Mundial no provocaron tantos daños como lo hicieron en Europa, lo que conllevó un periodo de evolución y desarrollo en todas las ramas del arte, incluida la arquitectura. Estados Unidos pasó a ser el país símbolo del progreso y la modernidad. Anteriormente a la mitad del siglo XX, la arquitectura estadounidense venía precedida del funcionalismo moderno que describieron y a su vez criticaron, importantes representantes como Henry-Rusell Hitchcock, Philip Johnson, Nikolaus Pevner y Sigfried Giedion.Este nuevo estilo fue descrito como: ‘‘Este estilo contemporáneo, que existe en todo el mundo, es unitario e inclusivo, no fragmentado ni contradictorio como tanta de la producción de la primera generación a la que aluden los arquitectos modernos’’. Con esta definición, hacen alusión a arquitectos que consideraban ‘‘semimodernos’’, como Behrens, Wagner, Perret o Wright. 81 Durante los años 50, predominaba el movimiento moderno con el funcionalismo y el racionalismo que dieron lugar al diseño de edificios en los que se priorizaban los volúmenes puros y nítidos, exentos de todo ornamento. Los avances tecnológicos dieron lugar a nuevos sistemas constructivos en los que se producía una separación entre los elementos portantes y el cerramiento. Estos progresos vinieron apoyados por materiales como el hierro, el hormigón armado y el vidrio. La unión de estos nuevos sistemas estructurales, más ligeros que los anteriores, con los nuevos materiales, conllevó la construcción 81. Martínez de Carvajal, Angel Isaac. 2011. ‘’La Historia De La Arquitectura Del Siglo XX Modelos Historiográficos’’. Zaragoza. de los primeros rascacielos. Algunos de ellos fueron el Seagram Building, el IBM Plaza o los apartamentos Lake Shore Drive. 82 Además de grandes edificios, se proyectaron viviendas familiares minimalistas como la Casa Fansworth. La aparente simplicidad de estas viviendas, así como su transparencia y su diafanidad interior, conllevó a la oposición de gran parte de la sociedad, que las calificaron de frías e inhabitables. Para algunos críticos, muchas de estas viviendas, no se pensaban para el cliente sino para satisfacer el ego de los arquitectos. Lo cierto es que muchas de ellas fueron deshabitadas al poco tiempo de construirlas ya que la mentalidad de los ciudadanos de la época no estaba preparada para la nueva forma de habitar que se presentaba en estas casas. Como respuesta y publicidad a los que se oponían a la nueva arquitectura, surgió el programa de las Study Houses. Esta serie de viviendas, proyectadas por distintos arquitectos, querían producir un cambio en la concepción que tenían muchos de la nueva arquitectura. Esta idea fue impulsada por el editor de la revista Arts & Architecture, John Entenza. Las viviendas tenían que tener una característica común: la replicabilidad, apoyada en las nuevas tecnologías y en el uso de nuevos materiales. 3 Las viviendas más trascendentes como las realizadas por Craig Ellwood, Charles Ray Eames, Rapahel Soriano, Pierre Koening, Richard Neutra... han sido incluidas en el Registro Nacional de Lugares Históricos de EE.UU., y muchas de las imágenes incluidas en la biblioteca del congreso americano.83 82. “Arquitectura Del Siglo XX-XXI”. 2021. Es.Slideshare.Net. https://es.slideshare. net/papefons/arquitectura-del-siglo-xx-48162753. 83. “Case Study Houses | Arquitectura En Acero”. 2021. Arquitecturaenacero. Org. http://www.arquitecturaenacero.org/historia/arquitectos/case-study-houses. 4.1.1 arquitectura y publicidad en EE.UU 51. Fotografía de arquitectura de Minh T., arquitecto y diseñador 68 69 ‘’Mira, puedo mandar estas fotos a Francia, a Alemania… pero no puedo mandar la casa entera en ladrillos, vidrio y cemento’’ Julius Shulman recordaba a Richard Neutra, arquitecto, mentor y amigo personal del fotógrafo, diciendo estas palabras mientras miraba satisfecho el trabajo que Shulman había hecho de algunas de sus viviendas. El recorrido de Shulman como fotógrafo, comenzó en 1936 cuando se finalizó la construcción de la Kun House en Los Ángeles. Neutra, con el fin de inmortalizar la vivienda y que esta se publicitase, mandó a un muy joven Shulman a tomar unas instantáneas de la misma. No fue el único al que le sorprendió la visión y la calidad con la que trataba los espacios, ya que posteriormente, sus servicios también serían contratados por importantes arquitectos de la época, tales como John Lautner, Albert Frey o Raphael Soriano. 84 Para muchos, la clave del éxito de la fotografía de Shulman es la creación de un lenguaje propio, con un marcado sentido escenográfico 85 . Su obra se caracteriza por cuidar los pequeños detalles al máximo; así, en sus composiciones está perfectamente estudiada la colocación del mobiliario, la iluminación del ambiente, la vegetación dispuesta para guiar la vista hacia un punto determinado e incluso quién y cómo salía como modelo en las fotografías. Conseguía con la unión de todos estos aspectos crear una escena perfecta, acorde con el espacio y las cualidades de la vivienda que el arquitecto quisiera transmitir. Julius Shulman cuenta con un dominio técnico en todos los aspectos de la imagen. Sus obras más conocidas son las realizadas 84. Díez Martínez, Daniel (2014). ‘’Objetivo moderno. La fotografía de Julius Shulman y la construcción de la imagen de la arquitectura del sur de California.’’ rita_ Revista indexada de textos académicos, v. null (n. 2); pp. 62-67. ISSN 2340-9711. 85. IBID para la revista Arts & Architecture, las imágenes de las ya históricas Case Study Houses. En este trabajo, el lenguaje que emplea es el tratamiento de la arquitectura en blanco y negro y la inexistencia de personas en él. Son estas herramientas las que hacen que no exista nada más en la fotografía que arquitectura. No hay ningún objeto que distraiga la mirada. Así, el espectador puede comprender, a través de transparencias y ángulos imposibles, el funcionamiento de la vivienda, la materialidad, la ubicación… 86 La finalidad de Shulman no es otra que promocionar las viviendas de Los Ángeles intentando seducir al ciudadano americano con escenas de la vida cotidiana, mostrando a una ‘familia ideal’ y obviando la arquitectura frente a los espacios habitables. De esta forma, parece que en sus fotografías, Shulman está trabajando para el espectador en lugar de para el arquitecto que le ha contratado. En una de sus últimas entrevistas explicó las cualidades de su obra definiéndolas como ‘‘planing people in the picture’’y ‘‘the constructed view’’. Esto hace referencia a la reflexión que realizaba siempre antes de fotografiar un lugar en referencia a los modelos y posiciones corporales como a la visión general. Su obra, tuvo como primer objetivo un fin comercial. Las fotografías de las Study Houses tenían la finalidad de exponer el producto al público y por tanto, su venta. Pero lo cierto es que con sus imágenes, logró anteponer la fotografía a la arquitectura, y en muchas ocasiones casi resultaba más relevante la imagen que la visita física a la vivienda. Sin duda, Shulman hizo historia en Estados Unidos consiguiendo que muchos críticos cambiasen su opinión hacia esta nueva arquitectura. 86. IBID 4.1.2 Julius Shulman 52. Casa Kauffman fotografiada por Julius Shulman 70 71 ‘’THE CONSTRUCTED VIEW’’‘’THE CONSTRUCTED VIEW’’ ‘’PLANING PEOPLE IN THE PICTURE’’‘’PLANING PEOPLE IN THE PICTURE’’ Cuando observamos una fotografía como pueden ser las tomadas de la casa Kaufman, parece que estamos ante una instantánea casual y espontánea. Pero todo lo contrario. Julius Shulman preparaba cada detalle de la escena y no apretaba el botón hasta que cada pequeño aspecto estuviese a su gusto. Aunque la imagen se tome en décimas de segundo, en la mayor parte de las ocasiones podían pasar horas hasta que la totalidad de los elementos estuviesen en su sitio. Una anécdota que resulta curiosa que cuentan los arquitectos que trabajaron con él es que siempre llevaba en su coche plantas, a lo que él se refería como el ‘’jardín portátil’’. Estos objetos los empleaba en sus fotografías cuando quería conseguir distintos impactos visuales. Cada fotografía que realizaba era una escena familiar que retrataba a la los integrantes de la famila perfecta americana. En sus fotografías prácticamente se cuenta el funcionamiento de la vivienda lo que resulta de gran atractivo y de fácil entendimiento para el espectador. Julius elegía con suma exigencia los modelos que posaban en sus imágenes, así como las poses, la vestimenta.. Para Shulman, la arquitectura era algo fundamental y que afectaba a la vida de las personas, por ello las imágenes tenían que transmitir la sensación de hogar y protección que deberían de proporcionar todas las viviendas. Lo cierto es que, en su afán por conseguir la fotografía perfecta, es capaz de percibir y comprender tanto las espacialidades de la casa con su respectiva funcionalidad, como la parte arquitectónica. Es decir, en un misma fotografía puede aparecer una familia conversando pero a su vez, está fotografiando con igual nivel de detalle la cubierta. Las viviendas que fotografiaba normalmente eran residencias aisladas que consigue integrar a la perfección con la naturaleza y el paisaje. Las líneas rectas propias de la arquitectura americana de los años 50, los volúmenes puros y la ligereza del vidrio contrasta con las laderas de Los Ángeles y la vegetación. Su visión personal, los ángulos que hacían que toda la fotografía tuviese sentido, la representación del ideal americano, la iluminación puntual de todos los aspectos que quiere resaltar, hacían que la visión construida del espacio fuese casi perfecta. Consiguió lo que para muchos era imposible: el hecho de que a pesar de que todos los aspectos estuviesen estudiados hasta el más mínimo detalle, el resultado final sea algo cotidiano y aleatorio. Introducir la figura humana fue uno de los recursos que utilizó Shulman y que lo hizo destacar del resto de fotógrafos de la época. En una de sus entrevistas explicó que pocos profesionales de su gremio utilizaban personas, ciñéndose únicamente a capturar los espacios arquitectónicos. En cambio, él quiso mostrar las viviendas en su lado más funcional. Por ello es habitual ver una familia desayunando, una señora tomando el sol, niños jugando, una señora en la cocina, un matrimonio charlando… En instancia final, el objetivo era publicitar estas viviendas que muchos definían como ‘’peceras’’, acercándolas al ciudadano estadounidense como una buena opción de confort y modernidad. ‘’Mis imágenes cuentan siempre una historia, tal vez porque haya gente en ellas.’’.87 Sus imágenes han pasado a la historia precisamente por los personajes que aparecen en ellas. Una de las fotografías más icónicas de toda su trayectoria profesional, es probablemente la que tomó en la Stahl House. En esta fotografía nocturna, aparecen dos mujeres charlando frente a la ciudad iluminada de Los Ángeles. Las chicas, que se muestran hablando con aires glamurosos se encargan a su vez de establecer la distancia espacial interior. Las personas que visitan esta casa afirman que es imposible observar este espacio sin imaginarte a las dos chicas. ‘’La experiencia ‘bidimensional’ de esta fotografía es más poderosa y trascendental que toda la literatura generada alrededor de la propia construcción, e incluso tanto o más rica que la experiencia directa de la obra, puesto que 87. Narro, Itziar. 2020. “JULIUS SHULMAN, El Fotógrafo De La Arquitectura Californiana De Los 50”. Architectural Digest España. https://www.revistaad.es/diseno/iconos/ articulos/julius-shulman-fotografo-inmortilizo-arquitectura-californiana-50/28025. reproduce unas condiciones que solo pueden evocarse a través de esa imagen concreta.’’ 88 Pero no es la única imagen que ha pasado a la historia. ‘‘En la casa Seidel un niño apoyado en la bararaandilla recorta su figura sobre el mar al fondo. En la casa Oberman un hombre mira el horizonte infinito y su cuerpo da escala a la fotografía.’’89 En todas las fotografías de Shulman destaca el hecho de que la cámara de fotos siempre está posicionada baja con respecto a lo que se está fotografiando para así crear una mayor sensación de vuelo o una línea más contrastada con el horizonte. Pero nadie aparece mirando a la cámara. Es simplemente el movimiento o el acto de realizar una actividad lo que da espacialidad y dimensionalidad a la imagen. ‘‘La fotografía de Shulman no es solo fotografía de arquitectura. La fotografía de Shulman es arquitectura.’’ 90 88. Díez Martínez, Daniel (2014). ‘’Objetivo moderno. La fotografía de Julius Shulman y la construcción de la imagen de la arquitectura del sur de California.’’ rita_ Revista indexada de textos académicos, v. null (n. 2); pp. 62-67. ISSN 2340-9711. 89. Banco de datos. Análisis de la imagen fotográfica. Grupo de investigación ITACA-UJI. Universitat Jaume-1 90. IBID (87) 53. Fotografía de Julius Shulman, Loewy House de Albert Frey. 72 73 ‘‘Terminé mi casa y esos muros blancos, nítidos e impolutos fueron tomados para la colocación de cuadros de todo tipo. Los huecos de ventana fueron adornados por cortinas, los suelos por alfombras y objetos, muebles, estufas y lámparas acabaron de conformar un espacio con ese caos necesario para obtener un confort y una sensación de lugar habitado.’’ 95 Para muchos, la construcción de una vivienda no termina en el momento en que acaba la obra sino que se van añadiendo elementos, muchas veces no planeados por el arquitecto, con el fin de dar un aire más acogedor a la casa y convertirla así, en hogar. Alison Smithson tuvo como principal objetivo durante toda su trayectoria profesional el hecho de conseguir humanizar los espacios. Por ello, sus obras responden a la necesidad de cobijo y protección, diseñando espacios de reflexión y de reencuentro con uno mismo. 96 Pero Alison Smithson vivió en una época en la que se primaba más el diseño de volumetrías puras, de construcciones ligeras, espacios luminosos, el empleo de materiales como el vidrio, antes que responder a las necesidades que planteaban las familias americanas. El planteamiento de espacios funcionales realizado por Alison, se contraponía fuertemente con la necesidad de los arquitectos de la época de ser reconocidos por sus piezas minimalistas y contemporáneas. Quizá su éxito residió en saber crear espacialidades modernas y funcionales pero que a su vez fuesen estancias amables, pensadas para la vida de una familia. Por ello, fue ella misma la que se encargó 95. Ruiz Salvatierra, Arturo. ‘’Alison Smithson y el papel de la mujer en la domesticación del espacio de la arquitectura.’’ Boletín de la Sociedad de Amigos de la Cultura de Vélez-Málaga, ISSN 1699-4264, Nº. 13, 2014, págs. 55-60 96. IBID A comienzos del siglo XX, en Europa también se había instaurado el Movimiento Moderno, aunque su desarrollo no fue tan notable como en América. Como solución a la desolación que dejó en Europa la Primera Guerra Mundial, este movimiento promovió la regeneración social mediante la renovación de la arquitectura. 1 Este conflicto bélico, destruyó gran parte de las ciudades por lo que la finalidad de muchas de las arquitecturas que se construyeron en este periodo, estuvieron encaminadas a programas de viviendas sociales, atendiendo a los barrios obreros principalmente. En estas nuevas construcciones, que dieron cobijo a quien había perdido su hogar, también se afincaron las premisas relativas a la composición formal marcada por el Movimiento Moderno. Tales como eliminar todo lo superfluo u ornamental y la firme apuesta por volúmenes puros, con el empleo de la línea recta y la curva como contrapunto. 91 Pero todos los progresos y los avances que se fueron dando en este continente, se vieron truncados por la Segunda Guerra Mundial. En este periodo de entreguerras, desarrollaron su obra importantes arquitectos como Le Corbusier, a quien denominaron ‘‘el arquitecto del siglo’’.92 Otros grandes artistas tuvieron que exiliarse a América tras el inicio de la guerra. Este es el caso de arquitectos alemanes y profesores de la escuela de la Bauhaus, la cual, realizó grandes aportaciones a 91. Sainz Avia, Jorge. 1997. ‘’Arquitectura y urbanismo del siglo XX’’. Historia del arte. 4. El mundo contemporáne. Alianza Editorial, Madrid, pp. 265-335. ISBN 978-84206-4274-1. https://doi.org/10.13140/RG.2.1.1235.2248. 92. IBID la arquitectura moderna. Entre las ideas que defendían destacan algunas como: - ‘‘Todo edificio debía de ser diseñado de acuerdo a unos principios estrictamente racionales.’’ - ‘‘Propugnar la construcción de viviendas estándar a base de elementos prefabricados. La decoración, la luz, el mobiliario, etc., también deben realizarse de acuerdo con principios racionales.’’93 Como sucedió tras la Primera Guerra Mundial, fue necesario reconstruir las grandes ciudades europeas que quedaron devastadas. En este segundo periodo, ya estaba instaurado el Movimiento Moderno como estilo propio del siglo XX. Esta asimilación, supuso la pérdida de sus características formales, construyendo edificios sin personalidad ni carácter. Como ruptura a esta banalización de los principios de este estilo, grandes maestros de la arquitectura apostaron por nuevas corrientes artísticas marcadas por las formas orgánicas y la escala monumental. 94 Pero estos cambios en las ramas artísticas fueron un reflejo de la sociedad. Tras un periodo de guerras y posguerras en los que los avances se iban pausando y retrocediendo a medida que surgían nuevos conflictos, tras la Segunda Guerra Mundial se instauró un periodo de progreso ininterrumpido. La población y los artistas, buscaban nuevas formas de expresión , las que en la mayor parte de las ocasiones estaban encaminadas al futuro. 93. Martín Martínez de Simón, Elena. 2021. “ARQUITECTURA DE LA PRIMERA MITAD DE SIGLO - Cursos De Arte UBU”. Sites.Google.Com. https://sites.google.com/site/ auladearteypatrimonioubu/cursos-de-arte/historia-del-arte-contemporaneo/ arte-del-siglo-xx/arte-de-la-primera-mitad-del-siglo-xx/arquitectura. 94. IBID (90) 4.1.3 arquitectura y publicidad en Europa 4.1.4 Alison y Peter Smithson 54. Mujeres en una de las habitaciones del interior de la Future House 74 75 del diseño de mobiliario, lámparas, sillas... Un ejemplo perfecto de su arquitectura en todos los niveles de diseño es La casa del Futuro. Cuando hablamos de todos los niveles del diseño es porque ella se encargó tanto de diseñar el interior de la vivienda como cada elemento de mobiliario que aparece en las imágenes, incluso la ropa que viste la gente. De esta forma conseguía que todos los muebles estuviesen integrados a la perfección con el resto de la espacialidad de la vivienda, pero sin dejar de lado el aire moderno proprio de la época. Alison y Peter diseñaron esta casa para la exposición Ideal Home de Daily Mail en el año 1956. Las exposiciones eran utilizadas por los artistas como una herramienta con la que podían experimentar con la realidad. Creaban así, debates teóricos de habitabilidad futura. Se plantearon el diseño de una casa pensando en un estilo de vida próximo de una pareja joven sin hijos y sin tener que realizar las tareas del hogar puesto que en este supuesto caso, toda la vivienda estaría automatizada y dotada de las últimas tecnologías. 97 Para su construcción y posterior presentación en la exposición se empleó madera contrachapada acabada en yeso y pintura en emulsión, aunque la idea original era de utilizar materiales plásticos. 98 Uno de los principales problemas que ya se empezaban a ver en esa época y que en consecuencia, en el futuro se incrementaría, era el hecho de que las ciudades eran muy compactas, con gran densidad poblacional y en consecuencia, las viviendas disponían de poco espacio privado. Es por ello que decidieron diseñar una 97. M.B., Iñaki. 2021. “Casa Del Futuro - Urbipedia - Archivo De Arquitectura”. Urbipedia. https://www.urbipedia.org/hoja/Casa_del_futuro. 98. IBID planta que se desarrolla alrededor de un patio interior. Este espacio proporcionaba a la vivienda gran cantidad de luz, así como la posibilidad de disponer de salida al exterior privado desde todas las estancias de la casa. El planteamiento en su perímetro era simple, la planta tenía forma rectangular por lo que se podían construir unas al lado de otras. La pureza de los muros perimetrales sim embargo, contrasta en gran medida con el interior de la vivienda. Algunos de los muros que dividen estancias no son estancos si no que se trata de mamparas móviles que generan espacios pero a su vez van girando para crear armarios, para albergar la ducha... De esta forma, conseguían la integración en la misma estrcutura portante de la casa, de electrodomésticos y muebles, convirtiénoda en un objeto más dentro de la línea de consumo doméstico. Se condebía de esta manera la vivienda como un objeto más propio de la producción industrial, teniendo un ciclo de vida útil transitorio y desechable. 99 Los Smithson quisieron que este estudio de un hipotético futuro, pasase a la historia mediante fotografías que captasen a la perfección el aire innovador que quisieron diseñar. Para que al ver estas fotografías, el espectador se teletrasportase directamente a un tiempo futuro, todos los elementos tenían que estar en consonancia. Por ello, diseñaron hasta el más mínimo detalle. Esto incluía el vestuario. Según escribió la propia Alison Smithson: ‘‘La impresión general que debe llevarse el público debe de ser de glamour’’ Siguiendo este aspecto, en la imagen de la derecha, se pueden ver a dos mujeres preparándose para cenar. La mujer que se encuentra de pie, está peinando el cabello de la que se encuentra sentada. Esta acción, que a priori puede resultar de lo más cotidiana, se ve reforzada por la vestimenta y el mobiliario. La estantería que se encuentra a la derecha de las chicas, está plenamente integrada con el tabique. Incluso el espejo está dentro del mismo mueble. Los diseños curvos refuerzan la idea de casa futurista. La silla sobre la que se apoya la mujer, ha sido también diseñada por Alison y Peter. Si la silla fuese un mobiliario cotidiano en lugar de este de sieño, igual que el mobiliario trasero, la imagen se vería muy distintia y ya no tendría sentido el vestuario elegido. Todos los aspectos de la imagen cobran sentido cuando se ven juntos. 99. Brugnoli E., Gregorio. 2013. “La Casa Del Futuro O El Sueño Tecnológico Doméstico”. De Arquitectura 13 (16): págs. 74-75. doi:10.5354/0716-8772.2007.28206 55. Planta de la House of the Future 56. Habitación de la House of the Future con sus supuestos habitantes 57. Salón de la House of the Future con el mobiliario diseñado para ella. 76 77 ‘‘la arquitectura ‘‘la arquitectura es el juego es el juego sabio, correcto sabio, correcto y magnífico de y magnífico de los volúmenes los volúmenes bajo la luz’’ bajo la luz’’ Le Corbusier 4.2 arquitectura 4.2 arquitectura como telón decomo telón de fondofondo 58. Chrysler Building, Nueva York, Claude Heidemeyer en « Vertigo » de Mugler., 1988 78 79 La ‘‘amistad’’ entre moda y arquitectura es un juego peligroso pero eficaz. Cuando se piensa en realizar una campaña publicitaria una de las primeras decisiones a tomar es el dónde se va a realizar. Muchas veces se escogen ubicaciones que sean fácilmente reconocibles para el público como un monumento o la fachada de un edificio. El problema viene al buscar el equilibrio de protagonismo. Si se opta por fotografiar el edificio completo, se perderá el enfoque en los modelos y la ropa mientras que si se acerca demasiado a la arquitectura, ésta también pierde su sentido. 100 Las fotografías que han triunfado en este ámbito han sido realizadas por artistas que han sabido captar a la perfección la armonía entre el fondo y la figura. No hay que olvidar que el fin último del empleo como herramienta de la arquitectura en este caso es la publicidad y por tanto el consumo. Los espacios arquitectónicos poseen la capacidad de ensalzar y contextualizar a todo aquello que se ponga delante. La fotografía nos acerca a los elementos capturados. La cámara nos permite fijar la perspectiva para conseguir el ángulo deseado, y además, tiene la capacidad de poder repetirse de forma ilimitada, hasta conseguir la composición deseada. La moda ha encontrado en estos dos aliados el escenario perfecto para ser presentada. La imagen se ha convertido en el arma más rápida y eficaz para publicitar y acercar el producto al consumidor. 100. Vázquez, Anabel. 2017. “Moda Y Arquitectura: Cuando El Edificio Es El Top Model”. Vanity Fair. https://www.revistavanityfair.es/lujo/lifestyle/articulos/modaarquitectura-cuando-edificio-top-model/23408. 4.2.0 introducción 59. Campaña de Zubi en la Casa Ricarda. 60. Campaña de Loewe en el acueducto de Segovia Es habitual en este aspecto, que las firmas quieran edecuar la localización de las campañas y desfiles según su imagen personal, Esta idea la captó a la perfección Loewe, cuando quiso fotografiar su colección de otoño-invierno 2015 en el Acueducto de Segovia. Este monumento define a la perfección la artesanía y el aire clásico de sus prendas. Los grandes sillares de piedra enmarcan donde se sitúan los modelos. El acueducto pasa a un segundo plano aunque es perfectamente reconocible. Loewe con esta campaña, realiza un viaje en el tiempo. Una analogía perfecta con el monumento que al igual que sus prendas, representan la atemporalidad. y el carácter histórico. Al igual que Loewe,numerosas marcas dentro del mundo de la moda han utilizado la arquitectura como fondo de sus colecciones y de sus modelos. En la mayor parte de las veces la arquitectura ya está construida pero en otras, encargan el proyecto de crear una escenografía. Este es el caso en muchas ocasiones de las pasarelas como la creada por Zaha Hadid para Chanel, un encargo de el diseñador Karl Lagerfeld para la colección Primavera/Verano 2012. Se han seleccionado dos edificios concretamente debido a la relevancia que han tenido en este ámbito por la cantidad de ocasiones en las que se ha utilizado para fotografiar una campaña publicitaria, para rodar una película o como pasarela. Estos edificios que se estudiarán serán el Pabellón de Mies de Barcelona y la Casa Malaparte en Capri. 80 81 4.2.1 Pabellón de Barcelona de Mies Van der Rohe 61. Retrato de Mies junto a su maqueta del Crown Hall 62. Vista exterior del patio del pabellón, la escultura del estanque El pabellón de Barcelona, tal y como lo conocemos a día de hoy, fue rediseñado por los arquitectos Cristian Cirici, Fernando Ramos e Ignasi de Solá-Morales durante los años 1981-1986. Su construcción se adaptó al proyecto primitivo e idea original de Mies van der Rohe y Lily Reich. Este edificio formó parte de la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. 101 Con su lema ‘’less is more’’ sintetizó los principios teóricos que regían su obra en este pabellón que prácticamente actúa como modelo y con el que consiguió pasar a la historia. Mies, fiel representante del movimiento moderno, logró introducir con este proyecto, nuevos y renovados principios aún desconocidos en los ámbitos de la arquitectura y el diseño: ‘’la ortogonalidad de plantas y sistemas construidos, la extrema libertad y acondicionabilidad de aquella planta a las más disímiles disposiciones.’’102 El proyecto se caracteriza por la secuencia de espacialidades que generan un recorrido en el que el espectador se va encontrando las distintas estancias internas y externas a medida que se va adentrando en el complejo. La posición de todos los elementos como pilares o tabiques, estaba más que estudiada. Este recorrido, perfectamente planificado desde sus primeros bocetos, tenía un orden establecido y repleto de elementos y significados con un alto grado de simbolismo. En el ámbito espacial, se produce una secuencialidad continua de estancias interiores y exteriores que generan aperturas y distintas 101. Jaque Ovejero, Andrés. (2015). ‘’Mies en el sótano. El pabellón de Barcelona como ensamblaje de lo social.’’ Tesis, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Director de tesis: Dr. Juan Navarro Baldeweg. 102. Meissener Grebe, Eduardo. (1989). ‘’El pabellón de Mies Van der Rohe en Barcelona.’’ Arquitecturas del Sur, ISSN 0716-2677, ISSN-e 0716-6466, Vol. 5, Nº.13, págs. 14-15. visuales que tienen como finalidad conseguir que la visita al pabellón sea algo mágico, en el que los elementos surgen de manera continua pero perfectamente planificada. Una vez adentrados en el espacio interior se producen tensiones de carácter visual que redirigen la mirada a los espacios exteriores a través de cierres y separaciones mediante muros de vidrio. Además, otros aspectos como la utilización del mismo pavimento tanto en el interior como en el exterior, fomentan la expansión dinámica hacia todos los lados del pabellón. Resulta curioso que no exista ninguna sala de exposiciones ni ningún tipo de mobiliario para ello en su interior, que es lo que se puede pensar cuando hablamos de una construcción realizada para una exposición. Esto se debe a que se proyectó para albergar la recepción oficial presidida por el rey Alfonso XIII junto a las autoridades alemanas. No solo las características formales exaltaban estos principios del Movimiento Moderno sino también la materialidad. Los principales materiales con los que se construyó fueron: vidrio, acero, revestimientos con piedra, mármoles… Las características físicas de estos materiales tales como la transparencia, el color o el reflejo, están en consonancia con el simbolismo de la obra. 103 En su definición más estricta, la transparencia es la capacidad de un material para ver a través de él. Esta cualidad estaba implícita en uno de los principales materiales de la obra: el vidrio. Gracias a él, se podían observar de una forma clara, las relaciones espaciales entre las distintas estancias del pabellón, así como la continua relación interior-exterior. Pero este material alcanza 103. IBID (101) 94 95 ‘’Hacer más ‘’Hacer más humana la humana la arquitectura arquitectura significa significa hacer mejor hacer mejor arquitectura’’arquitectura’’ Alvar Aalto 4.3 4.3 simbiosissimbiosis 77. Alvar Aalto 96 97 Durante toda la historia, se han realizado estudios basados en diferentes pensamientos sobre cómo habitar. En esta evolución, entran en juego aspectos sociales y tecnológicos. A pesar de las numerosas propuestas que han surgido y estudiado, nunca se ha llegado a la conclusión de cuál es la óptima. Esto se debe a que existe un marcado componente psicológico y psicosocial referente a quién habita y a sus necesidades particulares. En el ámbito de la moda sucede de igual forma. Esta materia ha ido evolucionando para satisfacer a los usuarios en cuanto a sus preferencias individuales. Pasando de prendas pesadas a otras más ligeras. Como ya se ha visto en otros capítulos, han sido numerosas las ocasiones en las que moda y arquitectura han acercado posturas hasta llegar prácticamente a fusionarse. Cuando ya no existe una diferencia clara y visible entre lo que es arquitectura y lo que es moda, es cuando podemos hablar de simbiosis entre las dos materias. Ambas parten de la misma premisa con un mismo objetivo, el de satisfacer una necesidad humana. Esta necesidad, esencial para todas las personas es la de cubrirnos, protegernos. Ya que tanto la posesión de un núcleo habitacional como el uso de prendas de vestir es algo sustancial e intrínseco para la sociedad, no es de extrañar que se hayan realizado experimentos encaminados a aunar ambos disciplinas. En este aspecto, moda y arquitectura están limitadas en cuanto a su materialidad y escala. Por norma general, la arquitectura se caracteriza por su solidez y su carácter firme y consistente, utilizando materiales rígidos y pesados cuya finalidad es que la construcción perdure en el tiempo. Por el contrario, la moda emplea materiales ligeros y flexibles, que aportan comodidad a quien la porta. Esta diferencia se ve enfatizada cuando se unen las dos. En este sentido, es la arquitectura la que se acerca más a la moda que al contrario, utilizando materiales livianos que permitan esta doble funcionalidad, Pero si existe un rasgo característico cuando hablamos de simbiosis,este es la escala humana. Otro aspecto al que se ha tenido que adaptar la arquitectura es a reducir la escala. Al final, si el objetivo es crear un elemento que aúne estas dos necesidades, es necesario que una persona pueda manipularlos y por tanto, tiene que ser congruente con su tamaño. Debido a la evolución histórica, la demografía de las ciudades ha ido en aumento y por tanto, la superficie de suelo edificable ha disminuido para dar cobijo a estas personas. Como búsqueda de nuevas formas de habitar, surgieron arquitecturas efímeras y de pequeña escala. Muchas de ellas relacionadas con el mundo de la moda y las nuevas tecnologías. A continuación, se estudiarán los ejemplos más relevantes y más visibles de simbiosis entre moda y arquitectura. La mayoría de ellos han sido proyectos utópicos y meramente teóricos. Esto se debe a que existe un pensamiento fuertemente instaurado en la sociedad, la cuál, parece tener claro qué es arquitectura y qué es moda, y resulta difícil por tanto, el entendimiento de ambas siendo un único elemento pero con esa doble función. Nos interesa estudiar el uso ambiguo desde la imagen de esas arquitecturas que se acercan al vestido como envolvente del cuerpo, y a aquellas prendas que por su capacidad de transformación pueden convertirse en espacio habitable. Si bien estos ejemplos no serán analizados posteriormente, ya que consideramos que son demasiado conceptuales como para tener cabida en las categorías de análisis que hemos establecido. 78. Vestido de papel de la diseñadora colombiana Diana Gamboa 79. Museo Guggenheim de Nueva York, de Frank Lloyd Wright. 4.3.0 introducción 98 99 Superstudio y Archigram, han sido dos grupos de investigacion proyectual y habiacional que realizaron sus estudios durante la década de 1960 . ‘‘Para aquellos que como nosotros, están convencidos de que la arquitectura es una de las pocas formas de conectar el orden cósmico con la tierra y sobre todo que son capaces de confiar en la capacidad de la humanidad para actuar de acuerdo con la razón mediante utopías moderadas e imaginar un futuro cercano en el que toda la arquitectura se llevara a cabo con un solo acto a partir de un diseño único capaz de aclarar de una vez por todas los motivos que han inducido al hombre a construir dólmenes, menhires, pirámides, y por último, rastrear una línea blanca en el desierto.’’116 Los fundadores de Superstudio fueron Adolfo Natalini y Cristiano Toraldo di Francia. La premisa con la que partían todos los estudios y proyectos de este estudio era la de ‘‘no-arquitectura’’, así, nunca construyeron ningún edificio físico.117 El grupo Archigram fue un grupo de estudio compuesto por jóvenes repletos de creatividad y con una profunda necesidad de experimentar y reinventarse. Estos jóvenes, influenciados por el Pop Art y la ciencia ficción, hicieron numerosos estudios centrados en nuevas formas de 116. Superstudio. 1969. ‘‘The Continuos Monument An Architectural model for Total Urbanization’’ 117. Aguirre, Germán. 2018. ‘’ Bits mutación de la vivienda : visión evolutiva tecnológica’’. Trabajo final de especialización, Universidad de la República (Uruguay). Facultad de Arquitectura Diseño y Urbanismo Germán. (págs. 30-51) https://hdl.handle.net/20.500.12008/18787 habitar. 118 En un afán de innovar, sometieron continuamente a estas propuestas hipotéticas, a transformaciones dentro de los ámbitos sociales e individuales. Sus proyectos se limitaron al marco teórico puesto que en la mayor parte de las ocasiones, estas propuestas fantasiosas, no encajaban en la mentalidad de la ciudadanía de la época. Archigram, apoyaba sus estudios en los avances tecnológicos, en diseños innovadores y el empleo de nuevos materiales. Con estos requisitos pretendían eliminar las barreras impuestas por lo que se consideraba arquitectura tradicional. 119 Entre sus numerosas propuestas, destaca el estudio del individuo y su relación con la ciudad, intentando eliminar el límite entre el interior y el exterior. Para entender estas utopías, es necesario contextualizarlo en un marco histórico de posguerra. La sociedad buscaba nuevas formas de vivir y de socializarse, menos herméticas y más libres que las anteriores. De estas ganas de innovar, surgieron numerosas ideas que ponían la arquitectura a servicio de la población. Plasmaron en papel estas propuestas futuristas de lo que consideraban ciudades ideales. Entre todos sus estudios encaminados a crear nuevas formas de habitar, se ha seleccionado el Cushicle y el Suitaloon por su relación con la moda. 118. García, Tere. 2020. “Habitar En Situaciones Excepcionales. Una Reflexión Sobre Las Relaciones Entre El Individuo Y La Ciudad Desde El Arte Y La Arquitectura”. Elpais. Com. https://elpais.com/elpais/2020/03/31/seres_urbanos/1585647273_825196. html. 119. IBID 4.3.1 Superstudio y Archigram 80. Dibujo Archigram sobre las ciudades del futuro 81. Dibujo Archigram sobre las ciudades del futuro 100 101 Una de las principales inquietudes de Archigram era el estudio de arquitecturas de pequeña escala. De estos intereses nació un proyecto que en primera instancia iba a ser meramente teórico: el Cushicle, pero el que posteriormente se materializó en el Suitaloon, el primer prototipo. Michael Webb, perteneciente a este grupo de investigación, fue la figura que diseñó estos poyectos, humanizando los avances tecnológicos y adaptándolos a la domesticidad de los usuarios. 120 El Cushicle, en su concepción física, es similar a la columna vertebral a la que se le van añadiendo ‘‘módulos de necesidades vitales’’. Este chasis tubular, estaba cubierto por una doble membrana de tela que tenía la capacidad de hincharse. La introducción de aire creaba mobiliario donde poder acostarse así como un habitáculo cubierto. 121 Según los dibujos previos del autor, el Cushicle, tendría la capacidad de mutar geométricamente, adoptando distintas formas según las necesidades del individuo en ese momento. La idea era que el proyecto aunase todos los ámbitos de necesidad humana y que por tanto, pudiese contener almacenamiento de alimentos y tecnología como radio y televisión. Convirtiéndolo así en una cápsula nómada plena. El segundo proyecto, que si se llegó a materializar, fue el Suitaloon. A pesar de que partía del Cushicle, tuvo algunas modificaciones. Este segundo proyecto utópico, estaba enfocado igual que el primero, a una sociedad que era utópica también. La implantación 120. García, Tere. 2020. “Habitar En Situaciones Excepcionales. Una Reflexión Sobre Las Relaciones Entre El Individuo Y La Ciudad Desde El Arte Y La Arquitectura”. Elpais. Com. https://elpais.com/elpais/2020/03/31/seres_urbanos/1585647273_825196.html. 121. “Cushicle & Suitalone De Mike Webb (Archigram) _ Arquitectura En La Memoria”. 2011. Hacedordetrampas.Blogspot.Com. http://hacedordetrampas. blogspot.com/2011/01/cushicle-suitalone-de-mike-webb.html. del Suitaloon, suponía una nueva concepción social, en la que el individuo viviría aislado. El punto de partida de esta cápsula habitacional era simple: un traje que cubriese todas las necesidades de una persona. Así, un individuo sería capaz de portar este material plástico y ligero durante el día, y poder descansar en él durante la noche, o en el momento que fuese necesario, ya que esta traje tiene la capacidad de inflarse y crear una estancia. La característica principal del prototipo, el poderse inflarse en cualquier momento, suponía dar al individuo toda la capacidad de decisión de retiro. A pesar de esta cuestión, el enfoque de este planteamiento es todo lo contrario. La elección de el material estaba pensada como una reafirmación de una nueva época, con una sociedad más liberal. La transparencia del plástico suponía eliminar la barrera de la privacidad. Así, el individuo permanece ‘‘protegido’’ en lo que es su hogar, pero a su vez,expuesto al exterior debido a la limpidez de los materiales. La idea surgió en una época de posguerra y como un símbolo de transformación colectivo, pasando de tiempos grises y opacos a otros luminosos y transparentes. Una de las diferencias con el Cushicle, fue que el Suitaloon tenía la capacidad de unirse con otros similares a través de una abertura pensada para ello. Este elemento no tendría por tanto un único tamaño si no que podría adoptar diversos, y a su vez, éstos podrían unirse creando recintos de mayor tamaño con distintas estancias. La arquitectura se convierte por tanto,en una herramienta y símbolo de cambio y evolución. Cushicle & Suitaloon 82. Dibujo sobre el sistema de montaje del Cushicle de Archigram 102 103 83. Dibujos del funcionamiento del Cushicle y el Suitaloon de Archigram 84. Prototipo construido del Suitaloon y sus distintas fases de montaje Las imágenes pertenecen al primer prototipo materializado del Suitaloon. En ellas, aparece el proceso completo de construcción de la burbuja habitacional. Partiendo de un rollo de material ligero, de reducido tamaño si se compara con el resultado final, un individuo puede crear su hogar sin necesidad de ningún tipo de ayuda externa. Estas instantáneas, se utilizaron para promocionar esta novedosa creación. La relevancia de estas fotografías reside en la actitud del modelo en cuanto a su relación con la cápsula y, al ser transparente, con el exterior. El personaje utilizado como modelo, aparece en una posición tranquila, recostado sobre la parte inferior, que corresponde con la más cómoda y blanda del conjunto. A pesar de que el individuo está prácticamente sin ropa, aparece despreocupado, prácticamente ausente de las miradas y observadores exteriores. Con esta actitud, se pretende mostrar el cambio de mentalidad que estos grupos de investigación buscaban,en el que la intimidad no era un problema. 104 105 Toyo Ito es un arquitecto japonés con una amplia trayectoria y numerosas aportaciones a la arquitectura que le llevaron a obtener en 2013 el premio Pritzker. Pao For The Tokyo Nomad Girl, fue un proyecto realizado por este arquiecto a finales de la década de los 80, que proponía nuevas arqquiktecturas encaminadas a proponer nuevas formas de habitar y de relacionarse con el entorno. Para ejemplificar la escala humana, creó un individuo ‘‘la chica nómada’’, una mujer que aunaba las características urbanita, hedonista e independiente, para las cuales estaba concebida esta idea. No fue una casualidad que el habitante de este experimento fuese una mujer. Esta elección suponía una reivindicación hacia todas las mujeres libres y trabajadoras, dejando de lado su antigua domesticidad y trabajo para la familia. Cuestionó la arquitectura tradicional en la que existen límites físicos y opacos, que crean espacios en los que las personas almacenan sus posesiones y que contienen su intimidad. En su lugar, su propuesta de habitabilidad estaba encaminada hacia una persona cuyas posesiones son mínimas y la cual está desligada de todo lo material. Además, la transparencia de los materiales que delimitan el espacio interior, hace que el individuo que habita, pierda toda su intimidad y que por tanto, tenga que buscar nuevas formas de relacionarse con el exterior. 122 La propuesta nacía de la idea de crear un núcleo habitacional transportable, con elementos innovadores y mobiliario inteligente. El recinto habitacional está hecho a base de una estructura tubular 122. “25 Años De La Chica Nómada”. 2021. Ruespace.Com. http://www.ruespace. com/2010/11/25-anos-de-la-chica-nomada.html. metálica cubierta con materiales plásticos transparentes. En esta burbuja translúcida, se desarrollan todas las actividades de la vida cotidiana. Así,en las fotografías que han trascendido hasta día de hoy, podemos ver a esta mujer maquillándose, escuchando música o tomando el té. En el desarrollo de estas actividades es en el momento en el que el mobiliario ocupa todo el protagonismo. ‘‘Se trataba de objetos transitorios, como espejismos, sin sensación de textura o existencia. Son objetos efímeros que tienen más de fenómenos espontáneos como el arcoíris que de construcciones’’.123 El vestuario elegido para la exposición de esta propuesta, fue de prendas negras que contrastaban con el fondo pero sin quitar protagonismo al resto de elementos de la vivienda. La membrana que cubre la estancia se convierte en el verdadero ‘‘ropaje’’ de la mujer. 123. Ito, Toyo. 1991. ‘‘Arquitectura en una ciudad simulada.’’ 4.3.2 Toyo Ito y la chica nómada 85. Chica nómada arreglándose con el mobiliario diseñado para esta vivienda 86. Chica nómada sentada en un mueble multifuncional 106 107 Dentro del campo de experimentación, para conseguir esta dualidad funcional o fusión entre moda y arquitectura, ha habido diseñadores que han realizado propuestas de mobiliario. Estos muebles no eran estáticos si no que evolucionan en prendas de vestir. Este es el caso de Hussein Chalayan, un artista que tiene como referentes a arquitectos como Zaha Hadid o Nouvel. Su obra destaca por prendas que son difíciles de trasladar a la vida cotidiana. Él mismo los califica como prototipos que necesitan un soporte tecnológico indeleble. 124 Entre su obra, cabe destacar la colección AW00. Esta propuesta que dejó perpleja a toda la industria de la moda, se presentó en formato audiovisual. La puesta en escena parecía simple: una estancia con paredes de color blanco, que no dejan apreciar sus dimensiones para que no se distorsione lo verdaderamente importante. En ella, se sitúa un televisor, cuatro sillas y una mesa baja para café. Cuando comienza el vídeo, el escenario se comienza a transformar. Las sillas se convierten en maletas, las fundas en vestidos y la mesa en una voluminosa falda.125 Ejemplos como Hussein Chalayan, reafirman las uniones y las influencias que ejercen entre sí las distintas artes. El diseño de moda no es su única preocupación sino que va más allá. Sus creaciones tienen influencias del mundo de la arquitectura y de la antropología con un apoyo tecnológico. 124. VOGUE. 2021. “Hussein Chalayan”. Vogue. https://www.vogue.es/moda/ modapedia/disenadores/hussein-chalayan/190. 125. Viniegra, Valeria. 2021. “Hussein Chalayan Fusiona La Moda Y La Tecnología | Grazia México Y Latinoamérica”. Grazia México Y Latinoamérica. https:// graziamagazine.com/mx/articles/hussein-chalayan-fusiona-la-moda-y-latecnologia/. Como ya se ha visto en ejemplos anteriores, han surgido novedosas arquitecturas como respuesta a un contexto histórico y social. Cuando existe la necesidad de translado o emigración hacia otro lugar, cargar con las posesiones de cada individuo resulta fácil si se compara con mover su hogar. Este problema, es padecido a diario por una gran cantidad de ciudadanos que,debido principalmente a conflictos bélicos, tienen la necesidad de huir de su casa. Los refugiados son un ejemplo claro de estas dificultades. Como respuesta a esta cuestión, y con la finalidad de dar cobijo a estas personas, Angela Luna creó una serie de prendas de abrigo que se podían trasladar portadas por los individuos y que les servían a su vez de refugio. ‘‘Di con 5 u 8 situaciones con las que un refugiado se encuentra en su día a día, y darle solución. La primera idea que me vino a la cabeza fue la de una tienda de campaña o refugio... Después pensé en una chaqueta convertible en saco de dormir, un chaleco para llevar niños en trayectos largos, otro convertible en chaleco salvavidas y una parka de camuflaje reversible. Identificar sus necesidades fue quizás lo más fácil, lo complejo fue darle una solución realista y viable.’’ 126 El resultado final de este proyecto fue el diseño de prendas que se convierten en tiendas de campaña u otras que son sacos de dormir. Están realizadas con materiales ligeros e impermeables para que cualquier individuo pueda cargar con ellos y que en un momento determinado se conviertan también refugio. 126. Ximénez, Mario. 2016. “La Diseñadora Que Dedicó Su Primera Colección A Los Refugiados”. Harper’s BAZAAR. https://www.harpersbazaar.com/es/moda/ noticias-moda/a255438/angela-luna-refugiados-coleccion-moda/. 4.3.3 Hussein Chalayan 4.3.4 Angela Luna 87. Explicación montaje mesa que se transforma en falda 88. Escenas de la presentación de la colección AW00 89. Abrigo que se transforma en tienda de campaña 90. Abrigo que se transforma en saco de dormir 108 109 ‘’Destacar ‘’Destacar una figura una figura en un en un fondo es fondo es acentuar su acentuar su jerarquía’’jerarquía’’ Meissner 5. 5. modelo,modelo, fondo fondo y figura y figura 91. Representación de plano de Florencia con el juego de llenos y vacíos 110 111 Si dirigimos la mirada hacia un objeto, resulta imposible la visión aislada del mismo puesto que siempre está sobre o delante de algo. La vista nos permite diferenciar colores, texturas y formas, diferenciando así, ‘’lo que está delante’’ sobre ‘’lo que está detrás’’. ‘’La relación entre las cualidades visuales de los objetos y las de aquello que los rodea es lo que se denomina ‘’relación fondo-figura.’’ ‘’ 127 De esta forma, estos dos parámetros crean una composición que solo se puede percibir por el contraste que ejerce la una sobre la otra. Así, su peso visual será mayor cuanto más intensificado sea el contraste entre ambas. El fondo crea de esta manera un marco sobre el que aparece el contorno de lo que se quiere exhibir. ‘’Destacar una figura en un fondo es acentuar su jerarquía’’ Meissner Pero para que esta circunstancia sea percibida por los ojos del espectador, es necesario que aparezcan tres elementos básicos: - Sujeto - Luz - Forma Estos tres parámetros definen el cómo percibimos las formas; así, si utilizamos el punto de vista del sujeto, la percepción podrá cambiar según quién lo mira, con qué actitud, cuanto tiempo permanece observándolo. De igual forma ocurre con la luz que puede cambiar de intensidad, direccionalidad… Con todas estas posibilidades y variantes se abre completamente el marco de la creatividad. 127. “Relación Figura-Fondo (Psicología)”. 2018. Glosarios Especializados. https:// glosarios.servidor-alicante.com/psicologia/relacion-figura-fondo. Las distintas formas de percepción visual en la relación fondofigura, han sido estudiadas en ramas de la psicología, naciendo la Gestalt. Los psicólogos pertenecientes a este grupo, elaboraron principios o leyes dela forma atendiendo a las diferentes posibilidades de percepción: la ley de agrupamiento, de buena continuación, de buena curva, de buena forma, ley de cerramiento, ley de figura y fondo… Para entender estas leyes, y en consecuencia, la percepción del espectador, es necesario decir que a pesar de ser una unidad, no es monotonía o regularidad. Existe entre los elementos ritmos y tensiones que logran una composición armónica. Como ya se ha citado, es imposible concebir figura sin fondo puesto que la forma no existe sin el espacio que la contiene. Pero no todas las relaciones que existen entre estos parámetros son las mismas. 128 a) Figura complicada y fondo simple: Esta relación es la que aparece en trabajos en los que la figura predomina sobre el fondo. Para que se produzca el contraste deseado y que por tanto, el espectador dirija su atención principalmente a la figura, se emplearán en ella un mayor grado de detalles, normalmente con más color nitidez que el fondo, el cual, pasa a un segundo plano, sirviendo para contextualizar y enmarcar a la figura. b) Figura simple y fondo complejo: En este caso, es la figura la que releva el protagonismo al fondo. El cuál, utilizando las 128. Capello, Analía Lorena. 2021. “Relación Figura - Fondo - Teoría De La Forma”. Aulafacil.Com. https://www.aulafacil.com/cursos/dibujo/teoria-de-la-forma-2/ relacion-figura-fondo-l42370. 5.0 introducción 92. Juego de luces y sombras 93. Creación de una figura a partir de una realidad distinta 112 113 herramientas de color, nitidez y textura, consigue acaparar el protagonismo. c) Figura y fondo complejo: Simbiosis entre fondo y figura. Ambos aspectos aparecen con la misma cantidad de información. Ninguno tiene protagonismo sobre el otro, se fusionan. d) Figura y fondo reversible: Esta relación resulta de más complejo entendimiento para el observador puesto que no podrá diferenciar la figura del fondo. Se crea así, una relación reversible ya que tanto figura como fondo pueden ser alternos o relevados. Existe una tensión entre fondo y figura que no podrá ser resuelta, puesto que ambas visiones son correctas. En numerosas ocasiones, la arquitectura se convierte en protagonista y por tanto es la figura que resalta sobre el fondo. En otras ocasiones es ella misma la que se convierte en fondo y continente de la figura, que siempre suele ser el modelo. Se generan de esta forma una gran cantidad de relaciones entre fondo y figura, o arquitectura y modelo. En estas relaciones entre arquitectura y sujeto, la moda juega un papel fundamental ya que contextualiza o por el contrario, descontextualiza la arquitectura. En consiguiente, no tiene el mismo impacto visual, por ejemplo, la vivienda diseñada por Alison y Peter Smithson si en lugar de vestir a los personajes con prendas futuristas, lo hubiesen hecho con vestidos de la época. Al final, moda, arquitectura van de la mano, siendo representadas fielmente por la fotografía, la cual, juega un papel fundamental a la hora de presentarla al público, y por tanto, de comercializarla. En muchas ocasiones, la cámara puede llegar a captar visiones imposibles para el ojo humano creando imágenes que pueden parecer imposibles y que superan visualmente incluso a la propia arquitectura. Por la relevancia de esta herramienta de comunicación y de expresión, ya que une ambas artes, se han seleccionado una serie de fotografías con cierta importancia en el desarrollo de la historia de la arquitectura que representan las distintas relaciones que puede tener con respecto al modelo y en con secuencia, la importancia que tiene el mismo dentro de ellas. Para proceder al análisis de estas imágenes, se ha tenido como referencia el trabajo realizado por el Grupo de Investigación ITACA-UJI, en la Universidad Jaime I sobre el análisis de fotografías, recogida en su banco de datos. El análisis de las fotografías se ha dividido en cuatro partes según los aspectos que se van a tratar. El primer nivel es el contextual, en este se ha realizado una aproximación al autor o autores tanto de la obra como de la fotografía y sus relaciones, así como una ubicación en el tiempo. En el segundo nivel de análisis, titulado análisis morfológico se abordarán los temas pertenecientes a la forma, (contorno, textura, color, impacto visual, iluminación…) Seguido a este, en un tercer punto, se estudiará todo lo relativo a la composición de la imagen (perspectiva y punto de vista, tensión, distribución de pesos y ley de tercios, principios ordenadores…). En último lugar, se hará un recorrido por todos los aspectos relativos al análisis interpretativo (puesta en escena, tiempo, actitud, secuencia…) 94. Visión de ‘‘Edificio Experimenta 21’’ de Morini Arquitectos durante el día 95. Visión de ‘‘Edificio Experimenta 21’’ de Morini Arquitectos durante la noche 126 127 2 2 punto línea plano análisis morfológicoanálisis morfológico 2.a contorno La imagen captura a dos mujeres que se están arreglando dentro de una de las habitaciones de la vivienda. En un primer plano aparecen las protagonistas de la imagen, que son por otra parte el foco de atención principal. Pero esta escena se ve repetida por duplicado en la imagen ya se que refleja en el espejo. Con esta reproducción multiplicada por dos de la escena, se consigue dar protagonismo al diseño del mobiliario y a su consiguiente integración del espejo dentro de la estantería que de otra forma no resaltaría. Destacan las líneas curvas tanto de la silla sobre la que está sentada la mujer que se encuentra más adelantada, como las de la pared y la estantería que tienen detrás. 2.c color,textura, impacto visual Aunque la imagen esté tomada en blanco y negro, destacan la multitud de texturas, perceptibles en todo el marco fotográfico. En el plano trasero se crea un juego de sombras que dejan ver las ondulaciones de las cortinas que separan la habitación de otra estancia de la vivienda. La estantería genera claridad por su superficie plástica con un acabado pulido que refleja la luz. A pesar de ello, el mayor impacto visual lo generan las dos mujeres tanto por su vestimenta como sus pelucas que contrastan con la sutileza de las líneas que les enmarcan. 2.d iluminación Esta vivienda fue expuesta en el interior de un pabellón cubierto. Para que los visitantes pudiesen ver el interior sin entrar a la casa, la construcción no estaba techada y por tanto la iluminación se realizaba desde la parte superior. Dentro de la fotografía no se percibe ninguna luminaria ni ningún foco de luz puntual. 2.b tamaño, escala, proporción La fotografía está realizada con la cámara en posición vertical. Las modelos que aparecen en ella facilitan el asumir la escala del mobiliario de la vivienda. El objetivo no se encuentra demasiado alejado del primer plano puesto que a esta distancia es capaz de captar los pequeños detalles. 108. Análisis morfológico de la imagen seleccionada de la Future House (elaboración propia) 109. Imagen de la Future House seleccionada para su análisis 128 129 3 3 análisis compositivoanálisis compositivo 3.a perspectiva y punto de vista La imagen fue tomada a la distancia no muy lejana de las modelos, lo que les permitía enfocarse en captar los pequeños detalles de la imagen. La fotografía se realiza a una altura aproximada a la del ojo humano. Debido a la proximidad a las modelos, y estas a su vez,al fondo, la perspectiva no se ve enfatizada. La captura se realiza en el interior de una de las estancias de la vivienda. 3.b tensión En el caso de esta fotografía,la tensión se genera en el fuerte contraste que se produce entre el fondo y la figura. Todas las divisiones interiores de la vivienda son curvas. Esta característica se contrapone al diseño del vestuario y pelucas, los cuales están realizados a base de figuras angulares y líneas rectas. Probablemente si Alison y Peter Smithson hubiesen realizado un diseño curvo de estos elementos, no contrastarían con la geometría de la vivienda y por tanto, serían menos apreciables por el público. 3.c distribución de pesos y ley de tercios Todo el peso de la fotografía recae en el centro de la composición, lugar que a su vez ocupan las modelos. Pero este no es el único foco de atención puesto que esta escena se duplica. Este efecto se consigue gracias al espejo que se encuentra integrado en la fotografía. Los fotógrafos capturan la imagen con un ángulo en la que la composición se vea equilibrada. Así, sólo se ve una parte de la escena en el reflejo, dejando todo el protagonismo a la escena principal. 3.d principios ordenadores La escena central ordena la composición. El ángulo desde el que está tomada reproduce una simetría (no completa) de las dos mujeres en el espejo. 110. Análisis compositivo de la imagen seleccionada de la Future House (elaboración propia) 111. Análisis compositivo, plano de la Future House (elaboración propia) 130 131 4 4 análisis interpretativoanálisis interpretativo 4.a puesta en escena La finalidad de la construcción de este hipotético caso de habitabilidad, era mostrar cómo vivirían las personas en el futuro. Por tanto, era importante mostrar la vivienda, el mobiliario, las máquinas y sobre todo, las personas y su forma de vida. Es por ello que en este imagen y en todas las de esta casa, aparecen personas realizando actividades de la vida cotidiana acompañados de máquinas que les facilitarían el día a día y un vestuario y mobiliario novedoso y futurista. 4.b tiempo Como ya se puede observar, la obra está descontextualizada temporalmente. Esto, al final, era su objetivo. Nada de lo que se exponía en la Casa del Futuro era contemporáneo. El vestuario de los personajes situados en el interior,sobre todo centrándonos en las prendas femeninas, era muy atrevido si lo comparamos con la ropa que solían portar las mujeres en los años 50. Aunque en esta época ya se estaban empezando a ver escotes y faldas más cortas, no se tiene constancia de una colección similar a esta propuesta . Solo tenemos que comparar las personas que formaban parte de la exposición con los visitantes de la misma para observar el fuerte contraste. Otros elementos que hacen que la imagen viaje en el tiempo son el mobiliario y las máquinas destinadas a la domótica del hogar. Todo ello diseñado por Alison y Peter Smithson. 4.c secuencia Tanto esta imagen como las demás capturas realizadas durante la exposición, representan el día a día de un joven matrimonio. Las fotografías se van realizando en las distintas estancias de la casa para así tener una visión de todos los novedosos diseños realizados para cada habitación. La finalidad de la imagen se adecua a la de todo el proyecto: una visión teórica e hipotética de cómo sería la vida en unos 25 años. 4.d actitud Las dos mujeres aparecen en el interior de una habitación de la vivienda, preparándose para asistir a la cena. La más cercana al objetivo aparece sentada en una moderna silla diseñada para ese proyecto. La mujer que se encuentra detrás de ella aparece peinándole el cabello, hecho que resulta curioso teniendo en cuenta que ambas llevan peluca. Como fondo aparecen los curvos muros de la vivienda. Uno de ellos destaca por su versatilidad. Así,el muro sirve de tabique divisorio pero a su vez es estantería y contiene un espejo. En las imágenes se puede apreciar el exhaustivo diseño de todos los detalles que forman parte de la vivienda. Como se puede observar en estos dibujos. El vestuario creado distaba en gran medida de la ‘‘moda’’ de los años 60. Si lo comparamos por ejemplo con fotografías contemporáneas como las tomadas por Julius Shulman, resulta clara la diferencia. Los diseños del vestuario fueron realizados por Teddy Tinling con la clara intencionalidad de que todos los elementos de la vivienda fuesen en la misma dirección, sin producirse discordancias entre ellos. Los diseños femeninos se caracterizaban por ser prendas estructuradas, angulares y con clara evocación a la línea recta, contrastando con el resto de la vivienda. De igual forma, todos los personajes femeninos llevaban una peluca plástica para enfatizar más el vestuario. En cambio, la ropa masculina fue la que más sorpresa causó al público asistente puesto que cambió el traje por ropa más ajustada, sobre todo en las prendas inferiores,nada común en esa época. Esto conllevó a la crítica a calificarlos de ‘‘pitufos’’. 136 136. van den Heuvel, Dirk, and Max Risselada. 2004. “Alison And Peter Smithson : From The House Of The Future To A House Of Today - Folio”. Library.Bgc.Bard. Edu. https://library.bgc.bard.edu/catalog/05-B10186. 112. Análisis interpretativo de la imagen seleccionada de la Future House (elaboración propia) 113. Análisis interpretativo, moda de los integrantes de la Future House (elaboración propia) 132 133 114. Póster resumen fotografía de la Future House (elaboración propia) 134 135 5.3 PABELLÓN DE BARCELONA5.3 PABELLÓN DE BARCELONA Barcelona. 1956 Obra de Mies van der Rohe y Lilly Reich. Fotografía histórica 1 1 análisis contextualanálisis contextual La imagen elegida para su análisis ha sido escogida por su relevancia histórica. La fotografía pertenece concretamente al día en el que el pabellón de Barcelona se inauguró. El proyecto del Pabellón de Barcelona fue diseñado por Mies van der Rohe y Lilly Reich. El motivo de la construcción de este edificio, fue la celebración de la Exposición Internacional de Barcelona en el año 1929. La construcción de este pabellón entre los gobiernos de España y Alemania, se había acordado con pocos meses de antelación, concretamente el 26 de septiembre de 1928. Mies se comprometió a llevar a cabo el diseño de este edificio el 12 de noviembre por lo que contó con únicamente 6 meses para proyectar y construir este pabellón. Como premisa de este proyecto, tenían la de representar al país alemán en un edificio. La finalidad de la rectitud y simpleza de sus líneas, además de los espacios abiertos era la de simbolizar el nuevo periodo de progreso que comenzaba el país, tras instaurar la República de Weimar después de la Primera Guerra Mundial que había asolado a toda Europa. El hito histórico más importante fue el momento en el que la comitiva real española, junto con los diplomáticos representantes de Alemania, acompañaron a quienes en ese tiempo era los reyes de España, Alfonso XIII y Victoria Eugenia, a visitar el Pabellón de Mies y Lilly Reich. 137 Por la relevancia que tendría este momento de recepción, Mies también diseñó una silla exclusivamente para el rey. Esta silla con inspiración romana, se planteó como un trono real que incluía todos los aspectos del movimiento moderno que aunaba Mies. A pesar de ello, lo cierto es que los reyes declinaron la opción de sentarse en estas sillas, prefiriendo los tronos más clásicos. Las autoridades de ambos países junto con los reyes, fueron acompañados por el propio Mies a recorrer el pabellón. De este momento se captaron gran cantidad de imágenes en las que aparece el arquitecto junto con el rey Alfonso XIII y las autoridades alemanas. La imagen escogida corresponde a este recorrido que hicieron todos por el pabellón, concretamente cuando llegaron a la parte exterior, en la que se encuentra la escultura sobre la lámina de agua. Esta imagen, que por sus distintos grados de contraste parece que sus negativos han sido manipulados, deja ver al rey Alfonso XIII junto con las autoridades alemanas y la figura del estanque. De esta fotografía no se tiene constancia de quién la tomó, aunque se han tomado del archivo del ABC. 137. Arquine. 2019. “El Pabellón Barcelona, 1929 | Arquine”. Arquine | Arquitectura, Diseño Y Ciudad Desde México. https://www.arquine.com/pabellonbarcelona-1929/. 115. Alfonso XIII en el patio del Pabellón junto a las autoridades alemanas 116. Alfonso XIII junto a Mies van der Rohe 136 137 2 2 punto línea plano análisis morfológicoanálisis morfológico 2.a contorno La imagen se dispone en posición horizontal con la intención de poder captar tanto al representante de las autoridades alemanas como a y Alfonso XIII y a la escultura del estanque. En la fotografía, se puede apreciar como ambos protagonistas observan la figura situada en la parte exterior del pabellón tras haber realizado el recorrido interior. Se puede observar dos puntos de atención principal, en primer lugar Alfonso XIII y el representante alemán conversando y en segundo lugar la figura realizada por Georg Kolbe, situada encima de la lámina de agua. Las siluetas de los personajes y de la figura contrastan con la rectitud de los paramentos verticales y horizontales del pabellón. 2.c color,textura, impacto visual La fotografía está tomada en blanco y negro pero a pesar de ello existe diferencia de contraste de los protagonistas de la imagen (el representante de Alemania y Alfonso XIII) respecto a las dos personas que se sitúan detrás. Esta diferencia de contraste hace que adquieran más impacto dentro de la fotografía. La textura de la imagen la crea la piedra de la escultura y las vetas del mármol de la pared. 2.d iluminación Se trata de una instantánea realizada de día y en exterior por lo que la única luz que recibe es la luz natural. Esta iluminación ejerce una sombra en la pared por el voladizo de la cubierta. A su vez, la estatua también crea una sombra sobre el estanque. 2.b tamaño, escala, proporción La imagen está realizada con la cámara en posición horizontal. La escultura, con 1’73 metros de altura, tiene unas medidas muy similares a la escala humana por lo que parece que es un visitante más. En la fotografía no se llega a ver el voladizo exterior pero se puede tener una aproximación por la sombra que proyecta en el muro revestido de mármol. 117. Análisis morfológico de la imagen seleccionada del Pabellón de Barcelona 118. Análisis morfológico, comparación de la medida de la figura con el modulor de Le Corbusier (elaboración propia) 138 139 3 3 análisis compositivoanálisis compositivo 3.a perspectiva y punto de vista El autor de la fotografía se situó debajo del voladizo, al igual que las personas captadas en la imagen. No se utilizó ningún elemento de apoyo puesto que el punto de vista es el similar al del ojo humano. Es una visión que podía haber tenido cualquier visitante del pabellón. 3.b tensión En el caso de esta fotografía,la tensión se genera en la dualidad que se produce entre la escultura y los personajes. Ambos están separados por el estanque pero se miran mutuamente. Se produce una sensación de movimiento por la posición corporal de las dos personas conversando y la mujer tapándose la cara con los brazos. Crean una sensación en la que parece que ambos se intentan aproximar. 3.c distribución de pesos y ley de tercios 3.d principios ordenadores Casi como si se tratase de una simetría con el eje en la separación entre el pavimento y el estanque, se distribuyen la figura del estanque y los visitantes del pabellón. Los focos de la fotografía son la escultura dentro del agua y la figura del representante alemán y Alfonso XIII charlando. Se distribuyen de una forma que puede parecer casi simétrica pero el mayor peso de la imagen recae en las dos personas protagonistas. 119. Imagen seleccionada para su análisis correspondiente al día de la inauguración del Pabellón. 120. Análisis compositivo de la imagen seleccionada del Pabellón (elaboración propia) 121. Análisis compositivo de la imagen seleccionada del Pabellón. Entorno (elaboración propia) 122. Análisis compositivo de la imagen seleccionada del Pabellón. Punto de Vista(elaboración propia) 140 141 4 4 análisis interpretativoanálisis interpretativo 4.a puesta en escena La finalidad de esta fotografía es la de tener registro de esta momento importante en cuanto a la historia del pabellón. No se trata por tanto, de una escena planificada, es una fotografía tomada de forma totalmente espontánea y casual. Ninguno de los personajes aparecen mirando a la cámara. Por la relevancia de esta escena, se puede observar como todos los asistentes están vestidos con trajes y prendas elegantes. 4.b tiempo El tiempo es precisamente la característica más importante de esta fotografía. La imagen es captada el día de la inauguración del pabellón y es precisamente el carácter histórico y testimonial de la imagen el rasgo más importante. Gracias a esta imagen, a día de hoy tenemos constancia de quién y cómo recibieron al rey de España así como el estado primitivo del proyecto, fundamental para su reconstrucción. El vestuario de las personas asistentes a este acto es acorde también al tiempo y al lugar. 4.c secuencia Esta imagen corresponde al recorrido que realizó Alfonso XIII en el pabellón. Mientras recorrían los distintos espacios, era el propio Mies el que le iba explicando el proyecto. Esta imagen corresponde al recorrido exterior, concretamente al estanque en el que se encuentra la escultura. Se puede intuir por la posición corporal de ambos que le estaría relatando el porqué de la elección de esta mujer sobre la lámina de agua. 4.d actitud El representante de Alemania parece escuchar con atención a Alfonso XIII. Ambos aparecen mirando a la figura situada encima de la lámina de agua. A su vez, la figura no tiene una posición estanca si no que genera movimiento con su posición corporal. Permanece con sus brazos elevados sobre su rosto,ejerciendo un gesto para taparse del sol. Las personas situadas detrás de los protagonistas miran hacia el mismo lado que ellos por lo que también podrían estar atendiendo a las explicaciones que le estaría dando Alfonso XIII. 123. Análisis interpretativo de imagen seleccionada (elaboración propia) 124. Análisis interpretativo de imagen seleccionada. (elaboración propia) 125. Análisis interpretativo de imagen seleccionada. (elaboración propia) 142 143 pabellón pabellón de de barcelonabarcelona 126. Poster resumen fotografía realizada en el Pabellón de Barcelona. (elaboración propia) 144 145 5.4 CASA MALAPARTE 5.4 CASA MALAPARTE Capri, Italia. 1956 Obra de Alberto Libera. Cine, película ‘‘Le mépris’’ 1963 director: Jean-Luc Godard 1 1 análisis contextualanálisis contextual La Casa Malaparte se encuentra en Nápoles, Italia, concretamente en la isla de Capri. Aunque el proyecto inicial fue de Alberto Libera, recibió numerosas modificaciones previas a su construcción, según los gustos de el propietario de la casa Curzio Malaparte. Este escritor italiano, quería incorporar a la que sería su vivienda,sus gustos personales,haciéndola única y revolucionaria para su época. Curzio, tomó este lugar como un espacio de retiro, de ahí su inaccesibilidad. La vivienda, fue abandonada tras la muerte de este, por lo que quedó sumamente deteriorada. No fue hasta que el director Jean-Luc Godard se fijjó en la vivienda para la grabación de la última parte de la película Le mépris. La vivienda se sitúa en el extremo de un cabo, en una ubicación en la que predominan los acantilados y las rocas salvajes. El contraste que supone la implantación de una vivienda en un sitio como este,crea una escenografía mágica y profundamente cinematográfica. Es por ello que se tomó la decisión de filmar en este lugar. Como protagonista de la película, se eligió a Brigitte Bardot, una auténtica estrella y mito erótico para el público. Actriz perfecta para protagonizar este film basado en el deterioro de una relacción amorosa. La Casa Malaparte aparece en la última parte de la película, donde la relación de los protagonistas ya está prácticamente rota. En los primeros planos de estas secuencias aparece el camino en el medio de la montaña que conduce hacia la casa, para posteriormente enfocarla desde una altura superior con la que observar su presencia en el paisaje. La escena más representativa de la película y la que hemos seleccionado para analizar aquí, es concretamente en la que aparece la escalinata con la que se accede al solarium de la cubierta. Por estas escaleras sube Paul para poder conversar con Camille. El hombre, sale de la casa y realiza el mismo recorrido que haría cualquier persona para subir a la cubierta ya que no están comunicadas por el exterior. A medida que va subiendo los peldaños de la escalinata, la cámara que se sitúa en un punto elevado (seguramente en lo alto de la montaña que la casa tiene detrás), va subiendo progresivamente a medida que él avanza. De esta manera, en los primeros instantes de la secuencia, únicamente aparece dentro del plano la escalera, mientras que al final, se puede observar todo el paisaje. Después de esta subida a la cubierta, aparece Brigitte Bardot, tumbada detrás de la vela de hormigón con un libro sobre la espalda. Tras una conversación, la mujer se viste poniéndose un albornoz amarillo y tras esta secuencia, ambos realizan el recorrido inverso, para acabar en el interior de la vivienda. 127. Vista aérea de la Casa Malaparte 128. Escena de la película ‘‘Le mépris’’ en la escalinata de la Casa Malaparte 158 159 grafia-de-moda-sus-inicios-y-su-desarrollo-hasta-el-nuevo-milenio/. • Conde, Adriana. 2012. “Deborah Turbeville, La Moda Desenfocada | JOIA Magazine”. 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Imagen (Stalh House) extraída de https://elpais.com/icon-design/ arquitectura/2021-04-27/a-los-stahl-les-gustaba-beber-champan-pero-solo-tenianpara-cerveza-historia-de-la-casa-que-casi-no-fue-y-hoy-es-un-clasico-de-laarquitectura.html 99. Imagen (análisis morfológico) elaboración propia 100. Imagen (análisis Stahl House) extraída de https://elpais.com/icon-design/ arquitectura/2021-04-27/a-los-stahl-les-gustaba-beber-champan-pero-solo-tenian-paracerveza-historia-de-la-casa-que-casi-no-fue-y-hoy-es-un-clasico-de-la-arquitectura.html 101. Imagen (análisis compositivo) elaboración propia 102. Imagen (análisis compositivo plano) elaboración propia 103. Imagen (análisis interpretativo figura) elaboración propia 104. Imagen (análisis interpretativo moda) elaboración propia 105. Imagen (poster resumen Julius Shulman) elaboración propia 106. Imagen (integrantes Future House) extraída de https://www.treehugger.com/ look-alison-smithsons-house-future-4858335 107. Imagen (salón Future House) extraída de http://unalhistoria3.blogspot. com/2014/02/casa-del-futuro-alison-and-peter.html 108. Imagen (análisis morfológico Future House) elaboración propia 109. Imagen (análisis Future House) extraída de https://www.treehugger.com/lookalison-smithsons-house-future-4858335 110. Imagen (análisis compositivo Future House) elaboración propia 111. Imagen (análisis compositivo, plano Future House) elaboración propia 112. Imagen (análisis interpretativo Future House) elaboración propia 113. Imagen (análisis interpretativo,moda Future House) elaboración propia 114. Imagen (poster resumen Future House) 115. Imagen (Alsonso XIII y autoridades alemanas) extraída de https://miesbcn. com/es/el-pabellon/ 116. Imagen (Alfonso XIII y Mies) extraída de https://miesbcn.com/es/el-pabellon/ imagenes/ 117. Imagen (análisis morfológico imagen Pabellón) elaboración propia 118. Imagen (análisis morfológico modulor) elaboración propia 119. Imagen (análisis Pabellón) extraída de https://miesbcn.com/es/el-pabellon/ 168 169 120. Imagen (análisis compositivo) elaboración propia 121. Imagen (análisis compositivo. Entorno) elaboración propia 122. Imagen (análisis compositivo. Punto de vista) elaboración propia 123. Imagen (análisis interpretativo) elaboración propia 124. Imagen (análisis interpretativo) elaboración propia 125. Imagen (análisis interpretativo) elaboración propia 126. Imagen (poster resumen fotografía del Pabellón de Barcelona) elaboración propia 127. Imagen (escalinata) extraída de https://relatoenmarcadoblog.wordpress. com/2016/12/06/casa-malaparte-escaleras-al-infinito/ 128. Imagen (le mépris) extraída de https://www.pinterest.es/ pin/345369865156034411/ 129. Imagen (análisis morfológico Casa Malaparte) elaboración propia 130. Imagen (análisis compositivo Casa Malaparte) elaboración propia 131. Imagen (análisis compositivo Casa Malaparte) elaboración propia 132. Imagen (análisis Casa Malaparte) extraída de https://www.wallpaper. com/art/vacation-architecture-on-film-le-mepris-call-me-by-your-name 133. Imagen (análisis interpretativo Casa Malaparte. Secuencia) elaboración propia 134. Imagen (análisis interpretativo Casa Malaparte. Moda) elaboración propia